Karlheinz Stockhausen - Inori (Cité de la Musique - 10 Février 2012)

Le descriptif que nous donne Stockhausen de cette oeuvre qui date du milieu des années 1970 est encore bien imprégné de discours "à la Darmstadt" : série de 13 hauteurs, 13 tempos, 13 intensités, 13 timbres ; échelle d'intensités comprenant 60 degrés ; etc. Il y a aussi un dispositif scénique qui vise la Gesamtkunstwerk, en alliant aux musiciens un couple de danseurs dont les gestes répétitifs et mesurés sont une transcription de la musique en "gestes de prière". Mais ce qui ressort de tout ça, c'est surtout une fascination pour la musique indienne et une mystique genre universelle, perçues comme un moyen d'échapper aux carcans occidentaux.
Ca commence donc par une note unique, répétée dans diverses configurations rythmiques, en courtes séquences séparées par des silences, et ponctuées par des percussions aigües, cette structuration étant maintenue pendant toute l'heure de la pièce.
A partir de là, des notes vont peu à peu s'ajouter, qui finissent par donner des mélodies et même de la polyphonie.
Je suis en général assez réfractaire à ce genre de musique très lentement variante et qui explore obstinément un climat musical restreint (tonalité, modalité, mode, quelque soit le nom le mieux correspondant)(c'est pourquoi je ne suis finalement pas attiré par les ragas indiens). Et là, je ne suis pas non plus aspiré par ce lent fleuve. Je comprends l'intention, mais n'y suis pas sensible. Et je regarde donc passer les notes.
Il y a de superbes moments, cela dit : à plusieurs reprises, j'entends comme une voix surgir des mélanges instrumentaux ; un duo de flutes, puis un duo de clarinette, m'enchantent. Et les polyphonies finales me font grande impression. Mais le tout est noyé dans un temps trop long, et alourdi par la mise en scène bien inutile.
Le danseur et la danseuse qui s'installent sur une plateforme au-dessus de l'EIC agrandi répètent à loisir des gestes qui ne me touchent absolument pas. Ils font office de chef d'orchestre bis, et d'ailleurs par moment le chef d'orchestre, Wolfgang Lischke, doit lui aussi faire ces "gestes de prière". Ca reste très artificiel, et ça a déjà vieilli, comme une sorte de pré-New Age.

Gustavo Beytelmann trio - L'autre visage (MAHJ - 9 Février 2012)

Première fois que je me rends au Musée d'art et d'histoire du Judaïsme (j'avais totalement zappé leur exposition sur Tzadik en 2010, honte à moi ...). Leur salle d'auditorium est agréable, mais ressemble plus à une salle de cinéma qu'à une salle de concert.
Le pianiste Gustavo Beytelmann commence par une milonga en solo où il exhibe maintes techniques pianistiques peut-être un brin trop spectaculaires. Il est ensuite rejoint par Cyril Garac au violon et Remi Lerner à la clarinette, et ils jouent l'ensemble de leur disque "L'autre visage", dans l'ordre et en intégralité.
Beytelmann est alors plus compositeur et arrangeur, et laisse beaucoup de place à ses compagnons ; Garac brille particulièrement en soliste, Lerner fournissant en contrepoint les couleurs de ses clarinettes (il alterne entre soprano et basse) et un jeu tout en douceur. A eux trois, ils explorent le monde du tango et de la milonga, mais dans une optique chambriste délicate et tendre. Parfois enjoué (mais sans aller jusqu'à l'exubérance) et le plus souvent gentiment triste (et parfois vraiment mélancolique), le ton est feutré, même si la présence scénique, où les morceaux s'allongent d'improvisations, donne des couleurs plus tranchées que sur le disque.
C'est là un monde éloigné de mes concerts habituels, mais très agréable à visiter. En bis, ils rejouent "Caravan", auquel les couleurs argentines vont fort bien, et qui permet d'affronter le froid avec une belle chaleur chantante dans le coeur.

Léandre Cappozzo / Charles Gayle trio (La Dynamo - 7 Février 2012)

Joëlle Léandre / Jean-Luc Cappozzo

A l'entracte, pendant qu'elle vend ses disques, Joëlle Léandre explique qu'avec Cappozzo, elle considère former un vrai groupe, sans doute en ce sens qu'ils jouent suffisamment souvent ensemble pour former une intimité et un son particulier, contrairement à d'autres rencontres plus d'un soir seulement. Et de fait, je découvre d'elle une facette plus calme, plus méditative. Elle laisse plus de champ à Cappozzo, parfois même se tait longuement, alors qu'il déroule par exemple une sorte de mélopée funèbre exotique et légèrement diphonique.
Jean-Luc Cappozzo utilise plusieurs trompettes et sourdines (mais une main dans le pavillon permet aussi de moduler le son très efficacement), ainsi qu'un tube tout droit et me semble-t-il sans trous, mais qu'il fait pépier et chanter de fort belle manière, sans que je comprenne comment. Pour un concert de musique improvisée, la matière est beaucoup plus mélodique que d'habitude, et l'atmosphère est introspective, un peu triste et pourtant chaleureuse. Le passage d'une séquence à un autre se fait souvent par chevauchement : tandis que l'un change, l'autre continue dans sa même veine, sans réagir outre-mesure. Bien sur, on retrouve certains éléments de vocabulaire de Léandre : un passage scatté/chanté autour des temps difficiles, de la percussion sur la contrebasse, de l'énergie à en revendre. Mais le tout est ouaté par les mélodies de Cappozzo, et par un tempo général moins marqué par l'urgence, et par plus de partage tranquille. La fin n'est pas le moins surprenant : Cappozzo évoque puis joue lentement "Sometimes I feel like a motherless child", alors que Léandre tisse un matelas d'harmonies fantomatiques. Splendide.
Du coup, la musique a une place bien plus grande que la performance, et leur disque "Live aux Instants Chavirés" est à mon avis le plus accessible et le plus facilement réécoutable pour découvrir et apprécier le travail d'improvisation de Léandre.

Charles Gayle trio

Après l'impro, du Free, du pur, qui arrache, en direct héritage d'Albert Ayler : la même énergie féroce et éruptive, le son énorme et plein, la même base de Blues et de gospel transcendés, transmutés par l'énergie. Depuis quelques années, Charles Gayle se déguise sur scène en "Streets the clown", et je lis que certains concerts se transforment en harangues et discours religieux. Pas de ça ce soir : de la musique, que de la musique, qu'il commence en trio au saxophone, poursuit au piano en trio ou solo, et conclut de nouveau au saxophone.
Pour l'accompagner, Larry Roland à la contrebasse et Michael Wimberly à la batterie composent le magma d'énergie habituel au Free Jazz, un chaos agités de remous de remugles et de vrombissements en tous genres. Mais c'est le saxophone ténor de Gayle qui accroche l'attention, qui fuse en tous sens, hurlant dans les aigus, tournoyant, déchirant.
Quand il passe au piano, c'est beaucoup plus calme, même si ça reste Free : des clusters certes, mais des exploration plus faciles à suivre entre le rythme et l'harmonie. "Inner Edges" par exemple propose un thème aux angularités façon Thelonious Monk, mais que viennent interrompre et parasiter des incises divergentes plus proches de Cecil Taylor.
En interludes, quelques solos de Larry Roland, laissé alors seul sur scène, me font étrangement penser à Jimmy Garrison. Et Charles Gayle n'oublie pas de faire un peu le clown, en mime autour du piano, ou offrant une rose à une dame du public. Mais c'est le musicien sous le clown qui impose sa stature impressionnante.



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Alexandra Grimal - Dragon Blanc (L'Improviste - 5 Février 2012)

Dans la multitude de formations qu'Alexandra Grimal mène de front, voici "Dragon Blanc", un trio dérivé du quatuor "Dragons", et qui préfigure, ais-je cru comprendre, d'autres métamorphose, dont un "Black Dragon" en forme de Big Band !
J'avais vu Dragons il y a trois ans, avant qu'il ne porte ce nom. Pour le passage en trio, c'est le batteur qui est absent. Et ce soir, comme un piano reste à demeure sur la scène de l'Improviste, Jozef Dumoulin le préfère à son habituel Fender Rhodes.
Piano, guitare, saxophone. Une formule aérienne, qui flotte facilement, sans les fondements d'une paire rythmique batterie-basse ! Bien sur, les musiciens pourraient chacun leur tour assurer cette part (la guitare a longtemps servi pour marquer le rythme dans les groupes de Jazz, avant l'arrivée de la batterie). Mais pas ici. Dragons, c'est le versant le plus "musique composée" d'Alexandra Grimal. Certains morceaux prennent plusieurs pages de partition ! Et dans son écriture, les trois instruments jouent et improvisent en même temps, en parallèle.
Ce mode de fonctionnement nécessite une belle écoute, et me rappelle (de loin) le travail de Steve Coleman : ce ne sont pas des thèmes au service des solos, mais des solos au service de la musique ! Si bien qu'au-delà des jeux individuels, c'est le travail en commun qui compte, le jeu avec la densité par exemple, de l'épars au compact.
Pour la deuxième partie, on se rapproche d'un Jazz plus habituel, où les individus posent plus leur marque : la fluidité de Nelson Veras, le lyrisme d'Alexandra Grimal, la virtuosité tranquille de Jozef Dumoulin. Dans cette salle encore peu connue, un dimanche après-midi bien froid, y compris sur la scène où les musiciens se frottent les mains pour se réchauffer entre les morceaux, nous ne sommes guère qu'une vingtaine à profiter de cette musique, dont pas mal d'habitués. Tant pis pour ceux qui ne sont pas venus !

Jean-Efflam Bavouzet - L'esprit Debussy (Cité de la Musique - 4 Février 2012)

Claude Debussy - Images pour piano

Le livret est cette fois particulièrement fourni, près d'une dizaine de pages ! Du coup sont expliqués les rapports entre les différents livres d'Images, pour piano et pour orchestre. Dans ce premier livre on peut apprécier certaines des caractéristiques fondamentales de Debussy : l'aquatique de "Reflets dans l'eau", la presque abstraction de "Hommage à Rameau", la virtuosité dansante et aérienne de "Mouvement".
Sous les doigts de Bavouzet, c'est la première qui me plaît le plus, qu'il donne avec une certaine distance presque nonchalante.

Pierre Boulez - Sonate n°1

Une belle mise en perspective pour cette pièce que de l'inclure dans un programme "Debussy". Bien sur, on est dans le dodécaphonisme, qui ce me semble commence à s'étendre vers les dynamiques, par exemple. L'effet est pointilliste, que la proximité debussyste colore d'une lumière un peu diaphane par moments, comme impressionniste. Surtout, Bavouzet rend cette partition beaucoup plus humaine qu'expérimentale : on y sent la colère dans les passages rapides, et une aspiration à la poésie, presque une tendresse même, dans les passages lents (poésie et fureur : René Char reste une influence majeure de ces années là).

Claude Debussy - Jeux

De ce que je comprends du livret, "Jeux" est d'abord une pièce orchestrale, mais que Debussy avait d'abord écrite au piano, si bien que cette version piano apparaît si simple que Bavouzet a réalisé une nouvelle transcription pour deux pianos, mix entre les deux versions debussystes. Mais même dans cette version supposée simplifiée et plus lisible en terme de thèmes et de tonalités, je suis rapidement perdu, comme c'est le cas pour la version orchestrale, je n'arrive pas à vraiment entrer dans cet univers.

Bela Bartok - Trois Etudes

Ces études apparaissent presque plus féroces et agressives que la sonate de Boulez ! Dans la première, il n'y a que la fureur, hérissée de dissonances. Le livret trouve des couleurs ligetiennes dans la deuxième étude, mais c'est aussi celle qui se rapproche le plus de l'univers debussyste, une présence d'eau et d'irisation. La troisième n'offre que de courts répits dans un martèlement rythmique au grand galop.
Bavouzet fait précéder ces études d'une pièce que Bartok a dédié à Debussy, une "improvisation opus 9", donc je suppose que c'est la troisième "Esquisse op. 9b", une drôle de musique, où un peu de douceur debussyste passe à travers les accords sévères de Bartok.
Rectificatif : il s'agissait en fait de "Improvisation n° 7 op. 20, In Memoriam Claude Debussy".

Claude Debussy - Etudes pour piano

Bavouzet a choisi les études 1, 2, 4, 7, 10, 11 et 5 (qui conclut bien !). Comme pour les Images, il maintient une certaine distance de sécurité, pour ne pas se noyer dans les entrelacs chatoyants, et garder une vision d'ensemble. Une fort belle conclusion à un fort beau concert.

Henri Texier - Skydancer Trio (Le Triton - 3 Février 2012)

Ce trio est inédit, nous répète Henri Texier. Mais pour autant, ces musiciens ne sont pas vraiment inconnus les uns aux autres. Entre le père Henri Texier et le fils Sébastien, la collaboration est si longue et féconde qu'elle tient de l'osmose ! Quant à Sean Carpio, c'est depuis plusieurs années le batteur du Sébastien Texier Trio, où Henri a été souvent invité en tant que deuxième contrebassiste.
Donc, ce sont des complices habituels. Mais dans cette configuration, ok, c'est une première. Elle permet à chacun de multiplier les solos. Henri Texier reste fidèle à lui-même, rayonnant d'enthousiasme, entre énergie maitrisée et lyrisme. Sébastien Texier brille au top, plénitude du jeu, improvisations solides, présence sereine et assurée, et ce quelque soit l'instrument, saxophone alto, clarinette, ou clarinette alto. Celui que je découvre plus ce soir, c'est Sean Carpio, un batteur qui aime les petites touches rapides, cela forme comme une fine pluie de rythmes, parfois un brouillard avec de jolies lumières. Mais je me demande si une présence moins envahissante en terme de niveau sonore, plus percussionniste, ne serait pas plus adéquate pour ce format en trio.
Les morceaux sont composés par les trois comparses. Beaucoup de balades, beaucoup de dédicaces à des musiciens de Jazz disparus récemment, mais quelques morceaux plus péchus, ou même plus bruitistes. Le dernier sera "Toxic Parasite" déjà joué par Sébastien Texier avec son quintet à "L'Improviste", et que j'ai hâte de voir sur un CD, c'est un fantastique moteur pulsant d'énergie rythmique, simple et imparable.

Les Siècles - Le Faune (Cité de la Musique - 2 Février 2012)

Claude Debussy - Fantaisie pour piano et orchestre

Le (très court) livret explique que Debussy n'était guère satisfait dans cette oeuvre par l'équilibre entre le piano et l'orchestre. De fait, le piano Erard 1881 que joue Alain Planès est la plupart du temps presque couvert par l'orchestre Les Siècles, dirigé par François-Xavier Roth. Et sans doute avait-il raison de l'avoir gardée dans un placard : elle n'est pas particulièrement passionnante.

Claude Debussy - Prélude à l'après-midi d'un faune

Une belle interprétation, surtout dans son début, alangui et rêveur, une allure de promenade au milieu de la nature sensuelle ; pour la suite, j'ai entendu plus poignant ou plus mystérieux, mais c'était bien quand même !

Philippe Hurel - Phonus

C'est un concerto pour flûte, en même temps qu'un hommage au Faune de Debussy. On y traverse des climats successifs plus ou moins directement liés au chef-d'oeuvre debussyste. La soliste Marion Ralincourt nous offre une magnifique interprétation, dont une cadence qui m'époustoufle ! Il parait que ce morceau ne dure que 20 minutes ; il m'a semblé pourtant plus long, non pas par une quelconque impression d'ennui, mais par la variété et la richesse des épisodes !

Claude Debussy - Première suite d'orchestre

C'est une oeuvre de jeunesse, récemment retrouvée, et dont la troisième partie a été orchestrée par Philippe Manoury à partir d'une version pour piano à quatre mains. Du coup, c'est la partie la plus belle, puisque Manoury y a intégré les progrés que Debussy fera par la suite. Pour le reste, c'est assez grandiloquent, et sans grand intérêt, en-dehors du fait d'être un inédit de Debussy en création mondiale.