Vigh - Vallet, Payen - Cathala (La Guillotine - 5 Juin 2011)

"La Guillotine" est un lieu peu défini, peut-être un ancien bar, aujourd'hui une allure de squat, un hangar avec un établi d'un coté où on paie sa PAF de 5 euros, une collection hétéroclite de chaises et de bancs, et un débarras où trainent les restes d'un piano, un tas de chaussures, une pauvre bibliothèque garnie de livres poussiéreux ...
S'y tient chaque premier dimanche du mois les "dimanches de l'impro", où se produisent devant quelques curieux (nous étions pour cette dernière session de l'année une quinzaine) des musiciens / danseurs / troupe de théâtre / autres.

András Vigh - Gino Vallet

En première partie, ces deux-là se rencontrent pour la première fois.
Gino Vallet joue du clavier, un synthétiseur où il s'est sélectionné au fil des ans une gamme de sonorités assez restreinte : clavecin, xylophone, nappe spatiale, et effets spéciaux (entre balles de ping-pong et portes grinçante, créé m'expliquera-t-il à partir de verres d'orangeade s'entrechoquant). Il est souvent en approche rythmique, qui parfois se complexifie de belle manière, ou bricole des fugues et variations de belle facture classique, et s'amuse avec ses sons spéciaux. Un petit piano jouet donne une touche momentanée de naïveté ludique et attendrissante.
Mais le plus surprenant vient de son collègue András Vigh, qui joue de la vielle à roue. Mais sans jamais sonner comme un instrument traditionnel. En ne donnant que de courts coups sur la roue, ou au contraire en la tournant à vide, en tapant sur les touches comme s'il s'agissait d'une percussion, en utilisant les cordes sympathiques pizzicati, il transforme son instrument en riche générateur de sons variés. Et comme il est électrifié, il peut aussi en saturer le son.
Cela donne une des belles séquences de leur heure d'impro : Vallet jouant du clavecin façon Ligeti, et Vigh prenant le lead en saturant façon Hendrix. Il y aura aussi des moments très spatiaux, voyage galactique bien servi. De façon générale, un bon set, surtout pour une première rencontre, les sons choisis au synthé pouvant facilement décontenancer le vielliste.

Stéphane Payen - Sylvain Cathala

J'étais venu pour assister à Olympe Trio, une des innombrables formations d'Alexandra Grimal. Mais un problème d'avion l'empêche d'être là. Restent les deux autres compères, complices depuis longtemps (au sein du groupe Print), qui jouent tous deux de l'alto. Sans le contrepoint de Grimal (qui joue au ténor ou au soprano), cela donne un travail de texture, d'échos, de dialogue au sein d'une même tessiture, qui parfois me fait penser à du Steve Coleman (mais en moins abouti, puisqu'on parle ici d'improvisation, sans la préparation intense imposée aux Five Elements). C'est bien foutu, mais un peu répétitif. Ils n'osent qu'une seule séquence en hurlements plus marqués, leurs essais sur le son (jouer en utilisant en sourdine un gobelet, ou une jambe) ne donnant pas grand-chose.



Spotify: Stéphane Payen – Thôt, Sylvain Cathala Trio – Moonless, Print & Friends – Around K

Alexandra Grimal solo (Atelier du Plateau - 28 Mai 2011)

Dernière prestation d'Alexandra Grimal pour cette saison de résidence à l'Atelier du Plateau : cette fois, c'est en solo. La salle est remplie de connaissances familiales et professionnelles (le grand frère, la maman, des producteurs de France Musique je crois, ou encore Jeanne Added ...). Elle commence par un peu de souffle, qui enfle et rugit rapidement. Peu à peu, cela devient comme un jeu d'escaliers parcourus en tous sens, certains majestueux, d'autres plus étroits et abrupts, parfois pris à contre-sens. Elle passe d'un saxophone à l'autre pour prolonger le discours, plus violent au soprano, plus moelleux au ténor. Il y a des pages rageuses à la densité coltranienne, d'autres d'une douceur debussyste. Il y a des syllabes qu'elle lance comme des ponctuations, comme des points d'appui, ou comme des bourdons. Les fins de séquence sont souvent très brusques, sans même tentative d'atterrissage, elle s'arrête en plein milieu d'une phrase et puis c'est tout.
Le solo n'est pas la formule qui lui convient le mieux (j'admire sa qualité d"écoute de ses partenaires, et là, y a pas), mais la démarche reste intense et intègre, elle ne triche pas avec des trucs et astuces, il y a des passages à vide et d'autres qui harponnent, dommage qu'elle arrête parfois trop vite des séquences qui promettaient beaucoup (mais qui pour elle sentaient peut-être la redite, qu'en sais-je).



Ailleurs: CitizenJazz
Spotify: En quartet Seminare Vento, en duo Ghibli, en trio vocal Birgitte Lyregaard - Blue Anemone.

Les Concerts Gais - Programme 4 (Oratoire du Louvre - 27 Mai 2011)

Pour ce concert donné en Commémoration de la Déportation Homosexuelle, aux musiciens des Concerts Gais se sont associées deux chorales, les Gamme'elles, et les Dodecamen.

Max Bruch - Romance pour alto et orchestre op. 85

Créée en 1911, cette pièce ne profite guère des inventions d'Erwartung, par exemple ... Mais pour de la musique romantique, elle est très agréable, "tendre et noble, [...] le fruit et le reflet d'un apaisement enfin atteint" dit le livret, et j'agrée, l'image qu'elle me donne est d'un vieil homme auprès de son chalet cossu à flanc de montagne respirant avec bonheur, loin des agitations de sa jeunesse dans la ville qu'on aperçoit au loin dans la vallée.

Robert Schumann - Konzertstück pour 4 cors et orchestre, op. 86

Quatre cors, ça rutile, et ça envoie de la dorure ! Parmi les cornistes solistes, il y a une femme, ce qui doit être statistiquement assez rare. Quelques spectateurs applaudissent à la fin du premier mouvement, mais personne ne le leur reproche, c'est bien.

Gustav Mahler - Ich bin der Welt abhanden gekommen

Les choses sérieuses commencent après le court entracte (pas de local adéquat pour mettre en place une buvette, je suppose et le regrette), avec l'entrée des deux choeurs.
Le livret n'indique pas d'où vient cette adaptation pour orchestre et choeur de ce dernier lied des Rückert-lieder. Est-ce un collage au-dessus de la partition orchestrale originelle de la transcription pour choeur de Clytus Gottwald ? En tous cas, c'est beau. On rejoint l'atmosphère apaisée de la Romance de Bruch, mais en bien plus profond. Quelque-chose d'éternel, un flottement hors-temps.

Gabriel Fauré - Pavane, op. 50

Mais le sommet du concert fut cette pavane, tube bien connu, mais dans une version moins souvent entendue avec choeurs, ce qui lui redonne de l'éclat, avec la drôlerie (sans doute involontaire !) du texte, et le contrepoint dialogué que les voix ajoutent au-dessus de la ritournelle. Beaucoup de plaisir.

Frédéric Chopin - Ballade n°4, OP. 52 (orchestration d'Anthony Girard)

On me dit que la partition par pupitre est fort compliquée, alors que le rendu global sonne très classique, ce qui n'est pas forcément le signe d'une bonne transcription. A part ça, aucun souvenir.

En bis, ils nous redonnent la "Pavane", qui du coup accompagne très agréablement le chemin du retour.



Ailleurs: Joël (pour le concert du lendemain, sans choeurs, mais avec buvette et pop-corn).
Spotify: Yuri Bashmet – Bruch: Romance for Viola & Orchestra, Op. 85, Accentus – Mahler: Ich bin der Welt abhanden gekommen, The Academy of St. Martin in the Fields – Fauré: Pavane, Op.50

Courtois Quartet, Sclavis Quintet (Le Triton - 26 Mai 2011)

Vincent Courtois Quartet

Ce pourrait être un quartet de Jazz vocal assez classique - sauf que ce ne l'est pas. A la place d'un simple batteur, on a François Merville, qui y ajoute un rôle de percussionniste rubrique accessoiriste, avec tout plein d'objets divers pour frapper les peaux des tambours ou juste agiter en l'air pour faire du bruit. A la place du contrebassiste, on a Vincent Courtois, qui non seulement officie sur un violoncelle, mais l'équipe d'un tel dispositif électronique qu'il en fait varier le son, depuis une contrebasse jusqu'à une guitare électrique, volontiers saturée. A la place de la chanteuse de Jazz, on a Jeanne Added, une présence à l'intransigeance Punk-Rock, capable de psalmodier du "lalala" rugueux, puis de faire défaillir l'audience d'émotion (par exemple dans "Faible et faiblissant"). Et à la place du saxophoniste, on a Yves Robert, au trombone, et également, je l'y préfère, à la flûte. Ce dernier est le seul à ne pas avoir d'électronique à sa disposition pour perturber sa musique. Ce qui le range d'ailleurs un peu en marge du reste du groupe, où il est arrivé le dernier, et où il représente l'aspect le plus classiquement Jazz, alors que les autres ne sont jamais vraiment dans ce territoire-là.
Où sont-ils, alors ? Dans de l'expérimental plus ou moins bruitiste, dans de la chanson déclamée presque à nu, dans de l'énergie rock déchaînée ; le paysage est vaste. Le slogan du premier album "what do you mean by silence" me semble un peu lointain : c'est plus le bruit qui prend le contrôle (mais si John Greaves décide que "The Rest is Silence", Alex Ross préfère croire que "The rest is noise", donc tout cela est très cohérent).
Et cohérent il l'est, ce projet, paradoxalement (même si les interventions d'Yves Robert peinent encore à s'inscrire parfaitement au milieu des autres, mais peut-être est-ce voulu, ou du moins assumé), dans ce mélange de sons malpolis, d'émotions brutes, de climats violemment changeants.
Pour le bis, Louis Sclavis et Matthieu Metzger viennent ajouter leur énergie, dans un morceau rock épique et incendiaire.

Louis Sclavis Quintet

Nous voici dans des territoires plus conventionnels, si on veut. A la batterie, nous avons de nouveau François Merville, mais dans un rôle beaucoup plus classique de batteur, dynamique et énergique. Accolé à la basse électrique d'Olivier Lété, cela donne une base rythmique solide et puissante. D'autant plus que s'y rajoute à la demande la guitare facilement rugissante de Maxime Delpierre. Et devant, on a les flux entremêlés des clarinettes de Louis Sclavis et des saxophones de Matthieu Metzger.
Si certains démarrages de thème, en chorus puissants, me font beaucoup penser à Henri Texier, le développement des morceaux est plus complexe, aventureux et risqué en terme de structure, avec des solos qui se superposent, et une énergie plus grande, quand la guitare s'allie à la basse électrique.
Mais le meilleur du groupe reste dans les solos foudroyants, d'une vélocité virevoltante étourdissante, de Sclavis et Metzger, impériaux.



Spotify: Bruno Ruder, Jeanne Added & Vincent Lê Quang – Yes is a Pleasant Country, Tchamitchian, Roy, Courtois – Amarco, Louis Sclavis – Lost On The Way, Delpierre – Mutatis Mutandis

Olivier Le Goas Unit (Studio de l'Ermitage - 25 Mai 2011)

Ce concert, je l'ai choisi non pour les participants, puisque je ne connaissais aucun des musiciens présents ce soir, mais pour la salle, puisque c'était l'occasion de la découvrir. Très agréable petite salle, et finalement très agréable petit concert.



Les musiciens commencent à trois puis accueillent Kenny Wheeler, avec qui ils ont enregistré l'album Sur les corps des klaxons. La structure des morceaux est simple : thème, suite de solos (qui sont applaudis, habitude qui tend à se perdre, peut-être parce qu'ils ne sont pas généralement si clairement séparés que ce soir), conclusion. La plupart des thèmes viennent de Kenny Wheeler. On est souvent dans la balade, ou le mid-tempo.

Le batteur et ici leader Olivier Le Goas est représentatif d'un type de batterie Jazz avec lequel j'ai un peu du mal. C'est un jeu très pensé, posé, avec plein de petites incises et dérives, mais qui ne propulse pas le discours. Une construction très ouvragée, pleine de détails, là ou j'attends plus un moteur. Cela s'arrange un peu dans la deuxième partie, où le jeu semble partir un peu moins de la tête et un peu plus des tripes, où il prend même des solos.
J'ai l'impression qu'il doit être très confortable d'avoir Marc Buronfosse comme compagnon à la contrebasse : un son rond, un swing précis, une présence solide et très rassurante. Du beau travail.
Celui qui est accueilli avec les honneurs d'une star, c'est le trompettiste canadien Kenny Wheeler, octogénaire, qu'il faut aider à s'installer sur scène, et qui donne des solos simples, très chantants, naturels (il est chez lui après tout, ce sont essentiellement des morceaux à lui qui sont joués).
Du coup, la part d'exploration plus aventureuse des thèmes, ce sera pour le guitariste David Chevallier, qui cherche des chemins de traverse, alterne entre trois guitares sèches ou électriques, et est armé d'une collection de pédales et boitiers d'effets, pour finalement conserver les mêmes sons d'un bout à l'autre du concert.

Le tout donne de la belle ouvrage, pas spécialement révolutionnaire ni torride, mais agréable et respectueux.



Spotify: Olivier Le Goas – Seven Ways, Kenny Wheeler, Brian Dickinson – Still Waters, Marc Buronfosse – Face the Music

La Voix est libre - Rhizomes (Bouffes du Nord - 24 Mai 2011)

Comme le dit le présentateur en introduction, les Bouffes du Nord ça peut être la rue, ou un temple. La première partie sera "la rue", avec croisements de personnalités hétéroclites et interactions improvisées, la seconde partie sera "le temple", avec un spectacle très écrit.

Débordanses

Des représentants d'univers musicaux et chorégraphiques très divers sont invités à se croiser et à interagir, en une suite de rencontres enchaînées. Le tout est mis sous le parrainage d'Edouard Glissant (la créolisation du monde en modèle de ces improvisations pluridisciplinaires) dont on commence par entendre un court discours. C'est aussi en parrainage que vient jouer en solo uniquement Jacques Coursil, qui lance comme un doux appel à la trompette, aux esprits ou à l'harmonie, avant de disparaitre. Les choses sérieuses commencent avec Mossim Hussain Kawa aux tablas, bientôt rejoint par le saxophoniste Raphaël Quenehen et le tap dancer Tamango (magistral et élégant, dans la musique comme dans la danse, interventions pleines d'humour et de joie, et de force aussi, quand un petit système d'écho renforce la puissance de son piétinement d'une profondeur plus grave), puis par l'excellent batteur Sonny Troupé (dont les origines guadeloupéennes peuvent s'entendre dans des échos gwo-ka, je le verrais bien jouer avec David Murray !). Forte présence rythmique, donc, avec Troupé, Kawa, Tamango. Cela se renforcera par le beatboxeur et bruiteur L.S.O, et même par Dgiz, à la contrebasse et au slam, très charismatique performeur. L'autre aspect marquant, c'est la danse, avec déjà Tamango, un peu L.S.O et Dgiz, et spécifiquement la danseuse Antoinette Gomis, ondoiements sensuels issus de l'Afrique, et le danseur Mathieu Desseigne, acrobaties issues du cirque (via Alain Platel). Lorsque Bernard Lubat, après un passage "poétique" assez plat, s'installe au piano, le quatuor Lubat - Troupé - Dgiz - Quenehen fonctionne beaucoup moins bien (parce que Dgiz est meilleur en showman qu'en contrebassiste de jazz, et qu'un véritable trio de jazz batterie-contrebasse-piano ... ça ne s'improvise pas). Mais Lubat réussit à perturber un peu le cours de la soirée en exigeant du public qu'il réagisse en scattant, de manière collective, et, plus difficile, de manière individuelle.

Ivresses : Le sacre de Khayyam

Et maintenant quelque-chose de totalement différent. Le chanteur perse iranien Alireza Ghorbani et la chanteuse arabe tunisienne Dorsaf Hamdani unissent leur voix autour des poèmes d'Omar Khayyam sur l'ivresse (et hantées par la mort, la tonalité est souvent funèbre), entourés de musiciens arabes et perses, Sofiane Negra à l'oud, Ali Ghamsary au tar (mais des problèmes de larsen le forcent à passer au "divan", et ça tombe bien, il abandonne au passage un coté guitar-hero peu convaincant, pour jouer avec plus de beauté naturelle), un remplaçant dont je n'ai pas retenu le nom au kamantché, et les percussionnistes Keyvan Chemirani et Hussein Zahawy (étrangement, c'est Zahawy qui semble diriger les échanges, mais c'est Chemirani qui prendra la parole à la fin pour remercier tout le monde).
Les deux voix sont splendides. Comme je ne connais pas grand-chose à la musique classique arabe, je trouve la voix de Dorsaf Hamdani proche de celle de Natacha Atlas ... Celle d'Alireza Ghorbani est souvent proche du chant harmonique (voyelles vibrées du chant soufi), et d'un velouté extraordinaire. Tous ces musiciens restent sagement assis, mais ce sont nos âmes qui voyagent. Merveilleux.



Ailleurs: La première partie a été enregistrée par ArteLive Web, et la seconde l'avait également été lors d'un festival précédent. Les deux sont disponibles pour encore plusieurs mois : Débordanses, Ivresses.
Spotify: Dgiz – Dgiz-Hors, AliTarighat – Primal Chalice (Jam-e-Alast), Alireza Ghorbani – Kif-e-Engelisi(The English Bag)

Médéric Collignon solo (Galerie Hus - 22 Mai 2011)

A peu prés remis d'un hernie discale qui l'a immobilisé plusieurs mois, Médéric Collignon revient en piste, bonne nouvelle ! Le voici dans un nouveau lieu de concert, la galerie Hus, une galerie d'art animée par un couple qui a découvert la musique improvisée dernièrement et suit les conseils de Joëlle Léandre (quelle meilleure marraine possible ?) pour la programmation d'un concert toutes les trois semaines avec, à moins que j'ai loupé quelque-chose, seulement une boîte à l'entrée où chacun glisse la somme qu'il veut ! Une forme de sponsoring, donc.
Collignon commence sur les chapeaux de roues, un zapping de techniques impressionnant, avec un peu de cornet à moitié démonté, des jouets sifflants qu'il utilise deux à la fois, des triangles qu'il glisse dans la bouche, des jeux de voix, des frappes rythmiques sur le corps et le visage, et tout cela en combinaison diverses et variées, un peu comme s'il faisait d'entrée de jeu le tour de toutes les cartes qu'il a en main.
Cela fait, le déferlement se calme un peu, et il installe plus les climats successifs, avec finalement plus de voix que de cornet, et une très grande implication corporelle (ce qui n'est pas forcément indiqué suite à son accident, mais on ne se refait pas, et c'est là la manière dont la musique s'empare de lui). On sent aussi qu'il se lance des défis en cours de route, peut-on reprendre le même son à la voix que celui du cornet, ou des interrogations, peut-on utiliser les triangles avec les pieds. C'est intense, ludique, imaginatif, spectaculaire.



Après ce set d'une demi-heure d'une traite, les galeristes et une poignée d'enfants apportent une kyrielle de petits plats et de carafes, habitude des vernissages sans doute, et on se sent encore plus invités plutôt que clients ! Peut-être sommes-nous proches de l'ambiance des "concerts à la maison", avec des hôtes recevant amateurs et artistes (amateurs découvrant pour certains ce genre de musique, vues les questions posées à Collignon !).

Ca papote et grignote une bonne demi-heure, puis Collignon remet ça, pour une vingtaine de minutes plus posées, d'abord au cornet, puis au chant très mobile, et pour finir sur une séquence magnifiquement poétique de souffle polytonal, qui évoque comme le vent au-dessus du désert, un espace vide essentiel, existentiel, qu'il peuple enfin de chants d'oiseaux tropicaux, un dépaysement particulièrement sauvage.



Ailleurs: JazzMag
Spotify: Pas de disque sorti depuis Shangri Tunkashi-La, mais il envisage un disque solo (une partie en prise directe, performance brute, et une seconde en travail multi-pistes de studio). Miam !