Pascal Dusapin - Passion (Cité de la Musique - 11 Avril 2009)

Etonnant, de voir un vrai décor d'opéra sur la scène de la Cité. Il sera unique, avec juste l'anneau du diapason s'amusant à monter et descendre, s'ouvrir et se fermer, mais cela convient bien à la structure de la pièce : quoique divisée en sections séparées par des interludes au clavecin solo (souvenirs de Monteverdi, dont quelques opéras sont à l'origine de cette oeuvre) ou électro-acoustiques, l'intrigue ne nécessite pas vraiment de passer d'un décor à un autre. Avec "elle" (Barbara Hannigan, belle comme Isabelle Carré, et à la voix puissante et impeccable) et "lui" (Georg Nigl, beaucoup plus intériorisé que pour "Faustus") qui arpentent la scène sans jamais vraiment s'y confronter, en interlaçant des discours où les traits poétiques sont malheureusement ensevelis sous des formules répétées qui me font bientôt abandonner la lecture fastidieuse des surtitres, on ne peut pas vraiment dire qu'il y ait une intrigue. Une suite de moments, plutôt, chacun peut-être dédié à une émotion, une "passion", comme dans un "traité des ...", puisque c'est à cela que fait référence le titre, et non à Mathieu ou à Jean, comme aurait pu le faire croire la date.
La musique, pour petit ensemble (nous sommes dans le gabarit "opéra de poche"), ici l'Ensemble Modern dirigé par Franck Ollu, complété du choeur Musicatreize dirigé par Roland Hayrabedian, est bien sur magnifique, avec des beaux passages au clavecin, à la harpe, à l'oud (beaucoup de cordes, donc). Mais jamais je n'accroche vraiment ; je ne saisis pas "l'enjeu" de cette musique. Alors que les Sept formes me passionnaient par justement leur mouvement, ici, la stase en quasi-surplace me lasse, et me laisse de glace.

Comme pour Faustus, ce sont des opéras où tout ce qui m'intéresse est ce qui ne tient pas à l'opéra, donc ce qui tient à la musique pure pour elle-même. L'ouvrage vocal que je préfère chez Dusapin reste la fin de "Niobé" (où il y avait une vraie histoire).

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Saison 2009-2010 : Cité de la Musique et Salle Pleyel

Cette année, j'ai opté pour une procédure particulièrement confortable pour passer commande : se rendre directement à la Cité de la Musique. En s'abonnant à un Parcours Cité (plus de 10 concerts = 33% de réduction), qui permet d'y ajouter des places à Pleyel (plus de 6 concerts = 10% de réduction), on peut faire d'un seul déplacement deux coups. Les avantages de cette méthode sont nombreux : assis à coté du gars derrière son ordinateur, on peut choisir sa place, concert par concert ; on sait aussitôt quand une catégorie est déjà complète (c'est le cas pour la catégorie 3 du "War Requiem" de Britten, ça va être blindé de chez blindé !), et donc choisir de payer plus ou pas ; cela permet de déjouer les pièges des forfaits particuliers, peu évidents à expliquer sur le bulletin papier ; enfin, on repart directement avec les billets dans la poche, ce qui évite les attentes angoissantes de l'expédition postale.

Je pensais réduire ma consommation Pleyel l'an dernier, ça aura finalement été pour cette année. 12 concerts seulement, au lieu de la vingtaine habituelle. J'ai vraiment l'impression de lire toujours les mêmes compositeurs et toujours les mêmes oeuvres. A l'examen, c'est moins vrai (par exemple, la répartition sans redite des Mahler est assez remarquable), quoique 3 ou 4 fois chaque concerto pour piano de Beethoven par exemple, c'est peut-être un peu trop. Et combien de Sacre cette année ?

Comme la salle n'est pas idéale pour le Jazz (trop froide, la sauce ne prend pas), ni pour la musique de chambre (trop grande, les toux tuent la concentration nécessaire à l'écoute), il y a clairement difficulté à élargir le répertoire des oeuvres proposées. Mais bon, c'est mon problème : je ne suis pas un auditeur normal de musique classique, pour qui la Cinquième de Chosta par Gustavo Dudamel n'a rien à voir avec la Cinquième de Chosta par l'orchestre Pasdeloup. Alors que je fais souvent l'impasse sur une soirée quand elle ne contient que des pièces déjà entendues dans les quelques années précédentes ...

Comme d'habitude, je me retrouve beaucoup plus dans l'éclectisme et les propositions originales de la Cité de la Musique, où je conserve mon régime de croisière : 21 places.

Plutôt que de faire des listes, je préfère pointer quelques soirées particulièrement prometteuses.

A Pleyel :
- un week-end Edgard Varèse, les 3 et 4 Octobre (je suppose que le compositeur sera à l'honneur du Festival d'Automne), avec des images de Gary Hill et une "mise en espace"
- le 16 Novembre, Pollini joue une des pièces où il touche particulièrement au génie de l'interprétation, le concerto pour piano numéro 2 de Béla Bartok, ici dirigé par Pierre Boulez ; avec en supplément "le Mandarin merveilleux". Soirée exceptionnelle, tarif exceptionnel ...
- le 9 Janvier, Ivan Fischer et son Orchestre du Festival de Budapest jouent du Wagner (chanté par Petra Lang). Leur interprétation du "Chant de la Terre" reste la plus belle à laquelle j'ai assisté, du coup, je guette leurs venues !
- le 18 Avril, Marc Ribot présente son trio (avec Jim Hall en deuxième partie) ; pouvoir choisir sa place permet de se placer bien devant, ce qui permettra sans doute à la magie d'opérer !

A la Cité de la Musique :
- le 15 Novembre, Mark Andre présente son tryptique " ... auf ... " dont la première partie m'avait fait très grande impression
- le 23 Janvier, Pascal Rophé dirige un des chefs d'oeuvres de Bruno Mantovani, "Le sette chiese", puis la pièce sans doute la plus accessible de Pierre Boulez, "Rituel in memoriam Bruno Maderna" ; ça peut être un excellent concert d'introduction à la musique contemporaine.
- le 9 Février, l'EIC joue la transcription pour orchestre de chambre du "Chant de la Terre" de Mahler, réalisée par Schönberg ; c'est une transcription (disponible en disque, dirigée par Herreweghe) que j'aime énormément.
- le 15 Avril, toujours l'EIC bien sur, joue "Répons", mais cette fois-ci ce n'est pas Boulez qui dirige, mais Mälkki ! Et comme la spatialisation de l'oeuvre pose le problème de son positionnement dans la salle, l'oeuvre sera jouée deux fois, avec déplacement du public entre les deux exécutions. Je suis curieux du résultat !

Et puis, une "rencontre" Stravinski - Xenakis, de nombreux concerts de Jazz autour de Miles Davis, du multimédia par Laurie Anderson, et une fin d'année sous le signe de Bollywood ...

Allez, suite des opérations avec le Théâtre de la Ville, dans quelques semaines !

Pollini Perspectives - Boulez (Salle Pleyel - 31 Mars 2009)

Arnold Schönberg - Six Petites pièces op. 19

Difficile début de concert, ou la musique, qui flirte longuement avec le silence, peine à passer à travers les tousseurs et quinteux, et leurs protestateurs véhéments. Pourtant, on y devine un laconisme sombre, plein de désillusion ; la sixième serait un hommage à Mahler, écrite juste après son enterrement. Pollini joue cette musique comme uniquement pour lui-même, dialogue intime, sans effet, à l'unisson de cette musique réduite à l'essentiel.

Alban Berg - Quatre Pièces op. 5

Le climat ne s'éclaire pas vraiment. Encore des miniatures, cette fois pour piano et clarinette, de la même époque du début de l'atonalité. Mais comme souvent chez Berg, l'émotion est moins cachée, et devient, surtout dans la quatrième pièce, bouleversante. Un déchirement, à fleur de nerf.

Anton Webern - Trois Petites Pièces op. 11

Après la force du Berg, ce duo piano violoncelle a plus de mal à nous toucher.

Anton Webern - Concerto op. 24

Je suis assez surpris par la direction de Pierre Boulez, qui prend un rythme lent et surtout monotone, pour un rendu uniforme, vraiment peu captivant.

Anton Webern - Lieder op. 3, 4, 12

Petra Lang parcourt ses cycles de lieder avec une belle intégrité, sans pathos ni effets, une présence qui n'obscurcit pas le piano ; mais les lieder, ce n'est pas vraiment mon truc.

Anton Webern - Variations op. 27

Retour au piano seul, pour un des "tubes" de Webern, en tous cas pour moi : je m'aperçois que je pourrais chantonner ces petites cadences astucieusement ajustées, où surgit tout le charme pointilliste et en demi-teintes du dodécaphonisme. En différenciant avec grand soin les attaques et les intensités, Pollini révèle les indices de sérialisme plus intégral de ces pièces fondamentales.

Anton Webern - Symphonie op. 21

Pareil que pour le concerto, le manque de brilliance de Boulez me laisse dubitatif. Ce soir, sous ses doigts, Webern semble bien froid. Heureusement que son intégrale était plus exaltante.

Arnold Schönberg - Lied der Waldtaube

La "verdeur" des Gurrelieder, mais la technique extraordinaire d'écriture pour petit ensemble acquise au fil des ans (indispensable savoir-faire pour créer des mélodies de timbres). Petra Lang peut plus jouer la cantatrice, la matière dramatique et la durée le permettent. C'est superbe.

Arnold Schönberg - Symphonie de chambre op. 9

Je connaissais Schönberg post-romantique, le voici ici très classique ! Du tonal (contourné certes), de l'allant, des couleurs orchestrales (de chambre) originales, tout ça s'écoute avec grand plaisir ! Et dans ces deux dernières pièces, Boulez est bien plus à son affaire !

Ailleurs: Palpatine, Paris-Broadway

Benoît Lachambre - Body-Scan (Centre Pompidou - 29 Mars 2009)

La salle n'ouvrant qu'à l'heure du début du spectacle, nous nous serrons dans les rangs tandis que les deux chorégraphes, Benoît Lachambre et Su-Feh Lee, assis au bord de la scène, devisent entre eux en riant de temps en temps. Puis un type arrive de la salle, se déshabille avant de grimper sur la scène, et, nu, commence à danser, avant de se glisser dans un duvet protecteur. Il est beaucoup question de peau, ou de diverses allégories, couvertures, doudounes. La danse est fluide, plutôt calme, et comme les idées ayant inspiré ce travail portaient sur la massothérapie et le Qi gong, il est question de toucher, d'énergie, d'harmonie. De la nudité, mais pas trop ; des borborygmes vociférés peu ragoutants mais j'espère libérateurs ; du texte, adressé au public ; des photos de Robert Flynt sur des corps en mouvements qui me laissent plutôt froid ; des couvertures qui planent et virevoltent en final, typiquement le genre d'épisode qui vient de séances d'improvisations. Beaucoup de danse, finalement, pour trois hommes et trois femmes. Tout ça pas mal, mais pas plus.

Pascal Dusapin - Le Cycle des 7 formes (Cité de la Musique - 27 Mars 2009)

Si ce concert était annoncé comme l'intégrale des "Solos pour orchestre" de Dusapin, dont je connaissais déjà sur disque les numéros 2 et 3, je ne m'attendais pas à ce qu'ils constituent un cycle, désormais complet, créé pas à pas, par des commandes successives d'oeuvres pour orchestre, entre 1992 et 2009, permettant à Pascal Dusapin de créer du grand format orchestral impossible à mettre en oeuvre autrement.
L'ensemble est ... monumental. Ce ne sont pas les mouvements successifs d'une sorte de symphonie, mais bien des morceaux indépendants (on applaudit entre chaque, et les musiciens se repositionnent de l'un à l'autre) ; de plus, la longue période de composition implique des évolutions d'esthétique entre le 1 et le 7. Mais une réflexion commune les relie, de "forme" dit-il, ou d'allure : comment faire avancer un discours musical pour orchestre. Vivement le CD (double - on frôle les 100 minutes), qui devrait voir le jour, Dusapin étant fort bien publié, et permettra de rentrer plus dans les détails d'une partition impressionnante, et d'ambition assez rare - je ne vois guère que "Les Espaces Acoustiques" de Grisey, dans le genre.

Go

Faisant référence au "Allons-y" anglais mais aussi au jeu asiatique où la réflexion la plus poussée découle d'un matériel particulièrement simple, cette pièce inaugurale est sans doute la plus mélodique de toutes (on ira de l'horizontal au vertical). Seule pièce avec un vrai solo, de violon, guère convaincant. Puis on repart, dans une matière profonde, par moment tourbillonnante, où les percussions s'amoncellent, en une sorte d'artisanat furieux (mais rien de boulezien). Le final éclaircit le discours vers les aigus, ce qui est une sorte de constante du cycle, comme un "à suivre".

Extenso

Dans ce type de musique, l'écoute en concert transcende le disque. Je redécouvre ce début poignant aux cordes, très "Métaboles", qui enfle peu à peu, se charge de bruits, pour atteindre des climats beaucoup plus grondants, éruptifs, menaçants, Varèsiens, puis changeant encore, toujours lents, fascinés par les mystères de l'orchestre, plongeant dans des lumières aux échos mystiques, à la Scelci.

Apex

Dusapin est aussi un excellent présentateur de sa propre musique. Il en donnne des explications qui n'en épuisent pas les mystères, mais donnent des pistes imagées ; "Au début, l'orchestre apparait comme engourdi. Il est écrasé, tassé par des masses harmoniques sombres qui offrent à l'auditeur la sensation de purs volumes de timbres mélés à la clarté d'accords plus définis. [ ... ] La forme avance pourtant par contractions et spasmes. Oui, ce sont aussi des convulsions, précisément des apex. L'orchestre est parfois feuilleté de rythmes incisifs, soudainement obscurci par des agrégats harmoniques écrasants". A part ça, je n'ai pas vraiment accroché à cette forme-là.

Clam

Là aussi, les explications semblent à la fois claires et mystérieuses, qui parlent de "cloquage", où "la matière musicale se détache de sa surface harmonique telle une bulle". Il est question de couches superposées, d'éléments cachés qui surgissent à la surface. J'y entends un lent bouillonnement, une matière parcourue par des vagues discordantes qui la pétrissent en plusieurs directions qui se contrarient les unes les autres. C'est tourmenté, mais pas convulsif. Bourbeux. Une tourbe profonde et obscure à la surface de laquelle flamboient des couleurs fugitives, issues des courants puissants et enfouis que l'on devine à l'oeuvre.

Exeo

"L'orchestre claque fortissimo en se rétractant sur les registres aigus et graves, désignant subitement un espace harmonique creux, créant du même coup une cavité sonore et les contours d'un nouveau territoire". Cet espace est fascinant, la tension entre les deux pôles extraordinaire, d'une intensité dramatique et esthétique rare. Et puis cet espace se remplit, par des processus divers et peu analysables, les lignes semblent surgir sans origine, et engendrent une complexité qui me fait penser ... à du Xenakis romantique ; cette image, a priori incongrue, est soudain validée quand je découvre la dédicace : "à la mémore de Iannis Xenakis". On en trouve aussi l'aspect architectural. "L'orchestre est traité d'un seul bloc. Dans la masse. Avec force. Il n'y a qu'une seule direction !". Autre caractéristique de cette pièce, c'est la seule du cycle où il n'y a pas de percussions. Cela n'empêche pas l'énergie (essentiellement potentielle) d'y être suffocante.

Reverso

C'est le plus long des solos, mais aussi le seul écrit en mouvements enchainés, si bien que sa longueur ne se remarque guère. "Quatre panneaux de temps articulés et repliables, comme les ailes d'un improbable oiseau". Je n'ai guère de souvenirs précis.

Uncut

En création ce soir, la conclusion. C'est du brutal. Si "Go" était plutôt mélodique, ici on est dans les accords martelés. Même si on commence par une fanfare de cuivres. La masse orchestrale menace de nous écraser. Après pareil déferlement, on comprend Pascal Rophé qui, malgré les ovations du public, s'excuse de ne pas avoir de bis à proposer, son Orchestre philarmonique de Liège Wallonie-Bruxelles devant être proprement carbonisé ...

Répéter / Varier 1 (Cité de la Musique - 15 Mars 2009)

Gérard Grisey - Stèle

Deux grosses caisses, de part et d'autre de la scène. Une pièce à la construction assez étrange, pas totalement sans charme, pas vraiment captivante non plus.

Tom Johnson - Tilework

L'article est long, dans le livret, qui parle de colliers de perles aux motifs variés, puis de mathématiques, et conclut "l'un des aspects les plus merveilleux de la musique, c'est qu'elle nous permet de percevoir directement des choses que nous ne comprendrions pas intellectuellement". La pièce aussi semble longue, 9 minutes interminables, où le tuba émet des "pomp pomp pomp" lents, qui se compliquent en "pomp pamp pomp pamp pomp pamp", ose même des "pomp pamp pimp pomp pamp pimp pomp pamp pimp". Sauf que ça devient alors trop rapide à jouer, Arnaud Boukhitine est obligé de ralentir, et n'évite pourtant pas les fausses notes. Du coup, on revient à "pomp pomp pomp", et on recommence. Cela fait bien longtemps que je n'ai pas entendu d'aussi mauvaise et insupportable musique.

Steve Reich - Nagoya Marimbas

Ecrite en 1994, cette courte pièce reprend des principes développés par Reich dans les années 60 et 70, avec des canons entre les deux marimbas décalés d'un temps ou davantage. Mais la complexité nouvelle des mélodies, leur variabilité rythmique, donne un visage beaucoup plus brillant, une architecture sonore impalpable et fascinante. Splendide.

Philippe Hurel - Loops II

Pièce de concours pour vibraphone, où se succèdent les styles de jeu, transcendés par une virtuosité jubilatoire.

Dmitri Kouliandski - Broken Memory

Un percussionniste s'installe au piano avec un archet et un verre, tandis que violoniste et violoncelliste passent leur archet sur tous les rebords de leur instruments, pour des sonorités étranges, où se distinguent par moments d'étranges voix humaines, pleurs ou vagissements ; pas vraiment de notes, que des sons tenus le temps que passe l'archet. Et pourtant, ça tient la distance des 13 minutes ! On pourrait y entendre des scènes industrielles, elle m'évoque plus du vent dans les bois, dans un paysage enneigé, glacé, inhospitalier. Prenant, et surprenant.

Philippe Hurel - Loops III

Le refus d'un académisme, à force d'être répété, devient un nouvel académisme : par exemple refuser la volubilité d'oiseau de la flute, en lestant son jeu d'effets divers, et en la plongeant dans des couleurs agressives. Ici, on retrouve "sa souplesse, sa fluidité et sa virtuosité", mais en double : deux flutes qui jouent comme une seule, sans aucun mode de jeu, en homorythmie et harmonies croisées. Cherrier et Ophèle se font face et descendent lentement les pupitres alignés, visiblement heureuses de cette promenade toute vibrante.

Steve Reich - Music for pieces of wood

Une première clave en métronome, les quatre suivantes entrent l'une après l'autre et construisent note par note leur "tatata tate ta tata" qui se superposant en décalage devraient fabriquer une texture de plus en plus complexe. Mais ça ne fonctionne pas vraiment, et finalement, on s'ennuie assez rapidement.

Cordes et Ames : Manu Codjia

La première fois que j'ai entendu le nom de Manu Codjia, c'était en Septembre 2003, lors d'un concert du Strada de Texier, qui, annoncé quintet dans les programmes, devenait ce soir-là un sextet, par l'adjonction du guitariste.
Il avait déjà une riche carrière à son actif (1er prix au Conservatoire National de Paris en 1998, 1er prix au concours national de Jazz de la Défense en 1999, participations à de multiples projets et disques ... ), mais ce soir-là, ce qui me frappa, c'était sa discrétion. Quand il s'empare d'un solo, le contraste est étonnant entre la musique de feu qui sort de ses mains et de ses pieds (il est toujours entouré de boitiers d'effets) et son attitude réservée, presque timide dans un coin de la scène, ne cherchant jamais à accaparer l'attention.



Je l'ai depuis vu dans plusieurs configurations, et c'est son coté caméléon qui en ressort chaque fois plus admirable. Il s'en explique un peu dans le livret de son disque en trio "songlines" :

"Suivant la musique que je joue, la mienne ou celle d'un autre, ou plutôt suivant le contexte musical dans lequel je joue, j'essaie de m'adapter aussi bien au niveau du son qu'au niveau du style. Je vais donc plus ou moins consciemment piocher dans plusieurs références, même si ce n'est pas très joli de décrire cela ainsi ... Au bout du compte, cela donne une espèce d'amalgame, une sorte d'unité. Et c'est pour cela que j'aime participer à des projets différents ..."

De fait, duo avec contrebasse, trio avec contrebasse et batterie, trio avec saxophone et batterie, quartet, quintet, sextet, ambiances jazz, jazz électrique, world jazz, jazz rock, punk jazz, jazz expérimental, mélangeant les générations les écoles et les influences, il sait profiter de la porosité du monde du Jazz pour se frotter à bien du beau monde, et développer des amitiés durables, qui l'inscrivent fortement dans le paysage du Jazz français et affinités.

Henri TEXIER quartet au New Morning
envoyé par gillesmarceaux

Depuis quelques temps, il me semble abandonner la carte "guitar-hero" de son jeu, le coté "Hendrix", pour des influences plus subtiles, liquides et aériennes, où se conjuguent explorations sonores et mélodiques. Il est maintenant capable d'offrir à ses partenaires des éléments qui semblent parfois incongrus à prime abord, plus électrique ou plus vaporeux qu'attendu, et qui imposent ensuite leur évidence, complétant la construction du "moment" par une touche insolite qui en parachève la beauté. Et quand il accompagne par exemple le trio de Dave Liebman, il faut oser se lancer ainsi.
De fait, il est encore comme réservé sur scène, un peu ailleurs ; mais c'est qu'il écoute, intensément, plus attentif semble-t-il encore, à la musique qu'il reçoit de ses partenaires qu'à celle qu'il produit.

Voici pour finir un extrait de concert, au Sunside, le 28 Novembre 2008, où Codjia prend le relais de Simon Goubert jouant au piano "Auroville", un morceau de Michel Grailler (ce n'est sans doute pas le morceau le plus démonstratif du talent de Codjia, mais j'aime beaucoup cette musique, alors voilà).



Ce billet est écrit dans le cadre du collectif "Z Band", dont les membres étaient invités pour cette sixième session à parler de guitariste.

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