John Zorn - Essential Cinema (Cité de la Musique - 25 Juin 2008)

En première partie, des films expérimentaux sont accompagnés par des sous-ensembles de Electric Masada.

Joseph Cornell - Rose Hobart

Des crocodiles, un tigre, quelques singes, une éruption volcanique, des palais somptueux, quelques féroces guerriers, au milieu de ce bazar exotique se promène l'actrice Rose Hobart, inquiète ou souriante.
La musique est très proche de celle des Dreamers de la veille, veine easy listening renforcée par l'aspect musique de film : il faut laisser l'attention sur les images, donc ne pas trop étonner par le son.

Wallace Berman - Aleph

Montage effréné d'images urbaines, de gens, d'animaux, de lettres hébraïques.
Kenny Wollesen et Joey Baron pilonnent à tour de bras les fûts et les cymbales de leur batterie, John Zorn hurle dans son sax, c'est radical, une plongée dans le bruit en fusion, rage vitale.

Harry Smith - Oz : The Tin Woodman's Dream

Film d'animation joliment poétique, où quelques figures tournoient dans l'image, le bûcheron en fer-blanc, le petit chien, une hache et un fauteuil, un peu plus tard un inquiétant magicien d'Oz qui les renvoie sur un cerf-volant.
Ikue Mori propose un montage de sons concrets pas désagréable. Zorn, dans sa volonté de guider ses musiciens, semble ici lui indiquer où cliquer sur son logiciel, tableau étrange.
Accolé, une suite d'images kaléidoscopiques un peu répétitives et finalement lassantes.
En accompagnement, des boucles percussives gentiment exotiques tout aussi répétitives et tout aussi finalement lassantes.

Maya Deren - Ritual in Transfigured Time

Le plus beau film de la soirée, des séquences à l'onirisme troublant, entre féerie et malaise : quelques femmes qui pelotent de la laine, avec tous les échos mythiques ; une réception semi-mondaine où les gens se croisent et se décroisent, flottant tels des méduses déboussolées vaguement désappointées de ne rencontrer que des fuyards ; une statue masculine qui descend de son piédestal et poursuit une jeune femme en dansant comme un dieu en bonds prodigieux.
Au-dessus d'une fine couche rythmique, le violoncelle de Eric Friedlander puis le vibraphone de Kenny Wollesen déploieront une magnifique et émouvante cantilène, d'une poignante subtilité mélodique.

Et puis, on ne va pas se quitter comme ça, avec une telle brochette de musiciens qui se sont jusqu'ici retenus pour toutes ces musiques qui se doivent de n'être que d'accompagnement. Donc, lumières rallumées, c'est parti pour un petit concert de l'Electric Masada.

Electric Masada

Et c'est le concert de l'année. Celui où j'ai pris le plus de plaisir. A peine une heure, en quatre morceaux, des classiques d'Electric Masada, ainsi qu'un titre du Book of Angels présent sur le trio de Marc Ribot. Contrairement aux Dreamers, ici, pas de mesure. Il faut que l'énergie déborde, qu'elle emporte (mais sans dévaster). Deux batteries (Baron et Wollesen), une percussion (Baptista) et une basse (Dunn) ; un clavier électrique (Saft) et de l'électronique (Mori) ; une guitare (Ribot) et un saxophone (Zorn). Voilà les éléments pour propulser la fusée musicale, qui accumule les couches sonores, les crescendos, les relances, les solos qui s'entrecroisent, qui ne gère qu'à peine l'énergie qui s'échange entre les musiciens et avec le public, qui flambe, avec une générosité, un plaisir partagé, qui transporte de bonheur. Une expérience, à vivre dans la salle, pour regarder les interactions, les regards, les sourires, pour sentir la tension, les défis, le jeu, pour ressentir le corps qui vibre et le coeur qui pulse. Seul bémol : comment écouter les CDs après ça ?

John Zorn - The Dreamers (Cité de la Musique - 24 Juin 2008)

"Easy listening", propose le livret ? Le premier morceau y incline, guitare style Hawaï, percu légère, batterie tranquille, orgue décoratif. De la jolie musique, assurément. Heureusement, les climats varieront beaucoup d'un morceau à l'autre. On passera une soirée sur la plage, à échanger des bières autour d'un feu de camp avec des surfeurs amateurs de gros rock. On assistera à l'agonie d'un volcan vomissant hoquetant des fleuves de lave lourde (atmosphère oppressante, d'une prodigieuse lenteur apocalyptique). On parcourra la steppe et les montagnes, parfois chevauchant à grands galops, parcourant tournoyant dans les airs (voyage épique, aux envols et aux piqués spectaculaires). On se perdra dans les textures kaléidoscopiques d'une boucle rythmique à la fausse simplicité fascinante de finesse. On s'offrira un intermède en forme de trio piano batterie contrebasse. Zorn soufflera un bref moment dans son sax, avant de se rasseoir pour diriger de la tête et des bras son petit monde.
Base rythmique : Joey Baron à la batterie, précis, peu exubérant, délivrant juste la bonne dose d'énergie, total controle (et un long solo d'une parfaite pureté de ligne, intensifiant peu à peu, à peine accélérant, chaque coup comme nécessaire, évident, indispensable : du grand art zen) ; Cyro Baptista aux percussions, couleurs variées, fantaisie, source d'étrangetés ; Trevor Dunn à la basse électrique, solide et groovy. Pour la texture : Jamie Saft aux claviers, essentiellement à l'orgue, et Kenny Wollesen au vibraphone ; leurs interventions ne sont pas toujours évidentes à bien suivre au milieu de toute cette richesse sonore, j'aurai du mal en particulier à bien entendre le vibraphone, mais le son de l'ensemble, avec ces échos multiples des décennies passées, leur doit beaucoup. Enfin, au coeur du dispositif, à la guitare, Marc Ribot, extraordinaire de présence, de puissance lumineuse sans avoir à forcer, capable d'injecter soudain un grand trait de blues dans un cocktail jusque-là tout léger, d'évoquer dix guitares différentes avec une seule, imperturbablement impérial et serein, sans jamais "jouer" au guitar-hero.
Cet ensemble "The Dreamers" ne vise à aucun moment la démesure, mais garde au contraire tout au long du concert la parfaite maitrise de sa performance. Pas de folie, mais une douce nostalgie, qui se dégage de l'orgue 60's, de la guitare parfois bluesy, parfois revival pop 70's, ou des mélodies, imprégnées du klezmer zornien.
Un beau concert, riches d'émotions subtiles.

Pina Baush - Bamboo blues (Théâtre de la Ville - 22 Juin 2008)

Le décor a rarement été aussi simple : un vaste plateau (jusqu'aux pieds du rang C), au fond duquel de grands draps blancs suspendus s'agitent dans le vent. Une danseuse commence un solo, puis s'enchaînent rapidement de courtes scènes de séduction, entrecoupées de quelques solos, dans un zapping rapide, où tout flotte dans une sensation de bonheur et de spontanéité - qu'elle est belle, cette humanité mélangée, qui s'adonne à de petits jeux amoureux, des préliminaires pour surprendre l'autre, tous jeunes (quelques figures historiques sont absentes, l'age moyen de la troupe s'en trouve bien abaissé), beaux, joyeux (pas un seul fado dans la bande musicale !). Bien sur, il y a des conflits, des passions, des amours non partagées, même des tentatives de suicide, parce que cela fait aussi partie de l'humaine condition, mais quand même, toute la première partie respire une allégresse assez rare chez Bausch - elle a aimé son voyage en Inde.
Quelques instants : Les belles prennent des poses alanguies tout en masticant du chewing-gum : évocation des vaches sacrées ? Les draps que l'on plie en les lançant très haut dans l'air. Un lit posé sur des rondins, qui permet de se bercer du pied. Un défilé de sari, comment le nouer, comment le dénouer, les femmes d'abord, puis les hommes quasi-nus. Un solo de Shantala Shivalingappa, sans grelots ni mythologie, mais avec toute la richesse de la gestuelle traditionnelle, et toute la sensualité espiègle qu'elle seule sait à ce point y insuffler, séquence merveilleuse de grace.
En seconde partie, le contexte indien est un peu plus présent. La scène est elle aussi devenue blanche, ce qui permet des projections, au sol et sur le mur de draps (certaines assez moches - la mise en scène est cette année bien décevante). On commence par une évocation ironique de Bollywood et ses sentiments exacerbés, il y aura un centre téléphonique de commande de pizzas, quelques ablutions indispensables (mais comme la noyade dans un seau d'eau, c'est presque juste un clin d'oeil, un écho un peu vide des spectacles précédents), un ruban imprégné de l'odeur de la cardamone passé au public, Shantala qui tournoyant tenue par les pieds trace de vastes cercles à la craie sur le sol ... Puis, l'assez habituelle conclusion en forme de rappel de scènes précédentes.
Un spectacle rempli de solos (que je ne décris pas, c'est du Pina Bausch, fluide et souvent inexplicablement nostalgique chez les femmes - beauté magnifiée d'une pointe de douleur, plus athlétique et parfois même nerveux chez les hommes), assez peu localisé, très peu parlant, presque abstrait, avec une bande son beaucoup plus rythmée et moderne que d'habitude. Les anciens danseurs sont-ils partis ou est-ce seulement une pause ? La présence de la jeune génération seule, donne une fraicheur bienvenue, mais enlève de la profondeur aux interrogations. On verra aux prochains épisodes si c'est un virage décisif.

RSO - 555 (Temple du Saint Esprit - 7 Juin 2008)

Le 5ème anniversaire du Rainbow Symphonic Orchestra a décidé de la thématique chiffrée.

Edward Elgar - 5ème Marche de Pomp and Circumstance

C'est ronflant comme une valse rapide à deux temps, ça écoeure vaguement comme un tour de manège après un repas trop arrosé, c'est lourd comme une pièce montée dans un mariage où il faut à tous prix être joyeux, ça transpire le malaise et l'outrance sous le vernis des flonflons. Certains prennent cette musique au premier degré, bigre.

Ludwig van Beethoven - 5ème symphonie

Première audition en concert (ben oui). Il n'y a donc pas que le Popopopom introductif qui est connu : si l'andante ne réveille aucun souvenir, l'allegro si.

Jean Sibelius - 5ème symlphonie

Joli défi, pour un orchestre amateur : bien des pupitres sont mis à rude épreuve, particulièrement les cordes et les vents. Première audition là aussi (en concert ou ailleurs). J'ai beaucoup aimé les tapis très flottants des cordes, brouillards sépulcraux où errent quelques cors perdus. Certains musiciens parlaient de difficulté de mise en place, pour les oreilles néophytes, ça passe sans problème, peut-être les brouillards étaient-ils juste un peu plus épais que prévu ! L'acoustique de la salle, meilleure qu'aux Blanc-manteaux, n'accepte cependant pas les tutti : la fin du premier mouvement est une grosse grosse soupe où tout est écrasé, avec quelques mélodies aigües vaguement surnageantes. Tant qu'on reste dans des textures de moyenne densité, beaux paysages, très agréable voyage, avec des vitesses supersposées, le sentiment de quelque-chose d'effiloché, de cotonneux, une lumière très blanche. La fin est assez surprenante. Les Blam Blam seraient-ils une version épurée du syndrome de l'hydravion ?

Mahler Berg Schoenberg (Salle Pleyel - 6 Juin 2008)

Gustav Mahler - Symphonie n°10

Bien sur, sous la direction de Pierre Boulez, il est hors de question de ne pas se limiter à l'adagio. Ce n'est pas mon Mahler favori : un peu trop de cordes, même si elles laissent la place à d'incisifs passages parfois acerbes et acides. La fatigue m'empêche d'être bien attentif.

Alban Berg - Altenberg Lieder

Un cycle de 5 lieder que je ne connaissais pas, et qui est une splendide découverte ! L'orchestration regorge d'idées modernes, dans les sonorités, ou dans le traitement des motifs. La voix de Laura Aikin semble souvent à coté de l'Orchestre de l'Opéra national de Paris, et parfois en-dessous, plutôt que prise dans le matériau orchestral, mais peut-être est-ce normal pour ces pièces ? Même les poèmes, dont le livret franchement indigent ne donne que les traductions, sont surprenants, intitulés "Textes de Cartes Postales", à quel degré faut-il les prendre ?

Arnold Schönberg - Pelléas et Mélisande

Le poème symphonique dans toute sa splendeur de musique de film sans film. C'est moins baveux de post-romantisme que la Verklärte Nacht, avec même des épisodes guillerets façon fêtes paysannes, et de la matière orchestrale bien nourrissante, que viennent alléger de délicats solos ça et là (beaux passages pour les vents).
Comme d'habitude, Pierre Boulez reçoit un triomphe dès qu'il apparaît sur scène, avant même la moindre note jouée. A croire que le public l'acclame en chef d'orchestre afin qu'il n'ait pas le temps de composer (mais les "Notations pour orchestre" manquantes, alors, c'est pour quand ?).

Ailleurs : Palpatine, Philippe Herlin

Festival Agora - Le Seuil du verbe (Cité de la Musique - 5 Juin 2008)

Après le prologue intersidéral, le festival Agora ouvre les festivités par ce concert de l'Orchestre Philarmonique de Radio France (augmenté de quelques membres de l'EIC) dirigé par Pascal Rophé. Est-ce la taille de l'orchestre ou une nouvelle manie de mise en scène qui supprime l'estrade et met les musiciens au même niveau que le public ? Dommage pour la vue.

Gérard Grisey - L'icône paradoxale

Cette pièce pour grand orchestre et deux voix de femme s'inspire de la Madonna del Parto de Piero della Francesca, et de son mouvement en abime vers l'infini. D'une part, l'orchestre attaque par des conflagrations aigües et tranchantes, puis enfle lentement, en ralentissant, et en conquérant les fréquences de plus en plus graves ; puis se densifie fortement, dans un tutti maelström majestueux. D'autre part, les voix (Susan Narucki et Lani Poulson) commencent par des sonorités pures et étales, avant de passer peu à peu des voyelles aux consonnes, de la note au bruit, du son pur souffle à la mélodie avec rythme. Cette superposition de trajectoires amène des moments assez prodigieux de rotations et de mouvements déboussolants. Même si elle est moins immédiatement captivante que "Vortex Temporum" ou "4 chants pour franchir le seuil", il est tout de même étrange et triste que cette oeuvre n'ait apparemment pas trouvé sa place sur un CD.

Jonathan Harvey - Mortuos Plango, Vivos Voco

Sans aucune coupure, l'orchestre est plongé dans le noir, le haut de scène est déguisé en vitraux, et la bande lance ses chants de garçon prisonniers d'une cloche. J'adore cette oeuvre. L'union mystique de la voix du fils du compositeur, et des sons de la grande cloche ténor de la cathédrale de Winchester. A la fois profondément serein et lumineux, mais aussi mystérieux, cette voix qui semble nous parvenir d'au-delà, à travers le spectre harmonique spécifique et unique de la cloche réverbérante. La douleur ("je pleure les morts") est transcendé par la jubilation du chant ("j'appelle les vivants"). J'écoute relativement souvent cette pièce sur un CD aujourd'hui peu trouvable, mais l'entendre diffusée en concert, avec spatialisation, lui rend une force délectable.

Elliott Carter - Concerto pour violoncelle

Encore un concerto pour violoncelle. Mais peu mémorable à mon gout. Interprété par Marc Coppey ce soir, mais commandé par Yo-Yo Ma, il offre au soliste une sorte de mélodie continue bien trop gentille, généreuse mais sans passion, et que l'orchestre habille assez paresseusement, changeant fréquemment de tenue, mais sans jamais m'emporter.

Jonathan Harvey - Madonna of Winter and Spring

L'inspiration est ici directement religieuse, pièce composée "en hommage à Marie, mère de Jésus". Presque 40 minutes divisées en 4 parties, une présentation des 20 mélodies formant la trame, une descente essentiellement électronique, une redite grave, glacée, fantomatique, des mélodies, puis une résurrection vers l'aigu. C'est agréable à suivre, un bel habillage de l'orchestre par les synthétiseurs, mais je n'ai aucun souvenir particulier dès le lendemain ...

Bernstein - Kaddish (Salle Pleyel - 28 Mai 2008)

Ludwig van Beethoven - Egmont ouverture

En apéritif, 10 minutes de musique dense, où les cordes sombres et tendues ne laissent que fugacement percer la relative clarté des vents. Tout un programme en quelques pages : celui du drame de Goethe, dont elles proposent un résumé anticipatif.

Wladyslaw Szpilman - Concertino pour piano et orchestre

Le compositeur est plus connu sous les traits de Adrien Brody, dans "Le Pianiste" de Roman Polanski. Cette oeuvre, composée en 1940, évoque énormément Gerschwin (le livret ajoute Chopin et Rachmaninov), mais utilise une structure en thème et variations, qui épuise assez rapidement ses charmes. La pianiste Ewa Kupiec semble se spécialiser dans les auteurs polonais méconnus ; c'est tout à fait honorable.

Leonard Bernstein - Symphonie n°3 "Kaddish"

A priori, tout le monde est là pour ça, l'avant entracte n'était que passe-temps. En trois parties et sept mouvements, utilisant un gros orchestre (l'Orchestre de Paris suffit-il ou fallut-il des supplémentaires ? La scène est en tous cas fort remplie ; John Axelrod dont les grands mouvements semblaient un peu exagérés pour Beethoven a de quoi ici s'exprimer de tout son corps !), un énorme choeur (le Choeur de l'Orchestre de Paris, plus la Maîtrise de Paris), plus un récitant (Samuel Pisar) et une soprano (Ana Maria Martinez), pour un dialogue avec Dieu après le génocide, l'oeuvre vise le grandiose. Surtout quand s'ajoute JFK, à qui Bernstein dédiera la création, quelques jours après son assassinat, et le 11 Septembre, qui détermina Samuel Pisar à écrire le texte désormais utilisé : ce survivant illustre raconte dans ce long récitatif son enfance baignée par la foi juive de ses parents, les berceuses de sa grand-mère, l'extermination et les camps, sa haine de Dieu, la douleur et la culpabilité d'avoir survécu, le difficile mais miraculeux retour à la vie, l'espoir d'une possible réconcialiation avec Dieu et entre les hommes ... Articulation inexorable, sa voix amplifiée à la perfection résonne avec une terrible précision. Sous cette langue profuse, la musique procède par parties bien délimitées et contrastées. Percussions varésiennes ici, architectures post-romantiques mahlériennes là, travail choral parfois schoenbergien, en passant par quelques accords aux richesses colorées messiaenesques, beaucoup d'influences peuvent être détectées. Et à vrai dire, si l'émotion est souvent intense, elle provient plus d'un choc, qui la surprise passée s'estompe assez rapidement, et non d'un vrai sentiment, qui creuserait au fur que la musique avance. Ainsi de la cantatrice, dont les premières notes me tétanisent, sans que cela ne dure guère. Que manque-t-il pour que je sois emporté ? Un brin de cynisme, sans doute, quelque-chose de grinçant, comme chez Ligeti ou chez Chostakovitch.

Ailleurs : Klari, Palpatine, van Moere