Bien Culturel

Marie Chouinard - Le Nombre d'Or (Live) (Théâtre de la Ville - 22 Janvier 2012)

2012-01-26T21:25:00.003+01:00

Les spectacles de Marie Chouinard sont généralement fort excitants, et celui-ci ne fait pas exception. On y parle de la vie, de la naissance à la vieillesse, et de quelques sujets épars, comme la sexualité, la politique, la folie ... Une grande idée de départ, c'est l'utilisation de masques, neutres et camouflants, ou au contraire photographiques, de bébés, de vieillards, ou d'homme d'état. Cela donne des tableaux splendides, étranges, aux frontières du ludique et du dérangeant (par exemple ces pas de deux où tous portent le visage de Sarkozy, qui me font écho de Windowlicker), où les émotions sont souvent subtilement mêlées et ambigües, contradictoires.
Comme cette danse, déjà, anguleuse et fluide à la fois, animale et sensuelle, entre air et terre. Des costumes qui différencient les sexes, mais selon des schémas décalés. Des corps affirmés dans leur beauté sensuelle, mais des couples qui quand ils s'enlacent hurlent. Des corps qui finissent nus, mais que les masques de bébés rendent alors innocents.
Une extension de la scène avance jusqu'à mi-salle. Des écrans vidéos diffusent un vrai générique, puis projettent des images filmées sur la scène même, par exemple des visages masqués rapprochés et regroupés en foule anonyme. Les effets sont simples, mais ingénieux.
Bref, c'est tonique et intelligent, c'est jouissif et troublant, c'est un très beau spectacle.

Sébastien Texier Quintet (L'Improviste - 21 Janvier 2012)

2012-01-24T20:37:00.003+01:00

Voici que s'ouvre tout près de chez moi un nouveau lieu de concerts de Jazz : la péniche "L'Improviste", réaménagée sur plusieurs étages pour une ambiance cosy et sympa, qui sent encore la colle et la peinture, et où Sébastien Texier tient depuis l'ouverture une carte blanche, qui s'achève ce soir.
Pour l'occasion, il réunit deux camarades de longues dates, le tromboniste Guoergui Kornazov et le trompettiste Alain Vankenhove, avec qui il avait déjà enregistré le disque "Chimères" il y a dix ans, et beaucoup tourné depuis. Leur connivence est évidente, que ce soit dans les dialogues rapides entre Kornazov et Vankenhove, ou dans les trios, vivement entremêlés ou subtilement superposés (trompette en aigu, saxophone en médium, trombone dans les basses). Cette ligne de front a une tenue plus uniforme lorsque Sébastien Texier utilise le saxophone plutôt que la clarinette, qui ne sera que rarement jouée, par exemple lors du premier morceau, "Dido". Loin de trop répétés barrissements, la technique de Kornazov se déploie ici plus dans les registres bas, expansions mélodiques et rythmiques que vient ombrer souvent une nostalgie inquiète. A la trompette, Vankenhove laisse chanter la mélodie, ou parfois la pousse vers le bruitisme.
La paire rythmique est elle plus récente : Frédéric Chiffoleau à la contrebasse et Guillaume Dommartin à la batterie. Si les solos ne sont pas trop le point fort de Chiffoleau, ils brillent sous les baguettes de Dommartin : ce sont des explorations intelligentes, posées, composées, entre différentes allures successives que je subodore liées par des rapports genre 4/3 ou 3/5, ce genre-là.
Les morceaux sont assez typiques d'un certain jazz français : des thèmes suffisamment simples pour bien entrer dans la tête et accrocher les pieds, mais assez riches pour nourrir les solos et les variations, facilement imprégnés de folklore balkanique plus ou moins réinventé. Ca oscille entre du très punchy, et des ballades prenantes. J'aimerai retrouver sur disque certains des morceaux joués ce soir et qui ne sont pas sur "Chimères".
Pour les derniers morceaux, le pianiste Bruno Angelini vient les rejoindre, lui aussi complice habituel de Texier.
En deux sets, le voyage est garanti, et fichtrement entraînant.

Spotify: Sébastien Texier – Chimères, Bruno Angelini – Sweet Raws Suite Etcetera, Alain Vankenhove – Beyond Mountains

Shepherd Kim Chin Jarrell (Cité de la Musique - 10 Janvier 2012)

2012-01-12T22:43:00.004+01:00

J'avais choisi ce concert particulièrement pour la création d'une oeuvre de Pintscher, qui est finalement remplacée, sans préavis, et non sans quelques incohérences dans la communication, par du Jarrell. Dommage.

Sean Shepherd - Blur

Ce jeune Américain pourrait être Anglais, tant sa musique est nourrie de mélodies. On sent une densité dans l'écriture, mais camouflée la plupart du temps. C'est élégant. De belles séquences solistes donnent un aspect concertant très agréable. Un compositeur à suivre.

Texu Kim - Toccata inquieta

Je n'ai pas du tout aimé cette pièce pour clavecin et ensemble, où la musique est réduite à de courts glissandi répétitifs et quelques effets peu profonds, avec un clavecin sans intérêt. Passons.

Unsuk Chin - Gougalon

Après un changement de plateau particulièrement long, même aux normes de l'EIC, arrive le sommet du concert. Cette "scène de théâtre de rue" est pleine de surprises, d'émotions joyeuses, d'exubérance et d'ironie. Les 20 minutes annoncées (je crois que ça a duré un peu plus longtemps en fait) sont divisées en 6 séquences aux titres évocateurs et drolatiques ("lamentation de la chanteuse chauve", "sourire du voyant aux fausses dents" ...). Unsuk Chin y évoque des souvenirs d'enfance, quand des artistes bateleurs proposaient des représentation théâtrales pour attirer le public et lui vendre des poudres de perlimpinpin. Si l'atmosphère ressemble un peu au "Pétrouschka" de Stravinski, c'est de façon étonnante "Le Mandarin merveilleux" de Bartok qui m'est un moment apparu source d'inspiration possible ! En tous cas, c'est vif, coloré, enthousiasmant.

Michael Jarrell - La chambre aux échos

J'avais déjà entendu, sans être bien convaincu, les 2 premiers mouvements de cette pièce, donnée cette fois en intégralité. On s'y retrouve un peu plus, avec des effets à peu près identiques à chaque fin de mouvement, par exemple. Et un troisième mouvement en statisme, qui équilibre la pièce. Susanna Mälkki emmène l'EIC dans le final avec une fougue qui la fait bondir sur son estrade ! Mais je ne suis toujours pas pleinement emporté ...

Planning Janvier - Février 2012

2012-01-07T17:24:00.002+01:00

Un démarrage en douceur ...

Date - Lieu - Intitulé
10/01/2012 - CdM - EIC / Mälkki
22/01/2012 - TdV - Marie Chouinard
02/02/2012 - CdM - Le Faune
04/02/2012 - CdM - Jean-Efflam Bavouzet
10/20/2012 - CdM - EIC / Morlot
16/02/2012 - CdM - Le roi singe
18/02/2012 - Ple - Mantovani / Mahler

Cinéma 2011

2012-01-01T21:17:00.003+01:00

Une année sans grand coup de coeur (c'est"Winter's Bone" qui s'en rapproche le plus).

Les émotifs anonymes ; Green Hornet- ; Les Chemins de la Liberté ; Au-delà ; Le Discours d'un roi ; Black Swan ; Jewish connection ; Winter's Bone+ ; True Grit ; Fighter ; Sucker Punch ; Essential Killing ; La proie- ; Pina ; Détective Dee ; Scream 4 ; Animal Kingdom+ ; Tomboy+ ; Le gamin au vélo ; X-Men Le commencement ; La défense Lincoln ; Une séparation+ ; Beginners ; The Murderer- ; Melancholia ; Captain America First Avenger- ; Comboys et envahisseurs ; Présumé coupable ; Drive+ ; The Artist ; Contagion ; Les Neiges du Kilimandjaro ; Intouchables ; Shame ; Mission impossible 4 ; Hugo Cabret+.

Sylvaine Hélary - Printemps (Atelier du Plateau - 17 Décembre 2011)

2012-01-01T15:01:00.004+01:00

Pour ce projet "Printemps" créé autour du printemps arabe, Sylvaine Hélary a invité Aalam Wassef à rejoindre son trio habituel, mais qui sonne pour l'occasion fort différemment que sur leur récent disque : on est dans une ambiance qui se rapproche plus de la musique contemporaine que du rock.

Chacun des musiciens a de multiples instruments à sa disposition : Sylvaine Hélary alterne entre trois flûtes différentes, et chante, et lit des textes ; Antonin Rayon joue du piano, mais aussi d'autres claviers, et diffuse des ambiances bruitistes sur bandes magnétiques ; Sylvain Lemêtre privilégie les percussions tempérées, vibraphone, orgue à verres, assortiment de petites cymbales chinoises, mais aussi quelques gongs etc. ; enfin, Aalam Wassef lit des textes, diffuse des vidéos, dessine.

L'ambiance est très intimiste, lumière faible, pas d'applaudissements entre les morceaux, écoute et respect.

Les moments les plus réussis du concert se fondent sur des boucles indépendantes, chaque musicien adoptant et variant tranquillement la sienne, dans de belles textures que la variété des instruments présents sur le plateau permet de constamment renouveler. Un morceau plus énergique et aux élans plus Free,marqué par l'utilisation d'une "planche à cluster" permettant de frapper toutes les touches du piano d'un coup, conclura le concert.

Par contre, toute la partie politique du projet, le choix des textes lus, les vidéos projetées, les performances de Aalam Wassef, m'a majoritairement échappée.

Guy Cassiers - Coeur ténébreux (Théâtre de la Ville - 11 Décembre 2011)

2011-12-17T18:06:00.003+01:00

Le titre est en référence à "Au coeur des ténèbres" de Joseph Conrad, qui a inspiré ce spectacle, et ce de manière bien plus directe que pour "Apocalypse Now" : nous restons au Congo belge, à la poursuite de M Kurtz, trafiquant d'ivoire aux méthodes terribles. Il y a un seul acteur sur scène, Josse De Pauw, qui récite le lent et envoutant monologue, ponctué de dialogues où il parle à un double vidéo, projeté sur le décor minimal, constitué de pans qui peuvent avancer ou reculer sur scène, et continuellement recouverts de projection vidéo. Celle-ci est constitué de différentes matières : de l'abstrait en taches pour la découverte de la jungle profonde, du semi-abstrait pour le sang en longues dégoulinades, du semi-figuratif pour les incendies, du figuratif pour la rencontre avec le russe. Le décalage des pans permet de mettre littéralement en avant, dans l'espace scénique, un personnage projeté sur un pan isolé en avant, ou par de subtils décalage créer un trouble, que le texte augmentera en malaise. Au-delà de l'efficacité de cette mise en scène, à la fois simple et complexe, et de la performance de l'acteur, qui ne force jamais le trait, et impose sa présence physique, jusqu'à en conférer une part aux mots récités, c'est la force du texte qui sort victorieuse. Les échos de "Apocalypse Now" sont paradoxaux, mais ne peuvent pas ne pas surgir : l'attaque des flèches dans le brouillard, les dialogues avec l'intermédiaire subjugué ... Mais la mort de Kurtz, et la rencontre finale avec sa fiancée, sont d'autres moments d'une grande force. Ce deuxième volet d'une trilogie en cours m'a fait beaucoup plus forte impression que Sous le volcan : au-delà des conditions alors désavantageuses, c'est aussi le minimalisme plus poussé qui me semble une grande réussite.

Ailleurs: ToutelaCulture, Allegro Théâtre, Le Beau Vice, ...

Aka Moon (Le Triton - 10 Décembre 2011)

2011-12-17T17:46:00.004+01:00

Cela faisait bien longtemps que je n'avais pas vu Aka Moon en concert, surtout dans sa formule en trio simple, sans invités ! Il n'y a guère que dans cette configuration que Stéphane Galland soit capable de vraiment donner libre cours à sa technicité éblouissante, et en effet il se donne ce soir à fond : visage fermé, très concentré, mais mains et pieds de virtuose, en rythmes continuellement perturbés, émaillés de dérapages, de petites explosions, d'inventions, mais dans une maitrise du flux et du tempo exceptionnelle. C'est à ce point sidérant, ce qu'il fait derrière ses futs et ses cymbales, qu'il en devient difficile d'écouter ses collègues. Et pourtant ! Michel Hatzigeoriou me semble avoir changé son jeu : pas de pédales sur sa basse, mais du slapping, moins de Jaco, plus de Funk ! Il y a de la joie dans son groove, et il essaie, et parfois réussit, à dérider son voisin batteur. A l'entracte, j'entends certains trouver le saxophoniste banal. Ca peut donner cette impression, comme Fabrizio Cassol se refuse à des facilités spectaculaires. Mais faire passer pour simples de telles lignes mélodiques, les boucles enchevêtrées, les escapades harmoniques, c'est là l'exploit !

Au deuxième set, Stéphane Galland devient plus brutal, voire violent. Cette baisse d'intensité permet de mieux profiter des deux autres. La magie opère de façon plus équilibrée. Au final, grande énergie, et grand plaisir. Merci messieurs !

Médéric Collignon - Jus de Bocse joue King Crimson (New Morning - 7 Décembre 2012)

2011-12-13T22:19:00.003+01:00

Contrairement à la soirée Amnesty deux jours avant, cette fois le New Morning est bien bien plein. Du coup, le présentateur de la soirée en profite pour faire de la retape pour d'autres concerts, du Jazz manouche, du Big Band, d'autres encore. Dommage qu'il soit très lourd, et que ça n'en finisse pas. On a droit en plus à une première partie, un chanteur camerounais à la fort jolie voix, s'accompagnant à la guitare sèche, et aidé par un deuxième guitariste. Fort joli, donc, mais un peu hors-propos. Puis le présentateur revient, et il refait de la retape, cette fois par l'intermédiaire d'une tombola, et il est toujours aussi lourd, et ça n'en finit toujours pas, mais quand est-ce que la musique qu'on est venu écouter va enfin commencer !?

Enfin, à 22h, Médéric Collignon arrive sur scène, accompagné de son Jus de Bocse habituel, et de deux quatuors à cordes, qu'il utilisera comme un mini orchestre à cordes. La sono a quelques difficultés à trouver les bons réglages : larsen, micro éteint, cordes inaudibles, tout cela mettra plusieurs morceaux à bien se caler. Cela n'empêche pas Médo de se lancer à fond, à la trompette et à la voix. A la base, des morceaux de King Crimson, donc. Mais bien revisités : on est plus proche du Miles électrique ou de Weather Report que du Rock progressif. C'est donc une sorte de grand melting-pot culturel, avec de l'énergie rock, du groove, des rythmes impairs, des boucles, des parties très écrites pour les cordes, de longues impros au Fender Rhodes ... Mais les ingrédients essentiels sont la batterie de Philippe Gleizes parfaitement à son aise dans ce registre de puissance propulsante, et bien sur le délire de Médéric Collignon, entre chaos et maîtrise.

Un seul set de deux bonnes heures explore de fort diverses facettes de la musique de King Crimson, revisitant toute son histoire. Collignon passe même quelques extraits d'improvisations de Robert Fripp, qui permettent de bien voir que ça n'a pas grand-chose en commun avec ce qu'ils nous proposent ce soir. On en ressort un peu groggy. Mais vaguement déçu, aussi, par l'ambiance gâchée par l'attente et les soucis techniques, et aussi par l'écart entre l'ambition des moyens mis en oeuvre, et le résultat, qui manque paradoxalement de personnalité, sans doute parce qu'il y a trop d'ingrédients dans la sauce, et de pertinence, genre "oui, et alors, à quoi bon tout ça ?", ce que je n'avais pas ressenti dans les concerts où le Jus de Bocse reprenait Miles Davis.

Ailleurs: quelques vidéos sur Youtube, de la même musique mais au Triton :
Part 1, Part 2, Part 3

Added Courtois, Texier Nord-Sud (New Morning - 5 Décembre 2011)

2011-12-08T21:51:00.003+01:00

C'est complètement par hasard que je découvre le jour même l'affiche fort alléchante de ce concert de soutien à Amnesty international, qui sans doute par manque de publicité suffisante, n'attirera que bien peu de monde, laissant la salle au moins à moitié vide.

Jeanne Added - Vincent Courtois

Ca pourrait être une version réduite du quartet de Vincent Courtois. Mais l'équilibre des forces y est fort différent. Si la formule d'une chanteuse et d'un musicien évoque par moment le dialogue entre Youn Sun Nah et Ulf Wakenius, on est plus encore dans une approche d'une émotion nue, d'une musique sans artifices. Vincent Courtois s'est débarrassé de ses pédales d'effets et de son appareillage électronique, et joue en pizzicati ou à l'archet, soutien mélodique parfois lyrique, parfois plus recueilli. Ce qui ne m'empêche pas de parfois sonner comme un instrument exotique orientalisant, parfois comme un banjo. Jeanne Added se glisse entre fragilité désarmante et ironie légère et ravageuse, des cocktails d'émotions qu'elle maitrise à merveille. On retrouve certaines des balades déjà entendues en quartet, et ce soir ce n'est pas "Faible et Faiblissant" qui sera le sommet du concert, mais plus "I Carry Your Heart" ou "The World Tonight". Il y a aussi une délicieuse chanson sur l'ivresse, qu'elle délivre avec une douce ironie soudain brisée d'un long cri qui renverse. Formidable performance.

Henri Texier Nord-Sud Quintet

Deuxième fois que je vois cette formation, et deuxième fois en faveur d'une cause (après les maladies dégénératives du Brain Festival, c'est cette fois Amnesty International, donc). Depuis un an, le groupe a eu le temps de bien digérer le répertoire du disque "Canto Negro", et chaque morceau ressort plus dense, mieux caractérisé, plus abrupt ou plus poignant, que lors de leur premier concert.
Le premier solo sera du batteur Christophe Marguet, ce qui n'est pas habituel, aussitôt suivi par Henri Texier, qui multipliera ses interventions tout au long du set, souvent doucement accompagné par la guitare de Manu Codjia. Entre les deux souffleurs Sébastien Texier et Francesco Bearzatti, les interactions sont aussi plus profondes, dans les chorus lancés à deux mais avec une belle liberté, ou dans les solos, plus virtuoses et abstraits chez Sébastien Texier, plus brutaux et émotionnels chez Francesco Bearzatti. Grand plaisir.

Spotify: Vincent Courtois Quartet - Live In Berlin, Henri Texier Nord-Sud Quintet - Canto Negro

Levinas Asperghis Birtwistle Lachenmann (Cité de la Musique - 29 Novembre 2011)

2011-12-04T21:03:00.003+01:00

Michaël Levinas - Appels

Ce court morceau introductif date de 1974, et marque, dit le compositeur dans le livret, le début de l'aventure de la musique spectrale. En effet, dans cet appel répété où se combinent le son du cor et de la caisse claire et des traitements numériques, on sent la fascination pour le son en tant que matière première de la musique. Mais il manque la notion de processus de transformation, et autour de ce son primaire, les autres instruments viennent se greffer de manière encore très classique. L'oeuvre indique une révolution à venir, mais sans en être un chef d'oeuvre.

Georges Asperghis - Pièce pour douze

Je me souviens m'être dit que pour une fois, je trouvais pas mal cette pièce d'Asperghis, auteur d'un théâtre musical qui m'horripile bien souvent. Ici, c'est de la "musique pure", sans voix. Mais le problème, c'est que je ne me souviens plus de rien d'autre ...

Harrison Birtwistle - Cortège

Dans Theseus Game, il y avait deux chaises où se relayaient les solistes. Cette fois, c'est debout qu'ils viennent l'un après l'autre se positionner au centre des musiciens disposés en demi-cercle. A part ça, pas grand-chose à en dire. Là aussi, ça laisse bien peu de souvenirs.

Helmut Lachenmann - Concertini

Pour cette pièce plutôt récente de Lachenmann (2004-2005), de nombreux musiciens supplémentaires gonflent l'effectif de l'ensemble intercontemporain, qui est éclaté entre la scène et les gradins. Le langage de Lachenmann s'est déradicalisé, et il conjugue maintenant les moments bruitistes habituels (beaucoup de grattements) avec des passages où les instruments sont joués normalement. Comme le titre l'indique, il s'amuse avec la notion de concerto, et de fait, on a de magnifiques solos, à la guitare, à la harpe, ainsi que de splendides dialogues à quelques-uns. Et il y a suffisamment de variété pour que les 40 minutes passent sans aucun ennui, entre les différentes oppositions qui structurent l'oeuvre (sons bruités / sons normaux, effectifs différents des groupes instrumentaux sur scène et ceux spatialisés). Très réussi.

Spotify: Michaël Lévinas: Par-delà, Georges Asperghis - Simulacres, Harrison Birtwistle - Secret Theater

Transgender Warriors (Cité de la Musique - 25 Novembre 2011)

2011-11-29T13:22:00.004+01:00

No Bra

Susanne Oberbeck, une grande Allemande qui vit à New-York, débarque sur la scène, remercie la Cité de cette invitation à venir à Paris, s’excuse de ne pas parler français, et lance le programme sur son laptop. La musique démarre, un mélange bien pêchu de basse lourde et de saxophone râpeux, sur lequel elle place ses mots. Dès que la chanson finit, l’ordinateur en balance une autre. Et c’est bien là le problème : l’artiste semble prisonnière du tempo imposé par la machine, parfois en retard, et sans jamais avoir le temps d’accrocher le public. Quelques chansons me plaisent par leur climat un peu lourd, mais d’autres me semblent à peine ébauchées, un squelette sonore qui soutient à peine le texte. Comme celui-ci n’est pas assez compréhensible pour me captiver, et comme il n’y a aucun jeu de scène (elle reste plantée immobile – et habillée normalement - à coté de son micro et de son laptop), il n’y a pas grand-chose pour retenir l’intérêt.

Cindytalk

Cette seconde partie tient beaucoup mieux le choc de la scène, quitte à proposer une ambiance assez différente de celle de ses derniers disques (de l’electro dark très ambient). Sur scène, Gordon Sharp, en robe rouge et hauts talons, chante beaucoup, dans un registre où on retrouve les échos de sa participation au premier "This Mortal Coil", et est accompagné par Robert Hampson, un guitariste expérimental et bruitiste (qui travaille aujourd’hui avec le GRM ...), qui a à sa disposition un appareillage électro-informatique divers.
La musique que ce duo crée est du coup beaucoup plus improvisée, et assez dense, un lent fleuve puissant qui nous submerge et nous entraîne dans un voyage très prenant. Une projection vidéo complète le dispositif, images d’eaux, de foules floues, de jeunes gens, en noir et blanc ou en couleur, un contrepoint réussi.
Pour conclure cette prestation assez captivante, Gordon Sharp s'installe au piano, et y plaque des lambeaux de mélodie, des accords ambigus, un final teinté d'une nostalgie pas forcément très originale, mais très réussi.

Spotify: No Bra - Dance and Walk, Cindytalk - Hold Everything Dear, Robert Hampson - Vectors

Lemi Ponifasio - Birds With Skymirrors (Théâtre de la Ville - 24 Novembre 2011)

2011-11-29T12:58:00.002+01:00

Dans ce deuxième spectacle présenté par le chorégraphe samoan au Théâtre de la Ville, on retrouve bien les éléments de fascination éprouvée l'an dernier : l'obscurité qui mange une bonne partie de la scène et parfois le corps des danseurs dont ne subsiste plus que les mains ou le visage, ces gestuelles énigmatiques et récurrentes, bras tendus en V et mains tremblantes, attitudes très droites et pieds qui glissent en de rapides mouvements qui donnent l'impression de flotter, moulinages soudain des avant-bras entre grâce et art martial, les frappes sonores sur le torse, etc. Les séquences les plus spectaculaires sont sans doute le jonglage avec des boules tenues par des ficelles, qui virevoltent autour des mains et du buste.
Mais si le discours de "Tempest" était presque incompréhensible à cause de références trop peu maîtrisées par un public occidental, il est ici quasiment invisible. A part la projection d’un oiseau englué dans du pétrole, peu d’éléments nous permettent de saisir le but de cette pièce, que le livret place sous le poids du "souci écologique au sens large". Comme tout ceci est long (1h30) et assez répétitif, et sans réelle ligne directrice, l’ennui, malgré la fascination, guette.

Ailleurs: MHF, TouteLaCulture

Inde : danses et travestissement (Cité de la Musique - 19 Novembre 2011)

2011-11-23T21:36:00.003+01:00

Manzoor Shah & Party - Chant et danses chakri, rauf et bacha nagma

Cette première partie se focalise plus sur la musique que sur la danse. D'ailleurs, l'estrade où prennent place Manzoor Shah et ses acolytes est en plein centre de la scène. Cette musique, le chakri, "est un genre très populaire au sein de la société musulmane cachemiri." Populaire est bien le mot : on est assez loin du registre savant d'autres styles de musique indienne plus fréquemment entendus. Le rythme surtout souffre d'un binaire inébranlable rapidement lassant, perturbé par de rares solos malheureusement très sommaires ; et les lignes mélodiques se répètent sans grande inventivité.
De temps en temps surgit un jeune homme, en habits habituels, qui danse, dans une gestuelle très souple, qu'on peut effectivement qualifier pourquoi pas de féminine. Mais sans chorégraphie à proprement parler, l'intérêt est faible. En fait, on pourrait se croire dans un village, lors d'une fête locale, où chantent et dansent les habitants du coin les plus doués, mais sans ambition artistique élevée. Bref, bof.

Tamil Nadu - Danse sacrée kuchipudi

On retrouve des territoires plus usuels : estrade sur le bord, musique plus élaborée, entrée de l'artiste. Première originalité : il s'agit d'un homme, mais habillé comme une danseuse indienne classique. Deuxième originalité : la partie théâtrale est bien plus présente que d'habitude. Un des musiciens parfois se lève et vient rejoindre le danseur, qu'il accompagne de quelques gestes peu élaborés, et surtout avec qui il discute, dans des scènes de dialogue malheureusement pas sous-titrées, donc incompréhensibles. Il semble n'y avoir qu'une seule histoire racontée, celle de Bhama Kalapam, une querelle entre Satyabhama et Krishna, où la princesse fait montre d'orgueil devant son seigneur, puis se repentit et réussit à se faire pardonner. Comme c'est du kuchipudi, il y a un passage avec un plateau doré, mais il aurait fallu être dans les gradins pour en profiter ... La salle des Abbesses me manque.
Cette deuxième partie est bien plus intéressante que la première, et je retrouve avec plaisir les subtilités et les virtuosités de cette danse parfois si abstraite et architecturale, et parfois si concrète et figurative. Par contre, la partie "travestissement" ne présente qu'un bien faible intérêt. Que ce soit un homme qui danse, ou une femme, ou un homme déguisé en femme, quelle différence cela fait-il ?

Stravinsky Cage Dusapin (Cité de la Musique - 12 Novembre 2011)

2011-11-13T20:39:00.004+01:00

Igor Stravinsky - Requiem Canticles

En prolongation du concert de Mercredi, celui-ci commence par deux pièces "finales" de leur auteur. Ce requiem abstrait me rappelle par moment Messiaen (lenteur, couleurs, religiosité distanciée), mais dégage une atmosphère tout à fait particulière : c'est une cathédrale, mais à ciel ouvert, et aux colonnes de cristal ; une architecture hiératique, mais transparente et lumineuse. Neuf mouvements en un quart d'heure, c'est une mosaïque précise, aux assemblages subtils, entre l'orchestre aux pupitres réduits, le choeur, et les deux voix solistes.

John Cage - Seventy-Four

S'installent sur le plateau 74 musiciens de l'Orchestre Symphonique du SWR Baden-Baden & Freiburg. Le chef Jonathan Stockhammer est remplacé par deux écrans faisant métronome. Aux musiciens de savoir comment jouer leur partition minimaliste, individuellement et collectivement. Le résultat pour ce soir me semble consister à passer de note à note, de manière relativement synchrone, comme à travers un sas, puis à creuser la note atteinte en en variant les couches instrumentales. C'est plutôt beau et reposant, mais pas forcément une expérience inoubliable.

Pascal Dusapin - La Melancholia

Là on sort le grand jeu. Orchestre massif, choeur puissant (le SWR Vokalensemble Stuttgart), quatre solistes, une bande magnétique pour quelques récitations, du texte composé d'extraits érudits anciens et multi-langues, c'est du lourd. Et en effet, c'est parfois, souvent, un peu lourd. Le traitement de l'orchestre offre quelques moments de métamorphoses ou de transmutations, préfigurant les fantastiques "solos", mais cela n'est qu'épisodique. On est plus souvent dans un déferlement qui nous submerge, tant en puissance sonore qu'en pathos revendiqué, mais qui me passe à travers, sans vraiment me toucher.

Ailleurs : Simon Corley
Spotify : Igor Stravinsky – Canticum Sacrum / Agon / Requiem Canticles, John Cage - The Piano Concertos / Fourteen, Pascal Dusapin - 7 solos pour orchestre

Parra Kagel (Cité de la Musique - 9 Novembre 2011)

2011-11-12T16:50:00.004+01:00

Hèctor Parra - Caressant l'horizon

Quand le livret explique que le compositeur veut évoquer "les ondes gravitationnelles engendrées par la collision de deux trous noirs", on peut deviner que ça va être bruyant. Et ça l'est. L'EIC, dirigé à grands gestes expressifs, quasiment villepiniens, par Emilio Pomarico, rugit, convulse, explore les stridences ou les grondements, louvoie entre éruptions et frémissements, et se calme par moments pour qu'un ou deux solos s'installent, avant de repartir dans le fracas et le tumulte. Mais pour dire quoi ? Ici on entend la frénésie rythmique d'un Stravinsky, là les harmoniques violentes d'un Varèse. Et pas grand-chose d'intéressant, au final, pendant cette grosse demi-heure passablement ennuyeuse.

Mauricio Kagel - In der Matratzengruft

Changement radical d'acabit. Ici, chef d'oeuvre. Dernière composition de Kagel, écrite sur son lit d'hôpital, elle tire sa matière des derniers cycles de poèmes écrits par Heinrich Heine, paralysé et bloqué dans son lit. Dans la variété des accompagnements musicaux (les duos et les trios pullulent, genre harpe-tuba-trombone, ou violoncelle-clarinette, etc, dans un renouvellement constant de texture), on pourrait lire l'influence du Pierrot Lunaire. Mais la ligne vocale (le ténor Markus Brutscher y est magnifique d'émotion et de dignité) reste plus classique, même si, quand on l'observe de plus près, elle ose le cri de désespoir à peine camouflé, ou la parodie de grand air d'opéra.
Pourtant, l'atmosphère générale est à une certaine retenue, malgré la mort qui hante toute la musique. Une pudeur automnale. Un équilibre délicat, entre l'angoisse, la résignation, de brefs éclats de révolte, et l'humour qui bien que camouflé, reste un soubassement essentiel de l'esthétique Kagelienne. J'espère vraiment qu'il y aura enregistrement discographique, parce que c'est une musique que j'aimerai beaucoup écouter à nouveau, par exemple pour analyser davantage le lien entre la musique et le texte.

Ailleurs: Un très beau billet de David Sanson.

Berliner Ensemble - Lulu (Théâtre de la Ville - 5 Novembre 2011)

2011-11-08T20:12:00.005+01:00

En ce moment à Paris, une Lulu peut en cacher une autre, et tandis que la version d'Alban Berg se joue à l'Opéra, la pièce originelle de Wedekind est donnée au Théâtre de la Ville. Ou plutôt, la version de Robert Wilson et de Lou Reed, puisque la pièce représentée ici, quoique inspirée parait-il de la "Lulu des origines", bouscule la chronologie en débutant par quelques premières évocations de la mort de l'héroïne, et se trouve rythmée par des chansons de Lou Reed, interprétées par une poignée de musiciens dans la fosse et les acteurs sur la scène.
Ces chansons sont certainement le point faible du spectacle. Non seulement elles ne brillent pas particulièrement par leur force ou leur originalité, mais en plus elles ne collent pas du tout avec l'atmosphère générale donnée par les costumes, les maquillages, les décors, etc. Les effets de distanciation, pourquoi pas. Mais là, il y a tentative de téléportation temporelle, une greffe qui échoue totalement entre les mélodies rock modernes de Lou Reed et la stylisation si particulière de Bob Wilson.
De l'histoire de Lulu, je n'ai pas compris grand-chose. C'est l'inconvénient d'être à une place qui aurait été incroyablement réjouissante pour d'autres spectacles, milieu du premier rang, quand les seuls sous-titres disponibles sont affichées bien tout en haut de l'espace scénique. Regarder ou lire, il faut choisir. Mais même sans cela, la présence des chansons de Lou Reed me semble avoir nécessité quelques coupures dans l'intrigue, et je ne me repère guère entre tous ses hommes successifs. Quant à la Comtesse, son rôle me semble bien peu clair. Et quand je lis le synopsis (L'Esprit de la Terre / La Boîte de Pandore), de larges morceaux semblent avoir été omis (le passage par la case prison, par exemple).
Mais si le spectacle n'est vraiment pas sans défauts, il n'est pas non plus sans quelques qualités ! Angela Winkler est une Lulu au sourire douloureux, aux yeux d'enfant prêt à pleurer, aux rires d'oiseau, présence tranchante et tremblante, fragile et fantomatique, plus que fantasme. Parmi ses compagnons, son père s'avère le plus répugnant, et le Jack de Londres exhibe une silhouette effilée et un charme de fou dangereux à la puérilité attendrissante assez envoutant.
Si les décors de la partie allemande n'excitent guère d'émotions (c'est du Wilson bien estampillé, avec néons et sièges étranges), son Paris, en lustres et cyprès, éveille beaucoup plus la curiosité, et me fait penser, je ne sais pourquoi, à du Paul Delvaux (mais un monologue répétitif récité en voix-off monocorde m'énerve assez vite) ; quant à Londres, perdue dans un brouillard qui efface les pieds, avec cette galerie d'hommes déchus en fond de scène, elle plonge dans un sordide bien réussi.
Mais cela ne suffit pas à renouer avec les éclatants succès du Berliner Ensemble de l'an dernier ...

Ailleurs: MusicaSola

Planning Novembre - Décembre 2011

2011-10-30T14:13:00.003+01:00

Gardons le rythme d'un à deux spectacle par semaine, avant les vacances !

Date - Lieu - Intitulé
05/11/2011 - TdV - Lulu
09/11/2011 - CdM - EIC Pomarico
12/11/2011 - CdM - SWR Volkov
19/11/2011 - CdM - Inde : Danses
24/11/2011 - TdV - Lemi Ponifasio
29/11/2011 - CdM - EIC Mälkki
06/12/2011 - CdM - Zita Swoon Keersmaeker
11/12/2011 - TdV - Coeur Ténébreux
15/12/2011 - CdM - EIC Pintscher
17/12/2011 - CdM - Matthias Goerne

David Krakauer joue John Zorn (Salle Pleyel - 27 Octobre 2011)

2011-10-30T11:39:00.003+01:00

Avec cette tournée, David Krakauer prépare son prochain enregistrement d'un "Book of Angels", cette formidable série instituée par John Zorn, et qui arrive à sa conclusion. Il réunit autour de lui quelques musiciens habituels, et alterne entre les anges de Zorn, des compositions personnelles et quelques standards revisités.
Aux machines (boîte à rythmes, synthés, ordinateur) nous avons, non pas Socalled, mais Keepalive, qui crée une toile de fond. Du coup, le batteur Michael Sarin peut parfois se contenter de décorations, dans une frappe précise et sèche, mais assure sinon un rythme solide quoiqu'un peu pâle. A ses cotés, Jerome Harris donne à la basse électrique une profondeur funk bienvenue. Devant, la guitariste Sheryl Bailey, nourrie de blues, bondit dans des improvisations très rock'n'roll.
Mais le héros de la soirée est bien sur David Krakauer, à la clarinette virevoltante et inextinguible, à l'enthousiasme et énergie extraordinaire, et qui en plus présente les morceaux dans un excellent français. Son morceau de bravoure sera un solo strident, avec technique de souffle continu, qui à quelques mètres de distance de la scène, me vrille quelque peu les oreilles mais impressionne, c'est certain.
Les compositions de John Zorn proposent de courts morceaux intenses proches du chaos, et des ballades splendidement mystérieuses, où les musiciens entrecroisent de courtes interventions. Les compositions de Krakauer offrent des occasions de solos plus franches, et permettent aux musiciens de s'épancher avec un bonheur plus direct et immédiat, qui révèle l'habitude qu'ils ont de ce répertoire.
Pour les bis, une bonne partie des spectateurs se lèvent, c'est l'effet Klezmer Madness, et c'est bon. J'en sors avec les oreilles qui bourdonnent un peu, c'est rare en sortant de Pleyel, mais avec le sourire.

Spotify: David Krakauer – The Twelve Tribes, The Sheryl Bailey 3 – Bull's Eye, Robert Dick - Third Stone From the Sun

Hindemith Schoenberg (Cité de la Musique - 25 Octobre 2011)

2011-10-26T22:43:00.005+02:00

Paul Hindemith - Quatuor op. 16

Même si les frappes de pieds et certaines approximations me gênent au démarrage de ce 3ème quatuor de Hindemith, les Prazak finissent par me convaincre du sérieux de cette oeuvre, un brin austère, et pas bien gaie. L'énergie du premier mouvement est comme corsetée de solennité, et malgré la sinuosité des lignes, quelque-chose de froid et de rigide persiste tout du long. Le deuxième mouvement, le plus long, offre des solos et des accompagnements souvent surprenants, mais l'atmosphère est à la tristesse quasi désespérée. En comparaison, le troisième mouvement semble une explosion de vitesse, mais qui ne dégage nulle chaleur.
Le tout me donne bien envie d'écouter de plus près les quatuors de ce compositeur que je connais assez peu, en fait.

Arnold Schoenberg - Pierrot lunaire

Les Prazak restent là, quoique dans une configuration originale (Pavel Hula en chef d'orchestre ; Josef Kluson et Vlastimil Holek alternant entre le poste de violon/alto et celui de tourneur de page pour le pianiste ; seul Michal Kanka reste à son violoncelle de façon habituelle), rejoints par quelques autres musiciens, et par la cantatrice Alda Caeillo. Sur elle repose une bonne partie de la réussite ou non du Pierot : et elle s'en tire fort bien, chantant mais sans projection, parlant mais en suivant les lignes mélodiques, forçant l'expressivité et la théâtralité jusqu'au point nécessaire de presque parodie.
Des trois cycles de sept poèmes chacuns, c'est le deuxième que je préfère, qui sombre dans une forme de folie impressionnante, depuis les "sinistres papillons noirs géants" de "Nacht" aux "poètes muets et exsangues" de "Die Kreuze", en passant par une eucharistie sanguinolente ou la lune vue comme un cimeterre décapitant. Et l'instrumentation trouve des configurations chaque fois originales, un moteur rythmique ici, une cantilène là, chaque fois deux ou trois instruments, jamais les mêmes et jamais comme on s'y attend, c'est vraiment très prenant.
Le troisième cycle, où plus de monde joue en même temps, me satisfait du coup moins. Mais il permet une sorte de retour à la normale, avec de l'humour, de l'ironie, de la tendresse même.

Ailleurs: Joël

Spotify: Quelques versions du Pierrot lunaire, Schönberg Ensemble + Barbara Sukowa, Ensemble Intercomtemporain + Christine Schäfer, Contemporary Chamber Ensemble + Jan De Gaetani ...

Stravinsky Widmann (Salle Pleyel - 14 Octobre 2011)

2011-10-18T22:51:00.005+02:00

Igor Stravinsky - Scènes de ballet

Cette pièce en 11 épisodes n'est pas très connue, et à l'écoute ça se comprend, c'est assez terne, et anecdotique. En plus, la mise en place de l'orchestre philharmonique de Radio-France, dirigé par John Storgards, n'est pas parfaite, avec des solos qui se perdent un peu dans la nature, et une impression de flottement pas très attachante. La fin, qui se veut apothéose, sonne plutôt lourde et tonitruante.

Jörg Widmann - Concerto pour violon et orchestre

Dans le lyrisme parfois exalté, parfois désespéré, du violon omniprésent, que l'orchestre parfois soutient et parfois contrarie par des zébrures de dissonances, j'entends du Schnittke, mais Stéphane Guy évoque le concerto à la mémoire d'un ange d'Alban Berg, et en effet, à la réécoute, cette influence sonne par moments évidente.
Christian Tetzlaff danse avec son violon, en grandes flexions des genoux. Le chef Storgards semble plus impliqué, les couleurs orchestrales sont mieux définies. Mais l'émotion reste fluctuante, sans doute à cause de la difficulté de saisir une ligne directrice qui permettrait d'être vraiment embarqué au long de cette demi-heure de musique.

Igor Stravinsky - Symphonie en Ut

Une toute jolie symphonie aux allures bien classiques, avec une forme sonate pour démarrer, de jolis moments solistes, d'autres plus sombres, le tout bien agréable mais qui s'oublie vite.

Ailleurs: ConcertoNet, Klariscope

Steve Reich - Pulsations 1 (Cité de la Musique - 11 Octobre 2011)

2011-10-16T20:58:00.002+02:00

Steve Reich - Drumming (part 1)

Après de longues et pénibles minutes d'accordage des bongos à coup de clef de 12 et de tapotages divers, les quatre musiciens, dont Steve Reich lui-même, se mettent en action l'un après l'autre. Mais je ne suis pas pris dans le flux mouvant des patterns rythmiques, ça n'agit pas. Du coup, je me rend compte que c'est assez gonflant, comme musique, quand elle n'hypnotise pas l'auditeur.

Steve Reich - Double Sextet

Quoi, trois ans d'écart entre la création mondiale et la création française de ce soir, je pensais Reich suffisamment célèbre pour que l'on se précipite sur toute nouvelle oeuvre. L'ensemble orchestral est fort intéressant : deux sextets, chacun composé d'une flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon, et violoncelle. Pour établir un équilibre sonore correct, certains instruments sont amplifiés. Mais cela donne du coup un son très dense, sec, où l'air ne circule pas. C'est surtout sensible dans les mouvements rapides (comme dans la quasi intégralité des oeuvres de Reich, il y a trois mouvements, rapide, lent, et rapide), où la pulsation piano/vibraphone, sur un rythme très ferroviaire, me sature. Du coup, je préfère et de loin la section centrale, où les cordes osent une mélodie pleine d'émotions, avec des couleurs d'accordéon surgies de je ne sais où, et une atmosphère nocturne superbe (comme une revisite en plus réussie du mouvement portuaire de "City Life"). Finalement, il y a encore quelques pépites de beauté dans la musique de Reich, c'est bien.

Steve Reich - Music for Eightteen Musicians

Steve Reich s'installe au piano dans un coin, les Synergy Vocals démontrent leur habituelle exceptionnelle compétence à utiliser des microphones, des musiciens de l'Ensemble Modern attendent assis que leur tour vienne de frapper sur tel clavier ou autre percussion, la musique commence à mettre en place ses vagues lentes et irrépressibles. Là, je suis pris dans le flux, dans le sac et le ressac des respirations. C'est agréable et reposant, doucement euphorisant, mais pas grandiose. Jusqu'à l'arrivée des maracas, en section 7 je crois, qui conclut une lente élévation vers une lumière plus vive entamée quelques sections préalablement, et c'est une sorte d'apothéose jubilatoire, un sentiment de libération, un moment de grand bonheur. La redescende est lente.

Je ne sais pas si Reich avait donné des consignes spéciales, mais c'est la première fois que je me fais gronder par le personnel de la Cité parce que je prends en photo le salut final. Tans pis, c'est fait.

Spotify: Drumming, Double Sextet, Music for 18 Musicians.

Ring Saga (Cité de la Musique - 7 au 9 Octobre 2011)

2011-10-12T21:01:00.004+02:00

En ces temps où accéder à l'Opéra Bastille devient de plus en plus difficile, assister à un cycle de l'Anneau des Nibelungen dans le confort et les prix de la Cité, en un week-end, voilà une excitante idée ! Pour se faire, il fallait quelque peu raboter les pièces, en réduire l'ampleur instrumentale et la durée, et opter pour une mise en scène moins encombrante qu'habituellement. Mais ces accommodements préservent-ils la magie et la puissance des opéras wagnériens ? En bonne partie, oui, même si tout n'est pas parfait. Disons que c'est un excellent "proof of concept" ...

La musique a donc été réduite à un orchestre de chambre de 19 musiciens (et non 18 comme écrit partout : le Remix Ensemble aurait-il ajouté un musicien spécialement pour la Cité ?), et il s'agit malheureusement bien d'une réduction et non d'une transcription : c'est la plupart du temps bien réalisé et efficace, on profite bien des thèmes, la réussite de certaines plages est même surprenante, comme l'introduction de l'Or du Rhin, mais c'est un travail scolaire, qui manque de génie et d'audace dans les alliages de timbres : Jonathan Dove n'est sans doute pas très féru de musique spectrale, et c'est dommage. De plus, la composition de cet orchestre n'est pas très équilibrée, qui privilégie très fortement les cuivres aux cordes, dont il ne reste qu'un quatuor et une contrebasse. C'est joli quand ils jouent effectivement en quatuor, ça l'est moins quand ils doivent lutter contre force cors et trombones ... Et un problème récurrent sera la harpe, qui quand on l'entend sonne la plupart du temps comme extérieure à la texture générale, avec des notes trop cinquantes ou trop sèches, je ne sais trop, mais qui réussissent à me gâcher le réveil de Brünnhilde.

Pour réduire la durée, il faut couper. Cela ne va pas sans heurts, on a tous quelques airs, quelques épisodes, ou même quelques personnages, qui ont disparu au montage. C'est dans le Crépuscule des Dieux que l'opération ressemble le plus à du charcutage : ayant décidé de se passer de choeur, ce qui se comprend dans l'optique mini-Ring, les scènes où il intervient sont soit brusquement coupées et du coup peu compréhensible, comme l'appel au peuple de Hagen, soit disparaissent totalement, comme Siegfried racontant sa vie après avoir bu la coupe lui redonnant la mémoire, enchanteur enchaînement de thèmes, ici cruellement absent.

Le décor est unique pour toute la Tétralogie : deux plans inclinés, séparés par un espace vide où on peut se glisser. Pour Siegfried, une cabane sera installée sous l'un des plans. L'espace autour sera parfois utilisé, par exemple en y installant des chaises hautes où se juchent Siegfried et Brünnhilde, qui échangent serments et anneau tout en étant séparés de quelques dizaines de mètres (c'est l'une des plus mauvaises idées de cette mise en scène).
Au-dessus, un écran permet d'afficher de la vidéo. C'est la plupart du temps moche, et souvent inutile. Parfois illustrative, comme les flammes au-dessus de la forge, parfois joliment évocatrice, comme ces gerbes scintillantes pour l'arrivée du printemps, ou symboliste, comme ces deux colonnes grises derrière les géants pour accentuer leur taille, ou parfois abstraite et peu claire, comme la figuration du Walhalla, cette vidéo est terne, pixellisée, elle fait vieillotte.

La mise en scène essaie avant tout de raconter l'histoire de façon bien compréhensible, sans chercher à y apporter un point de vue particulier. Si les moments qui emportent vraiment sont rares (j'y mettrais la mort du dragon Fafner, avec un drap gonflé, simple et beau, et le combat Hunding - Siegmund, violent et bien clair), les fautes le sont également (en plus des amants sur tabourets déjà indiqués, j'y mettrais la marche des Walkyries qui arpentent ridiculement les plans de bas en haut et de haut en bas).

La distribution vocale offre des niveaux et des types de voix très divers. Pour réduire là encore, certains prennent plusieurs "petits" rôles. Etrangement, ils ne font pas forcément la même impression d'un personnage à l'autre. J'apprécie par exemple Fabrice Dalis en Loge, très souple, mais beaucoup moins en Mime, pas assez fourbe. Ou Johannes Schmidt, un Fafner correct sans plus, sera un excellent Hagen.
Les plus grandes performances seront celles de Lionel Peintre en Alberich, au timbre comme rugueux, créature de souffrance ; Ivan Ludlow en Wotan (meilleur qu'en Wanderer), qui brille par une grande subtilité tant qu'il n'a pas à forcer le volume ; et puis surtout Cécile de Boever, une Brünnhilde impériale de puissance naturelle, quitte à écraser ses partenaires, de Jef Martin, Siegfried sans grand éclat, à Donatienne Michel-Dansac, Gudrune totalement falote.

Dans ce cycle, ce sera la Walkyrie qui sera le plus intense en émotions, depuis Wotan terrassé par les arguties de sa femme (Nora Petrocenko), à la punition de Brünnhilde, qui chante et pleure en même temps, en passant par la passion de Sieglinde (Jihye Son). Dans Siegfried, les voix peu satisfaisantes de Siegfried et de Mime plombent la représentation, et Le Crépuscule des Dieux souffre de coupes trop brutales.
Mais l'immersion en un week-end dans cette musique reste une grande joie, j'en ressors avec plein de thèmes qui ne veulent plus quitter ma tête, et me poussent vers la réécoute des disques.

ArteLiveWeb a enregistré le cycle au Festival de Strasbourg.

Ailleurs: Joël, MusicaSola, Paris-Broadway, Palpatine ...

Spotify: Version Böhm Bayreuth 1967, Boulez Bayreuth 1976, ou Karajan Berliner 1967-70 ?

DV8 - Can We Talk About This ? (Théâtre de la Ville - 3 Octobre 2011)

2011-10-09T21:17:00.004+02:00

C'est la première fois que je vois un spectacle de DV8, et je comprends maintenant qu'ils se présentent sous la dénomination "physical theater". A la base, c'est bien du théâtre, et dans ce spectacle, le plus important, ce sont les mots.

Dans une salle de classe à l'ancienne, divers personnages se succèdent, qui restituent les discours de personnes réelles, et nous parlent d'intolérance religieuse, essentiellement islamiste. Si certains épisodes nous sont bien connus (fatwa contre Salman Rushdie, assassinat de Theo Van Gogh, caricatures danoises ...), d'autres sont plus liés à l'histoire du multiculturalisme à l'anglaise, comme des heurts raciaux dans une école de Bradford en 1985, ou la lutte difficile d'une élue contre les mariages forcés. Mais le discours ne reste pas focalisée sur l'Angleterre, terre d'accueil de l'australien Lloyd Newson. Une liste des meurtres de personnalités arabo-musulmanes tentant de modérer les islamistes (poètes, cinéastes, mais aussi des hommes politiques au Pakistan), des témoignages de femmes ayant fui un mariage forcé et devant se cacher de leur famille à cause des crimes d'honneur, ou une sorte de reportage sur l'ONU, l'UNESCO et la Charia, donnent une vue globale d'un phénomène contre lequel, dit Lloyd Newson, l'occident refuse de lutter par peur, peur de se faire attaquer ou tuer suite à une quelconque fatwa, et peur de passer pour islamophobe. Du coup, on n'en parle pas. Et il faut en parler.

C'est un spectacle qui avance en terrain miné. Parler de l'Islam et de la violence que certains exercent en son nom, c'est le plus souvent matière à simplisme et à généralisations abusives. Mais pas ici. Le discours tient. Et ils remettent certaines choses bien en place. Par exemple sur l'histoire du Coran brulé dans une paroisse américaine, qui a provoqué des dizaines de morts dans le monde, alors que des Bibles sont très régulièrement détruites en Arabie Saoudite, puisque interdites, sans qu'il y ait pour autant appel au meurtre ou même à une quelconque violence.

Pour faire passer ce message de lutte contre l'intolérance, la troupe réunie dans ce DV8 est multi-raciale, et multi-âge. Mais tous sont au diapason de l'aspect physique de ce théâtre. Parfois le rapport entre le discours prononcé et les gestes qui l'accompagnent est évident, parfois cela reste obscur. Par exemple les politiciens qui passent à Bradford délivrer leur message habituel et inutile s'agitent tous comme des marionnettes un peu folles. Certaines femmes sont entourées d'hommes qui, sans être explicitement menaçants, les cernent suffisamment pour créer une tension sur scène. Le directeur du Jyllands-Posten fait les pieds au mur et tente d'enfiler un pantalon. La réprésentante anglaise, vieille dame fort charmante, boit du thé assise sur un bonhomme en constant mouvement. Ce sont des numéros de danse d'une extrême précision, dans les tempi, et dans les mouvements, particulièrement des mains. Danser ainsi, tout en continuant à parler, et ce dans un tel tempo, est une remarquable et parfois stupéfiante performance.

C'est un spectacle qui frappe fort, et dont on ressort plein de questions. La manière de traiter du multiculturalisme, de la laïcité et de la tolérance religieuse, est très différente entre la France et l'Angleterre. Mais la difficulté de discuter de ces sujets sans polémique xénophobe et sans bisounoursisme, est sans doute la même. Bien sur, aucune réponse n'est donnée. Mais si quelques questions restent, c'est déjà bien.

Ailleurs: TouteLaCulture, Tadorne

Pierre Boulez - Pli selon pli (Salle Pleyel - 27 Septembre 2011)

2011-09-30T21:32:00.004+02:00

Cette fois, ce ne sont pas seulement les 3 improvisations centrales, mais bien les 5 mouvements qui nous sont offerts.
Après le grand poum initial et la phrase chantée, la matière devient aussitôt rare, éparpillée dans un grand orchestre où pullulent les percussions et se distinguent cinq harpes, une guitare, une mandoline, ce qui donne une de ces couleurs orchestrales qu'on appellera ... boulézienne ! Mais ce qui me frappe ce soir particulièrement, c'est la sensation d'un temps suspendu, presque immobile, un midi éternel sous le soleil écrasant des crotales.
Après ce "Don" dirigé sans lunettes, Pierre Boulez part en coulisses pour en récupérer une paire correcte, les Improvisations nécessitant apparemment une meilleure vision de la partition. Par sa grâce et son talent, Barbara Hannigan transforme la ligne de chant acrobatique en poésie vocale, de plus en plus distendue et envoutante. L'orchestre réduit dans cette partie centrale continue de scintiller comme une poudre de neige ou de sable, où on s'enfonce dans un inconnu qui creuse (comme dirait l'autre poète), guidé par la voix d'Hannigan. Les petites cymbales qui tintent comme autant de "i" sur "le vierge le vivace et le bel aujourd'hui", les crotales qui s'offrent presque un solo sur "une dentelle s'abolit", me fascinent particulièrement. Sur "a la nue accablante tu", retour des instruments. Tandis que le chant devient encore plus dérangé, parcellaire et particulièrement inintelligible, les flûtes, les vibraphones, la paire guitare-mandoline, ou plus tard les violoncelles, viennent remplacer la ligne lyrique défaillante. Mais dans la fin de cette dernière Improvisation, qui frôle le silence, il y a comme un relâchement de la tension qui m'étreignait jusqu'ici, et on côtoie l'ennui.
Enfin, "Tombeau" renoue avec la formation grand orchestre, Ensemble Inter Contemporain mélangé aux jeunes musiciens du Lucerne Festival Academy Ensemble. La matière y est plus dense, le rythme plus soutenu. Devant les percussions se font soudain entendre les violons ou les clarinettes. Des séquences répétées d'accords me font penser à Messiaen. Puis le chant surgit soudain, impérieux, comme irrépressible. Poum again, et c'est fini. Quoi, déjà ?

Le concert est disponible pendant quelques semaines sur ArteLiveWeb.

Ailleurs: Klariscope, Joël, Paris-Broadway ...
Spotify: Deux versions existent sur Spotify, toutes deux dirigées par Pierre Boulez, l'une avec Halina Lukomska, l'autre avec Christine Schäfer.

Anne Paceo Quintet (Studio de l'Ermitage - 21 Septembre 2011)

2011-09-25T17:14:00.006+02:00

Ce Quintet n'est pas exactement celui que j'ai vu il y a quelques mois à la péniche Anako. Mais comme le site d'Anne Paceo indique toujours les musiciens vus alors, peut-être les changements de ce soir ne sont-ils que circonstanciels : à la contrebasse, Joan Eche-Puig remplace Stéphane Kerecki, et à la guitare Federico Casagrande remplace Pierre Perchaud. De plus, la scène de l'Ermitage permet l'installation d'un piano.
Du coup, on retrouve le trio Triphase (Anne Paceo - Leonardo Montana - Joan Eche-Puig) dans son intégralité. L'entente entre ces trois musiciens fait basculer la physionomie du quintet, qui au lieu de se présenter comme un assemblage de paires en subtils équilibres, devient plus un trio augmenté d'un guitariste et d'un saxophoniste. On y perd un peu, surtout pour le guitariste, qui ne noue pas avec les autres musiciens d'aussi riches échanges que Perchaud (mais il n'a débarqué dans le groupe que depuis une semaine, difficile de lui en demander plus !).
Au fil des concerts, Anne Paceo devient de plus en plus à l'aise dans le dialogue avec le public, présentant les morceaux qu'elle a tous composés, de l'emblématique "Schwedagon" joué en premier morceau et repris en fin, à l'hommage à la peinture de sa mère "Toutes les fées étaient là", de morceaux vifs et bondissants à des ballades toutes douces. Les morceaux voisinent souvent les 15 minutes. Elle ne prendra pas un seul solo, mais irradie toujours d'une sereine exubérance pleine d'allant et de souplesse.
Antonin Tri Hoang passe fréquemment du saxophone alto à la clarinette basse, et beaucoup de ses solos se construisent sur des boucles qui se déforment à chaque tour. En ce qui concerne Leonardo Montana, j'avais je pense préféré le son du Fender Rhodes, pour les fusions possibles avec les autres musiciens. Le mieux serait qu'il utilise l'un ou l'autre en fonction des morceaux, comme Bojan Z par exemple.
En somme, le groupe est encore en rodage, et si les membres continuent de changer, ça peut durer longtemps. Mais les compositions murissent, et le groupe a un plus grand potentiel que Triphase. Affaire à suivre attentivement, donc.

Spotify: Federico Casagrande – Spirit Of The Mountains

Simon Tanguy - Noé Soulier (Théâtre des Abbesses - 17 Septembre 2011)

2011-09-20T23:18:00.006+02:00

Le Théâtre de la Ville et le Musée de la Danse à Rennes ont organisé en Juin 2010 la première édition d'un concours intitulé "Danse élargie". Le programme de ce soir permet d'en découvrir les respectivement 2ème et 1er prix.

Simon Tanguy - Japan

C'est un solo, sur le thème de la mort et de l'agonie. On a droit du coup à des chutes, comme un homme frappé d'un arrêt cardiaque, ou comme une marionnette dont les fils sont coupés, des crises d'épilepsie, des cris, etc., et pourtant un enfant dans les gradins n'arrête pas de pouffer de rire. C'est qu'il perçoit dans la gestuelle élastique du danseur-chorégraphe son passé de clown, qui allège considérablement le propos, et rend la pièce ma foi fort sympathique. Vers la fin, allongé au sol, il débite à toute vitesse un texte dont je ne me souviens plus du tout.

Noé Soulier - Le Royaume des Ombres

C'est aussi un solo, en 5 parties, dont le danseur-chorégraphe nous expose préalablement le contenu, habillé en t-shirt, short et chaussettes particulièrement triviales.
1/ Un abécédaire des mouvements de danse classique (arabesques, sauts, etc.). C'est surement plus drôle pour les personnes capables de reconnaitre les figures et tentant de deviner où on en est dans la progression alphabétique.
2/ Une séquence uniquement composée de "pas de préparations", ces mouvements intermédiaires permettant de passer d'une figure à une autre. Ca joue sur la frustration et l'ironie.
3/ Une séquence de "La Bayadère", mais où ne sont conservés que les pas de préparation. Cette fois, le corps se fige quand aurait du avoir lieu un vrai saut, une vraie pirouette, etc. Le décalage joue excellemment entre le ridicule de l'exercice, la banalité de la tenue vestimentaire, et la pureté classique du langage chorégraphique utilisé en détournement.
4/ La même séquence de "La Bayadère", mais cette fois avec tous les pas, mais mis dans le désordre. Cela permet d'admirer la technique du danseur.
5/ Pour la dernière séquence, il nous avait expliqué vouloir citer tous les ballets écrits au XIXème siècle. De fait, il enchaîne de courtes citations d'une vingtaine de pièces plus ou moins connues. Il les énonce d'abord, en esquissant les gestes, puis le danse. C'est virtuose, mais toujours d'une façon détachée.
Le tout donne un exercice de style, drôle, intellectuellement simulant, certainement plus riche pour les personnes qui connaissent bien le langage de la danse classique, qui donne à la fois l'impression d'un hommage et d'un atelier de réflexion autour de ce langage, et l'impression d'une presque parodie, d'un décalage ironique qui revivifie ce langage classique, et le fait passer d'une langue morte en un matériau fructueux.

Noé Soulier - D'un Pays Lointain

Une danseuse seule enchaîne des positions simples, qu'une voix off bientôt explicite comme des illustrations de mots : "effrayé", "embrasser", "lac", "tirer à l'arc", etc. Un danseur vient la rejoindre, la voix se dédouble. A la fin, ils sont 4, à rester sur place à coté les une des autres, en enchaînant les positions au rythme immuable des voix off décalées et superposées. C'est malheureusement un peu vide et répétitif. L'aspect pantomime de la danse, tout amateur de danse indienne le connait parfaitement. Et ici, l'idée n'est pas assez variée : le passage du solo au quatuor ,'apporte quasiment rien, si ce n'est des sortes de points d'orgue où des gestes très semblables sont effectués par tous au même moment. Des passages où mots et gestes ne correspondent plus, se décalent ou se répondent, sentent vite le procédé facile. Seul éveille mon attention une sorte de résumé de "La Belle au bois dormant". C'est trop long pour trop peu de matière.

Noé Soulier - Petites Perceptions

C'est dommage de présenter trois pièces de moins en moins intéressantes. Celle-ci se base sur une théorie développée par Leibnitz sur la perception globale d'un mouvement sans en percevoir les éléments séparés. En pratique, on a un trio, qui se lancent dans de courtes séquences explosives où bras et jambes s'agitent et se lancent dans tous les sens, séparées par des immobilités pleines du bruit des respirations; C'est pas vraiment esthétique à regarder, ni passionnant en tant qu'objet théorique, je ne comprends rien à ce qu'il veut démontrer, bref, je m'ennuie pas mal.

Ailleurs: Toutelaculture

Hell's Kitchen / Rodolphe Burger & James Blood Ulmer (Cabaret Sauvage - 7 Septembre 2011)

2011-09-10T22:07:00.003+02:00

C'est déjà mon dernier concert dans le cadre de "Jazz à la Villette 2011". Et ce n'est même pas vraiment du Jazz !

Hell's Kitchen

C'est bel et bien de Blues qu'il s'agit, mais joliment décalé. Dans ce trio suisse, nous avons un chanteur guitariste, Bernard Monney, à la voix éraillée et perçante, un contrebassiste Christophe Ryser, plutôt minimal, et un percussionniste, Cédric Taillefer, qui a agrémenté sa batterie d'éléments disparates, tambour de machine à laver ou diverses barres de métal. La couleur que prend la couche rythmique en devient assez urbaine, avec des accents industriels, et une belle complexité. Le guitariste joue assis, mais se lève de temps en temps pour danser et faire un peu de spectacle. Les chansons s'enchaînent dans des tempi assez variées, et ont souvent un aspect comme déglingué, dévié du modèle originel. Un show fort sympathique.

Rodolphe Burger & James Blood Ulmer

Et là, il n'y a plus rien de déglingué, au contraire. Batteur, bassiste, et orgue, créent un arrière-plan particulièrement solide, carré, et manquant quelque peu de fantaisie. Mais ils ne sont là que pour fournir le décor qu'investissent les deux héros guitaristes et chanteurs. Le premier morceau sera le plus déchainé, avec des guitares mugissantes ou vrombissantes, dans la rage ou dans la plainte. On a ensuite un partage : à James Blood Ulmer les morceaux les plus rapides, à Rodolphe Burger les plus planants. De légers problèmes techniques émaillent la soirée (la voix si grave de Burger qui sature, la guitare de Blood Ulmer qui tombe en panne ...), mais l'ambiance demeure, une belle union entre ces deux-là et le public, qui se laisse emporter avec plaisir.

Ailleurs: Le Hamster et la Frite, Toute la Culture
Spotify: Hell's Kitchen – Doctor's Oven, James Blood Ulmer & Rodolphe Burger – Guitar Music, Rodolphe Burger – Valley Session

Yaron Herman / Abdullah Ibrahim Trio (Cité de la Musique - 2 Septembre 2011)

2011-09-06T21:35:00.004+02:00

Je retrouve avec plaisir le confort de la salle de concert de la Cité. Nouveauté de cette année : ils ont refait le bar !

Yaron Herman - solo

Cela commence par une mélodie, qui prend rapidement un bel essor, avant de se métamorphoser encore et encore, au gré des idées fort nombreuses qu'il applique avec virtuosité. Différents climats s'enchaînent avec un grand naturel, le cerveau ayant comme de l'avance sur les mains, ce qui lui permet de fignoler les transitions. Il est surtout question de vélocité, d'énergie, de course parfois effrénée, mais toujours soutenue par des arches mélodiques ou des systèmes modaux (ce n'est pas du Free Jazz). Après ce long premier morceau en forme de patchwork, les suivants sont plus classiquement brodés autour d'un thème dérivé d'un standard ou d'une composition personnelle, mais dont seules des bribes restent, au milieu d'envolées furieuses ou de dérivations songeuses. Il profite aussi du beau piano pour l'utiliser en percussion, et pour jouer un peu dans les cordes. La beauté semble souvent un peu masquée par la technique assez ébouriffante, mais elle est là, affleurante, à nous de la capter. Au final, sur "Hallelujah", l'émotion est plus facile, peut-être un peu trop, je préfère un morceau précédent, inspiré par Radiohead.

Abdullah Ibrahim Trio

Changement radical d'atmosphère. Abdullah Ibrahim n'a plus rien à prouver, ni au public, ni à lui-même. Il joue, avec cette simplicité qu'il faut des décennies pour acquérir. Ces compagnons, Belden Bullock à la contrebasse et George Gray à la batterie, sont sur la même longeur d'onde. Le temps en est suspendu, une bulle onirique où chaque note brille avec une sereine évidence. Les morceaux sont enchainés en de longues suites. A force, la couleur devient un peu trop monolithique, et au lieu d'avoir l'impression de partager une musique intime, j'ai vers la fin plus celle d'assister à une leçon, magistrale soit, mais un peu trop distanciée.

Ce concert était diffusé en direct par France Musique, et peut être réécouté pendant un mois.

Ailleurs: Dernières Nouvelles du Jazz
Spotify: Yaron Herman – Variations, Abdullah Ibrahim – African Magic

Mulatu Astatke / Cinematic Orchestra (Grande Halle de la Villette - 1 Septembre 2011)

2011-09-05T22:01:00.007+02:00

Pour commencer cette année en douceur, voici un concert plutôt tranquille donné à la Grande Halle, dont les bancs ont été remplacés par des sièges du genre stade de foot, relativement confortable quoique un peu serrés.

Mulatu Astatke

De "Broken Flowers" je me rappelle plus les mines de Bill Murray que de la BO. C'est pourtant ce film qui a fait connaître à un certain public ce vétéran fondateur du Jazz éthiopien. Les rythmes sont plutôt mid-tempo et langoureusement élastiques, maintenus avec maestria par le contrebassiste Neil Charles, que viennent soutenir le batteur David De Rosen et le percussionniste Richard Olatunde Baker, sans oublier Mulatu Astatke lui-même, parfois aux congas mais essentiellement au vibraphone, où il essaime des ponctuations de couleurs flottantes, ou se promène armé de trois marteaux, le long de solos nonchalants et chantants. Aux cotés du trompettiste Byron Wallen, du saxophoniste James Arben et du pianiste Alexander Hawkins, on remarque la présence plus étonnante d'un violoncelliste, Danny Keane. Tout cela permet des étalages et des mixages de matières et de couleurs fort agréables. Que plus de la moitié des musiciens soient blancs montre aussi que l'authenticité musicale n'a rien à voir avec la couleur de la peau. Je me surprends finalement à reconnaître certains airs, sans doute passés sur Nova. Vers la fin du concert, les tempi accélèrent, les solos se font plus enflammés. L'heure tourne, ils ne respectent guère l'horaire de "première partie", mais c'est qu'ils étaient initialement prévus en "deuxième partie", et personne ne se plaint qu'ils fassent du rab.

Cette partie a été enregistrée par Arte et est donc disponible sur ArteLiveWeb.

Cinematic Orchestra

Alors, comment passe sur scène ce groupe aux disques si finement travaillés en studio ? Comme ci comme ça. Dans les déceptions, il y a des tentatives d'allonger les morceaux, mais au prix d'articulations qui sonnent artificielles, des relances comme forcées pour placer des solos. On "voit" bien sur beaucoup mieux comment Jason Swinscoe contrôle ses musiciens depuis ses machines électroniques et claviers d'ordinateur, lançant des boucles, indiquant les départs et parfois les arrêts des interventions. Mais cela reste un peu froid. Ca s'améliore quand la chanteuse Heidi Vogel peut profiter de vrais textes, qu'elle balance avec une conviction suffisante pour faire oublier Fontella Bass. Par contre, dans les parties uniquement vocalisantes, elle en fait un peu des tonnes, catégorie chanteuse exotique à voix. Dernière petite déception : Richard Spaven, par ailleurs brillant, n'est pas, dans "Flite", à la hauteur de l'album. Mais il y a quand même de grands moments : quelques minutes où ils s'adonnent à du Free Jazz bien pêchu, un passage presque trance techno, et une version impeccable de "Man with a Movie Camera".

Ailleurs: bazarmusikal
Spotify : Mulatu Astatke – Mulatu Steps Ahead, The Cinematic Orchestra – Every Day, The Cinematic Orchestra – LIVE at The Royal Albert Hall

Planning Septembre - Octobre 2011

2011-08-25T17:07:00.005+02:00

Cette année, je vais écrire ce billet de planning avant le commencement des réjouissances !

Date - Lieu - Intitulé
01/09/2011 - Halles Villette - Cinematic Orchestra
02/09/2011 - CdM - Yaron Herman
07/09/2011 - Cabaret Sauvage - Burger Blood Ulmer
17/09/2011 - Abbesses - Tanguy Soulier
27/09/2011 - Pleyel - Pli selon Pli
03/10/2011 - TdV - DV8
07/10/2011-09/10/2011 - CdM - Ring Saga
11/10/2011 - CdM - Reich "Pulsations"
14/10/2011 - Pleyel - Stravinski Widmann
19/10/2011 - Montfort - Quartier Lointain
25/10/2011 - CdM - Pierrot Lunaire
27/10/2011 - Pleyel - Krakauer joue Zorn

Pina Bausch - Como el musguito en la piedra, ay si, si, si (Théâtre de la Ville - 3 Juillet 2011)

2011-07-10T09:03:00.003+02:00

Voici donc la dernière création de Pina Bausch, décédée quelques semaines après. Mais ni cette triste circonstance particulière, ni le film de Wenders qui a initié un nouveau public à son art, ne modifient le fait que ce spectacle est dans le droit-fil de ceux créés par le Tanztheater Wuppertal depuis une bonne dizaine d'années, au point que relisant mes chroniques précédentes, il me semble que je pourrais presque intégralement rédiger celle-ci par des copiés/collés.

Ainsi, la troupe continue de rajeunir, par départ des plus anciens (ces absences se remarquent plus facilement que l'arrivée de petits nouveaux - les "diseuses de nom" Regina Advento ou Nazareth Panadero ne sont pas là par exemple). Et cela continue d'engendrer une énergie plus positive (Fernando Suels Mendoza s'imposant cette fois brillamment dans ce rôle, charisme, humour, générateur de confraternité et d'enthousiasme), et de diminuer les prises de tête sur les rapports de couple (une danseuse nous explique qu'en ce moment, elle apprend simplement à profiter du temps présent, ni passé, ni futur, et qu'elle aime beaucoup ça). L'exception la plus notable reste Dominique Mercy, qui peut simplement traverser la scène gravement chargé de l'historique de la troupe, puis s'élancer dans une danse de fantôme lunaire fragile comme une plume.
Le décor est de plus en plus minimal. Cette fois, on peut croire à son absence même, puisqu'il se présente comme un simple plateau nu et blanc. Mais ce sol est en fait constitué de plaques qui peuvent légèrement s'écarter, créant par moments un réseau de failles que les pieds doivent alors franchir. Souvenir de paysage desséché. Moins d'objets, aussi, un seul oreiller pour une nuit agitée de cauchemars d'une danseuse, quelques branchages pour s'embrasser à travers, pour soulever les cheveux en nettoyant le sol, ou à transporter dans un sac à dos. Et peu d'eau. Quelques bouteilles, renversées sur un visage qui se maquille sous l'inondation, quelques verres offerts et bus dans des positions extravagantes.
Le pays visité inspire quelques scènes. Cette année, c'est le Chili. Le livret explique que la première scène évoque les tortures (une femme à quatre pattes crie quand deux hommes la soulèvent pour la transporter d'un point à un autre - mais ces deux bourreaux sont trop déférents et comme attentionnés pour que je saisisse l'allusion tout seul), une nuit à regarder la constellation du poisson illustre les sites d'observation astronomiques. D'autres scènes peuvent faire échos à la vie observée, au Chili ou ailleurs, dont quelques flashs remarquablement montés, tranches de vie résumées en 30 secondes comme des sketches de films muets, enchainés à toute vitesse. D'autres conservent leur mystère, comme cette femme attachée à une corde qui tente de s'échapper tandis qu'un homme passe en s'accrochant à une autre corde ; on est parfois proche du surréalisme. Une femme veut aussi apprendre à marcher à son poisson rouge, mais c'est pas nouveau.

La plus grande nouveauté, c'est le retour des chorégraphies de groupe. On a bien moins l'impression d'une suite de solos. Duos, trios, et même donc des moments où tous dansent ensemble, corps alignés se caressant la tête les uns des autres et s'inclinant tel un seul long corps selon les impulsions donnés par Mercy, ou tous tournoyant, elles dans leurs habituelles splendides robes et balançant leurs amples chevelures (même si ce n'est pas de la hairography), eux dans leurs habituels tristes costumes. Il y a aussi beaucoup d'objets lancés par les hommes que les femmes essaient de rattraper (dont des bouchons, le Chili est aussi un pays viticole).
Avec une bande son aussi contrastée que d'habitude, et un rythme mieux maitrisé que parfois (la fin reprend en sens inverse les scènes initiales, mais d'une façon résumée qui fonctionne bien : certaines années précédentes, c'est toute la deuxième partie qui semblait une redite quelque peu assommante des idées de la première partie), ce spectacle passe bien dans sa durée. Il en reste une jolie moisson d'images et d'émotions.

Ailleurs: Palpatine, Amélie, Main tenant.
Spotify: Bande son très diverse, donc. Genre mélange de Amon Tobin – Supermodified, The Balanescu Quartet – Angels & Insects, Violeta Parra – Canciones reencontradas en París

Arnold Schönberg - Gurre-Lieder (Salle Pleyel - 25 Juin 2011)

2011-07-01T21:23:00.004+02:00

Dernier concert programmé de l'année - et pas des moindres ! L'effectif orchestral démesuré impressionne (11 contrebasses d'un coté, 4 harpes de l'autre, 25 cuivres et 25 bois, etc.). Mais Marc Albrecht garde bien le contrôle sur la puissance de son orchestre philarmonique de Strasbourg, qui jamais ne saturera la salle Pleyel. La partition de Schoenberg y est aussi pour beaucoup, qui utilise cette profusion d'instrumentistes pour varier les effets et les textures, dans une extension du grand style wagnérien. Cette influence est particulièrement manifeste dans la première partie, grand duo d'amour entre le roi Waldemar et sa jeune maitresse Tove. Les deuxièmes et troisièmes parties accélèrent les ruptures de ton, accentuent le tragique, le lugubre, ajoutent du grotesque, des choeurs, et du parlé-chanté.
Il est difficile d'apprécier la prestation de l'orchestre, en absence de comparaison, pour une pièce qui n'est donnée que tous les 10 ans à Paris, et qui ne rend sur disque qu'une faible part de la splendeur largement déployée ici.
Coté voix, il y a du bon, et du moins bon. Le pire, c'est le parlé-chanté, avec voix très mal amplifiée, qui démarre métallique et irréelle, et qui va trop vite, Barbara Sukowa me donne l'impression d'un mauvais exercice de rap, qui me repousse très loin de toute émotion. Les deux voix principales, Ricarda Merbeth en Tove, remplaçante, et Lance Ryan, en Waldemar, sont passables, sans plus, souvent couverts par l'orchestre, et je n'aime pas le timbre de Ryan. Les seconds rôles sont bien meilleurs, Albert Dohmen en paysan effrayé, et Arnold Bezuyen en bouffon sardonique, des rôles à effets, où ils plongent avec gourmandise. Et enfin, le sublime est atteint par Anna Larsson, en colombe des bois, somptueuse, se jouant de la puissance orchestrale, une évidence et une émotion exceptionnelles.
Une longue ovation salue l'ensemble des protagonistes, Anna Larsson et Marc Albrecht en particulier, qui le méritent bien, pour cette pièce énorme, rare, et un peu orpheline, tant Schoenberg partira, pendant même son écriture, sur d'autres pistes, qui elles nourriront si profondément le siècle naissant (ça fait longtemps que je n'ai pas entendu le Pierrot Lunaire, tiens ...).

Dommage que le spectacle n'ait pas été enregistré, quand même (ni par Arte Live Web, ni par France Musiques !).

Ailleurs: Palpatine, Corley, Musica Sola (en attendant d'autres encore plus en retard que moi ...)
Spotify: Gurre-Lieder, en version B.B.C. Symphony Orchestra - Pierre Boulez, Wiener Philharmoniker - Claudio Abbado, ou historique 1953 Paris New Symphony Society - René Leibowitz.

Fête de la musique "Bee Jazz" (Théâtre du Châtelet - 21 Juin 2011)

2011-06-25T18:17:00.003+02:00

Le label Bee Jazz organise au Châtelet cette soirée où se succèdent trois formations, piano solo, duo piano saxophone, trio piano basse batterie. C'est bien sur l'occasion de faire un peu de promotion pour leurs albums récents, surtout pour "Aéroplanes" de Hoang et Delbecq, que Bee Jazz pousse en avant assez agressivement. Pas mal d'invités dans le foyer du théâtre ne semblent venus que pour eux ...

Guillaume de Chassy

Pour lutter contre la morosité, explique-t-il, le pianiste décide de nous offrir un bouquet de chansons. Les sources sont très diverses : folklore hongrois, Charles Trenet, Neil Young, du Prokofiev ... Les thèmes sont développés avec une grande assurance, et l'exploration mélodique des thèmes bénéficie de son sens de la construction, très solidement charpentée (les surprises rythmiques sont du coup rares). J'ai particulièrement aimé le traitement de "Like a Hurricane", avec une tension grandissante, par une saturation harmonique puissante, pédale de droite enfoncée, jusqu'à créer une chambre d'échos impressionnante, au milieu de laquelle il reprend la mélodie à nue, très bel effet de contraste. Jolie idée aussi pour le Charles Trenet, de ne donner la mélodie qu'à la fin, après avoir longuement cheminé loin du thème.

Antoni-Tri Hoang / Benoît Delbecq

On change de registre avec ce duo, à la musique plus aventureuse, plus fragile, qui me convainc plus sur leur disque que lors du concert. Delbecq prépare un peu le piano, puis reste toujours comme en arrière-plan (mais c'est je crois son style, il accole son univers original à celui de ses camarades de jeu, comme pour ne pas s'imposer). Hoang joue doucement, se lance dans ses compositions aux équilibres subtils, alterne entre saxophone alto et clarinette basse. Improviser avec un matériel si délicat et peu conventionnel, demandera peut-être un peu plus de temps à ces deux musiciens pour que ça fonctionne vraiment (ou à moi de me familiariser plus avec leur musique, le CD est là pour ça). Mais ce soir, moi, ça ne m'a pas emporté comme je l'aurais espéré.

Edwin Berg / Eric Surmenian / Fred Jeanne

Et pour finir, un trio à l'esthétique très inspirée des premiers trios de Bill Evans, que ce soit chez le batteur Fred Jeanne, finement coloriste, chez le pianiste Edwin Berg, sensible et frissonnant, jusqu'à son attitude corporelle de romantique torturé par les affres de la création, ou le contrebassiste Eric Surmenian, qui m'a fortement impressionné, touche délicate, solos poétiques, émotion à fleur de cordes, non pas en simple héritage plaqué de Scott LaFaro mais intégré dans son son personnel, superbe découverte.

EIC + Neue Vocalsolisten Stuttgart (Cité de la Musique - 17 Juin 2011)

2011-06-19T16:01:00.004+02:00

Troisième concert de suite à la Cité, mais celui-ci était prévu au programme ! Inscrit dans la Biennale d'Art Vocal, il comportera une pièce purement vocale, puis une pièce purement instrumentale, puis une pièce mixte.

Ivan Fedele - Animus Anima II

Les 7 chanteurs et chanteuses commencent par des bruits vocaux puis lancent des mots en italien, difficile de ne pas penser à Berio. Mais il y a quelque-chose de plus structuré dans cette pièce de Fedele, qui coupe ses 20 minutes en 4 parties, et sans vraiment ennuyer, ne passionne pas non plus.

Johannes Maria Staud - Par ici !

Deuxième pièce que j'entends de ce jeune compositeur autrichien, et j'aime beaucoup. Si elle ne dure que 8 minutes, elle me semble particulièrement dense en événements, et réussit à caser dans cette période beaucoup d'excellente musique, avec une bonne dramaturgie, un début en aplat ("la mer des Ténèbres" des vers du "Voyage" de Baudelaire qui sert de thème ?), une fin en appel vif ("Par ici ! Vous qui voulez manger le Lotus parfumé !" ?). Le livret insiste sur le rôle du piano où un dispositif Ircam ajoute des quarts de tons mouvants. Comme d'habitude, j'absorbe cette micro-tonalité sans même m'en rendre compte !
Cette pièce est un travail préparatoire à une mise en musique de tout le poème "Le Voyage" de Baudelaire, que j'attends maintenant avec gourmandise !

Bruno Mantovani - Cantate n°1

C'est le gros morceau du concert, plus de 40 minutes de musique pour 6 musiciens et 7 chanteurs et chanteuses, autour d'une dizaine de poèmes de Rilke. Les variations dans le traitement vocal (plus prononcées que pour son dernier opéra !), les fins arrangements instrumentaux, qui renouent avec les alliages étranges qui sont l'une des forces de Mantovani (même avec si peu d'instruments, il crée des mixtures genre alto / clarinette, comme si chacun s'approchait du son de l'autre par la technique de jeu, le résultat est plusieurs fois très troublant et beau), les interludes entre les poèmes souvent très sobres, donnent à cette cantate une force maintenue sur la longueur.
Dans le livret, Mantovani s'inquiétait de donner un "n°1" en titre si jamais ne venait un "n°2", mais en fait, il y a déjà désormais une "cantate n°2".

Spotify: Johannes Maria Staud – Tempo rubato, Bruno Mantovani: Concerto pour deux altos, Time Stretch & Finale, Ivan Fedele: Mixtim

Matteo Cesari - Autour de Ferneyhough et des mythes grecs (Cité de la Musique - 16 Juin 2011)

2011-06-19T11:13:00.006+02:00

Dans l'amphithéâtre est donnée une série de concerts gratuits présentant de jeunes solistes du conservatoire voisin, qui aurait mérité un peu plus de publicité ! Je tombe sur ce concert totalement par hasard, en découvrant un dépliant de présentation lors du concert de la veille, où j'étais déjà par le hasard d'une invitation de dernière minute.
Bref, c'est devant une salle bien trop peu pleine que se produit le flûtiste Matteo Cesari, accompagné par le pianiste Fuminori Tanada.

Brian Ferneyhough - Cassandra's dream Song

Cette pièce, réputée injouable encore dans les années 70', est maintenant au programme des élèves de conservatoire qui veulent interpréter du contemporain ... Ce pourrait être un simple étalage de techniques hallucinantes, genre jouer plusieurs notes à la fois tout en utilisant les clés comme éléments de percussion, mais c'est aussi une atmosphère légèrement cauchemardesque, une nuit fiévreuse traversée de visions inquiétantes. Cesari accentue il me semble cet aspect onirique, qui sera présent sur plusieurs pièces. La mise en scène y contribue, qui plonge la salle et la scène dans presque l'obscurité, lui éclairé par l'écran d'une tablette informatique où défile la partition.

Giacinto Scelsi - Krishna et Rada

Je ne sais pas très bien pourquoi la soirée est intitulée "autour des mythes grecs", on en est ici assez loin quand même ... Cette pièce est assez différente du Scelsi que je connais, c'est en fait du Scelsi tardif (écrite en 1986). Le piano y est très classique, déroulant lentement une mélodie à la limite du post-romantisme. La flûte s'inscrit par incises, en-dessous ou au-dessus de cette mélodie. Le livret n'indique rien sur les oeuvres, j'apprends en fouillant un peu qu'il s'agit d'une improvisation de Giacinto Scelsi lui-même au piano et du flûtiste Carin Levine.

Brian Ferneyhough - Sisyphus Redux

"Comprendre" une pièce de Ferneyhough à la première écoute serait un peu présomptueux. J'entends un retour périodique, du temps qui tourne en rond, je suppose, par le titre, qu'il y a une suite de variations qui échouent à nous entrainer ailleurs et retombent donc au même point de départ. En tous cas, c'est moins agressif techniquement que "Cassandra Dream's Song" ou "Unity Capsule". Qu'il s'agisse ici de la "création française" montre que Cesari n'est pas vraiment un simple élève de conservatoire ...

Salvatore Sciarrino - D'un faune

Pas beaucoup de souvenirs. Cesari passe à une flute alto (entre la traditionnelle traversière et la basse). Ca commence par des grognements et feulements. On y voit une jungle et des jeux de lumière. On y entend des échos de Debussy. Mais je ne sais plus du tout ce que joue le piano.

Brian Ferneyhough - Mnemosyne

Pour flûte basse et avec bande magnétique. Donnée ici isolément, elle ne donne pas l'apaisement qu'elle procure en fin du cycle "Carceri d'invenzione", mais l'atmosphère onirique joue à plein, dans les vrombissements mystérieux de la flûte basse.

Jonathan Harvey - Nataraja

Encore un mythe pas vraiment grec ! Ce n'est pas la première fois qu'une partition de Harvey me laisse totalement indifférent, pour me plaire plus tard après quelques écoutes. L'atmosphère n'est plus du tout onirique, normal pour ce "seigneur de la danse", mais offre une alternance entre flûte et piccolo, des rythmes acides, des sonorités aigües frôlant la stridence. Peut-être le contraste avec la pièce précédente était-il trop rude sans préparation.

Spotify: Carin Levine – Flutes Without Borders, Giacinto Scelsi – Complete Works for Flute and Clarinet, Jonathan Harvey: Works for flute and piano

Il Giardino Armonico - Bach et l'Italie (Cité de la Musique - 15 Juin 2011)

2011-06-19T10:12:00.005+02:00

Arcangelo Corelli - Concerto grosso n°4 op. 6

Ce soir le Giardino Armonico ne comporte que des cordes (y compris un théorbe et un clavecin). Le chef Giovanni Antonini agite largement les bras, surtout quand il s'agit de ralentir. Par rapport à la première fois que je les avais vus, il y a une quinzaine d'années (époque de leur "4 saisons" si spectaculaire), ils se sont bien assagis. Au point de sous-dramatiser l'adagio de ce concerto grosso. Mais belles couleurs, ensoleillées à travers une légère brume.

Francesco Bartolomeo Conti - Cantate "Languet anima mea"

Entrée en scène de Roberta Invernizzi. Sa voix flotte un peu au début, puis s'affirme. Dans cette cantate arrangée par Bach, c'est la deuxième aria que je préfère, où la soprano dialogue avec un violon affable et sereinement mélancolique. P retrouve dans toute cette première partie une atmosphère très vénitienne.

Giuseppe Torelli - Concerto en ré mineur

Pas de souvenirs.

Johann Sebastian Bach - Psaume 51 "Tilge, Höchster, meine Sünden"

Cette adaptation par Bach du "Stabat Mater" de Pergolèse, qui en change le texte pour utiliser le psaume 51 (le livret explique qu'on parle alors de "contrafactum"), est bien évidemment le sommet de ce concert. Mais le fait que je connaisse pas le "Stabat Mater" me prive d'une clé d'appréciation importante. J'apprécie les échanges entre les deux sopranos Bernarda Fink et Roberta Invernizzi, reconnaît quand même les airs les plus célèbres, mais j'ai du mal à trouver l'unité de l'oeuvre, je la perçois comme une suite d'épisodes parfois un peu trop disparates pour être pris dans l'émotion.
Le public emballé réclame un bis et obtient une redite de l'extatique "amen" final.

Spotify: Arcangelo Corelli : Concerti Grossi, Op. 6, Nos. 1-6, Balthasar-Neumann-Chor – Aus Der Notenbibliothek Von Johann Sebastian Bach Vol. I, Johann Sebastian Bach – Psalm 51 Cantatas 82

Anne Paceo Quintet (Péniche Anako - 9 Juin 2011)

2011-06-12T18:30:00.005+02:00

Depuis quelques mois, Anne Paceo a un nouveau groupe, un quintet, où elle compose tous les morceaux. Mais comme pour son trio Triphase, elle cherche un équilibre et un partage entre tous les musiciens, sans se mettre particulièrement en avant. Et de fait, ce quintet est splendide d'équilibre, parfois délicat, un assemblage subtil de duos entrecroisés.
C'est leur troisième concert, annonce-t-elle en préambule. Et il commence fortement en retard, Stéphane Kerecky arrivant sur les lieux après l'heure théorique de début. Les derniers ajustements de positionnement et de balance se feront donc lors des premiers morceaux. De plus, la petite scène de cette péniche où Anne Paceo tient une résidence mensuelle depuis le début de l'année ne pouvant contenir de piano, Leonardo Montana a opté pour un Fender Rhodes, ce qui impose un réglage fin pour ne pas empiéter sur le territoire de la contrebasse.

Et pourtant, la magie opère rapidement, dès la première chanson "Schwedagon" (une vidéo en a été enregistrée en Février). On y sent le plaisir que prend Anne Paceo à jouer sa musique, et qui irradie toujours aussi magnifiquement de son visage (à l'opposé de Kerecky qui restera comme crispé et fermé pendant une bonne partie du concert). On y entend l'excellent niveau des musiciens, autant les aguerris comme le guitariste Pierre Perchaud ou Stéphane Kerecky, ou les petits nouveaux comme Antonin-Tri Hoang, que je découvre et qui m'estomaque, par son assurance et sa grâce, sa manière de construire des solos comme des numéros de danse dans un escalier (montées et descentes à la limite de l'acrobatique mais en restant d'une grande musicalité, toute en virtuosité rythmique et subtilité harmonique).
Mais au-delà des solos, ce que je préfère sont leurs duos. Les échanges de Perchaud et Hoang, de Perchaud et Montana, de Montana et Kerecky, sont pleins d'un sentiment d'écoute, de respect, d'équilibre à trouver entre des sonorités parfois proches. C'est une musique qui respire, et qui emporte, dans de grands voyages où en entend parfois une patte Henri Texier, et à d'autres des souvenirs de pays lointains.
Si elle s'impose dans ce groupe comme une compositrice très attachante, elle reste aussi une batteuse. Dans ce rôle, elle se montre à la fois discrète et pleine d'énergie, une position assez paradoxale, où elle n'empiète pas sur les autres musiciens, mais où il suffit de l'écouter plus attentivement pour se rendre compte de la densité de son jeu, en plusieurs couches, joyeux et fluide.

Sur la page dédiée à ce quintet, on peut écouter quelques morceaux, en démo ou en live. Je mesure les progrès faits en quelques mois. Encore un peu de rodage, et ce sera un très grand groupe.
Pour le dernier morceau, Gueorgui Kornazov, venu avec quelques exemplaires de son nouveau CD, vient sur scène pour rugir férocement sur "Toutes les fées étaient là". Et Antonin-Tri Hoang lui répond sur le même registre, on peut ajouter la capacité d'adaptation aux cartes nombreuses de ce jeune homme ! (qui a par ailleurs rédigé un très intéressant mémoire sur "Finir la musique", disponible sur son éphémère blogue).

Spotify: Pierre Perchaud – Par quatre chemins, John Taylor Stéphane Kerecky – Patience

Vigh - Vallet, Payen - Cathala (La Guillotine - 5 Juin 2011)

2011-06-06T15:52:00.006+02:00

"La Guillotine" est un lieu peu défini, peut-être un ancien bar, aujourd'hui une allure de squat, un hangar avec un établi d'un coté où on paie sa PAF de 5 euros, une collection hétéroclite de chaises et de bancs, et un débarras où trainent les restes d'un piano, un tas de chaussures, une pauvre bibliothèque garnie de livres poussiéreux ...
S'y tient chaque premier dimanche du mois les "dimanches de l'impro", où se produisent devant quelques curieux (nous étions pour cette dernière session de l'année une quinzaine) des musiciens / danseurs / troupe de théâtre / autres.

András Vigh - Gino Vallet

En première partie, ces deux-là se rencontrent pour la première fois.
Gino Vallet joue du clavier, un synthétiseur où il s'est sélectionné au fil des ans une gamme de sonorités assez restreinte : clavecin, xylophone, nappe spatiale, et effets spéciaux (entre balles de ping-pong et portes grinçante, créé m'expliquera-t-il à partir de verres d'orangeade s'entrechoquant). Il est souvent en approche rythmique, qui parfois se complexifie de belle manière, ou bricole des fugues et variations de belle facture classique, et s'amuse avec ses sons spéciaux. Un petit piano jouet donne une touche momentanée de naïveté ludique et attendrissante.
Mais le plus surprenant vient de son collègue András Vigh, qui joue de la vielle à roue. Mais sans jamais sonner comme un instrument traditionnel. En ne donnant que de courts coups sur la roue, ou au contraire en la tournant à vide, en tapant sur les touches comme s'il s'agissait d'une percussion, en utilisant les cordes sympathiques pizzicati, il transforme son instrument en riche générateur de sons variés. Et comme il est électrifié, il peut aussi en saturer le son.
Cela donne une des belles séquences de leur heure d'impro : Vallet jouant du clavecin façon Ligeti, et Vigh prenant le lead en saturant façon Hendrix. Il y aura aussi des moments très spatiaux, voyage galactique bien servi. De façon générale, un bon set, surtout pour une première rencontre, les sons choisis au synthé pouvant facilement décontenancer le vielliste.

Stéphane Payen - Sylvain Cathala

J'étais venu pour assister à Olympe Trio, une des innombrables formations d'Alexandra Grimal. Mais un problème d'avion l'empêche d'être là. Restent les deux autres compères, complices depuis longtemps (au sein du groupe Print), qui jouent tous deux de l'alto. Sans le contrepoint de Grimal (qui joue au ténor ou au soprano), cela donne un travail de texture, d'échos, de dialogue au sein d'une même tessiture, qui parfois me fait penser à du Steve Coleman (mais en moins abouti, puisqu'on parle ici d'improvisation, sans la préparation intense imposée aux Five Elements). C'est bien foutu, mais un peu répétitif. Ils n'osent qu'une seule séquence en hurlements plus marqués, leurs essais sur le son (jouer en utilisant en sourdine un gobelet, ou une jambe) ne donnant pas grand-chose.

Spotify: Stéphane Payen – Thôt, Sylvain Cathala Trio – Moonless, Print & Friends – Around K

Alexandra Grimal solo (Atelier du Plateau - 28 Mai 2011)

2011-05-29T19:52:00.004+02:00

Dernière prestation d'Alexandra Grimal pour cette saison de résidence à l'Atelier du Plateau : cette fois, c'est en solo. La salle est remplie de connaissances familiales et professionnelles (le grand frère, la maman, des producteurs de France Musique je crois, ou encore Jeanne Added ...). Elle commence par un peu de souffle, qui enfle et rugit rapidement. Peu à peu, cela devient comme un jeu d'escaliers parcourus en tous sens, certains majestueux, d'autres plus étroits et abrupts, parfois pris à contre-sens. Elle passe d'un saxophone à l'autre pour prolonger le discours, plus violent au soprano, plus moelleux au ténor. Il y a des pages rageuses à la densité coltranienne, d'autres d'une douceur debussyste. Il y a des syllabes qu'elle lance comme des ponctuations, comme des points d'appui, ou comme des bourdons. Les fins de séquence sont souvent très brusques, sans même tentative d'atterrissage, elle s'arrête en plein milieu d'une phrase et puis c'est tout.
Le solo n'est pas la formule qui lui convient le mieux (j'admire sa qualité d"écoute de ses partenaires, et là, y a pas), mais la démarche reste intense et intègre, elle ne triche pas avec des trucs et astuces, il y a des passages à vide et d'autres qui harponnent, dommage qu'elle arrête parfois trop vite des séquences qui promettaient beaucoup (mais qui pour elle sentaient peut-être la redite, qu'en sais-je).

Ailleurs: CitizenJazz
Spotify: En quartet Seminare Vento, en duo Ghibli, en trio vocal Birgitte Lyregaard - Blue Anemone.

Les Concerts Gais - Programme 4 (Oratoire du Louvre - 27 Mai 2011)

2011-05-29T11:33:00.005+02:00

Pour ce concert donné en Commémoration de la Déportation Homosexuelle, aux musiciens des Concerts Gais se sont associées deux chorales, les Gamme'elles, et les Dodecamen.

Max Bruch - Romance pour alto et orchestre op. 85

Créée en 1911, cette pièce ne profite guère des inventions d'Erwartung, par exemple ... Mais pour de la musique romantique, elle est très agréable, "tendre et noble, [...] le fruit et le reflet d'un apaisement enfin atteint" dit le livret, et j'agrée, l'image qu'elle me donne est d'un vieil homme auprès de son chalet cossu à flanc de montagne respirant avec bonheur, loin des agitations de sa jeunesse dans la ville qu'on aperçoit au loin dans la vallée.

Robert Schumann - Konzertstück pour 4 cors et orchestre, op. 86

Quatre cors, ça rutile, et ça envoie de la dorure ! Parmi les cornistes solistes, il y a une femme, ce qui doit être statistiquement assez rare. Quelques spectateurs applaudissent à la fin du premier mouvement, mais personne ne le leur reproche, c'est bien.

Gustav Mahler - Ich bin der Welt abhanden gekommen

Les choses sérieuses commencent après le court entracte (pas de local adéquat pour mettre en place une buvette, je suppose et le regrette), avec l'entrée des deux choeurs.
Le livret n'indique pas d'où vient cette adaptation pour orchestre et choeur de ce dernier lied des Rückert-lieder. Est-ce un collage au-dessus de la partition orchestrale originelle de la transcription pour choeur de Clytus Gottwald ? En tous cas, c'est beau. On rejoint l'atmosphère apaisée de la Romance de Bruch, mais en bien plus profond. Quelque-chose d'éternel, un flottement hors-temps.

Gabriel Fauré - Pavane, op. 50

Mais le sommet du concert fut cette pavane, tube bien connu, mais dans une version moins souvent entendue avec choeurs, ce qui lui redonne de l'éclat, avec la drôlerie (sans doute involontaire !) du texte, et le contrepoint dialogué que les voix ajoutent au-dessus de la ritournelle. Beaucoup de plaisir.

Frédéric Chopin - Ballade n°4, OP. 52 (orchestration d'Anthony Girard)

On me dit que la partition par pupitre est fort compliquée, alors que le rendu global sonne très classique, ce qui n'est pas forcément le signe d'une bonne transcription. A part ça, aucun souvenir.

En bis, ils nous redonnent la "Pavane", qui du coup accompagne très agréablement le chemin du retour.

Ailleurs: Joël (pour le concert du lendemain, sans choeurs, mais avec buvette et pop-corn).
Spotify: Yuri Bashmet – Bruch: Romance for Viola & Orchestra, Op. 85, Accentus – Mahler: Ich bin der Welt abhanden gekommen, The Academy of St. Martin in the Fields – Fauré: Pavane, Op.50

Courtois Quartet, Sclavis Quintet (Le Triton - 26 Mai 2011)

2011-05-28T09:16:00.004+02:00

Vincent Courtois Quartet

Ce pourrait être un quartet de Jazz vocal assez classique - sauf que ce ne l'est pas. A la place d'un simple batteur, on a François Merville, qui y ajoute un rôle de percussionniste rubrique accessoiriste, avec tout plein d'objets divers pour frapper les peaux des tambours ou juste agiter en l'air pour faire du bruit. A la place du contrebassiste, on a Vincent Courtois, qui non seulement officie sur un violoncelle, mais l'équipe d'un tel dispositif électronique qu'il en fait varier le son, depuis une contrebasse jusqu'à une guitare électrique, volontiers saturée. A la place de la chanteuse de Jazz, on a Jeanne Added, une présence à l'intransigeance Punk-Rock, capable de psalmodier du "lalala" rugueux, puis de faire défaillir l'audience d'émotion (par exemple dans "Faible et faiblissant"). Et à la place du saxophoniste, on a Yves Robert, au trombone, et également, je l'y préfère, à la flûte. Ce dernier est le seul à ne pas avoir d'électronique à sa disposition pour perturber sa musique. Ce qui le range d'ailleurs un peu en marge du reste du groupe, où il est arrivé le dernier, et où il représente l'aspect le plus classiquement Jazz, alors que les autres ne sont jamais vraiment dans ce territoire-là.
Où sont-ils, alors ? Dans de l'expérimental plus ou moins bruitiste, dans de la chanson déclamée presque à nu, dans de l'énergie rock déchaînée ; le paysage est vaste. Le slogan du premier album "what do you mean by silence" me semble un peu lointain : c'est plus le bruit qui prend le contrôle (mais si John Greaves décide que "The Rest is Silence", Alex Ross préfère croire que "The rest is noise", donc tout cela est très cohérent).
Et cohérent il l'est, ce projet, paradoxalement (même si les interventions d'Yves Robert peinent encore à s'inscrire parfaitement au milieu des autres, mais peut-être est-ce voulu, ou du moins assumé), dans ce mélange de sons malpolis, d'émotions brutes, de climats violemment changeants.
Pour le bis, Louis Sclavis et Matthieu Metzger viennent ajouter leur énergie, dans un morceau rock épique et incendiaire.

Louis Sclavis Quintet

Nous voici dans des territoires plus conventionnels, si on veut. A la batterie, nous avons de nouveau François Merville, mais dans un rôle beaucoup plus classique de batteur, dynamique et énergique. Accolé à la basse électrique d'Olivier Lété, cela donne une base rythmique solide et puissante. D'autant plus que s'y rajoute à la demande la guitare facilement rugissante de Maxime Delpierre. Et devant, on a les flux entremêlés des clarinettes de Louis Sclavis et des saxophones de Matthieu Metzger.
Si certains démarrages de thème, en chorus puissants, me font beaucoup penser à Henri Texier, le développement des morceaux est plus complexe, aventureux et risqué en terme de structure, avec des solos qui se superposent, et une énergie plus grande, quand la guitare s'allie à la basse électrique.
Mais le meilleur du groupe reste dans les solos foudroyants, d'une vélocité virevoltante étourdissante, de Sclavis et Metzger, impériaux.

Spotify: Bruno Ruder, Jeanne Added & Vincent Lê Quang – Yes is a Pleasant Country, Tchamitchian, Roy, Courtois – Amarco, Louis Sclavis – Lost On The Way, Delpierre – Mutatis Mutandis

Olivier Le Goas Unit (Studio de l'Ermitage - 25 Mai 2011)

2011-05-27T10:51:00.003+02:00

Ce concert, je l'ai choisi non pour les participants, puisque je ne connaissais aucun des musiciens présents ce soir, mais pour la salle, puisque c'était l'occasion de la découvrir. Très agréable petite salle, et finalement très agréable petit concert.

Les musiciens commencent à trois puis accueillent Kenny Wheeler, avec qui ils ont enregistré l'album Sur les corps des klaxons. La structure des morceaux est simple : thème, suite de solos (qui sont applaudis, habitude qui tend à se perdre, peut-être parce qu'ils ne sont pas généralement si clairement séparés que ce soir), conclusion. La plupart des thèmes viennent de Kenny Wheeler. On est souvent dans la balade, ou le mid-tempo.

Le batteur et ici leader Olivier Le Goas est représentatif d'un type de batterie Jazz avec lequel j'ai un peu du mal. C'est un jeu très pensé, posé, avec plein de petites incises et dérives, mais qui ne propulse pas le discours. Une construction très ouvragée, pleine de détails, là ou j'attends plus un moteur. Cela s'arrange un peu dans la deuxième partie, où le jeu semble partir un peu moins de la tête et un peu plus des tripes, où il prend même des solos.
J'ai l'impression qu'il doit être très confortable d'avoir Marc Buronfosse comme compagnon à la contrebasse : un son rond, un swing précis, une présence solide et très rassurante. Du beau travail.
Celui qui est accueilli avec les honneurs d'une star, c'est le trompettiste canadien Kenny Wheeler, octogénaire, qu'il faut aider à s'installer sur scène, et qui donne des solos simples, très chantants, naturels (il est chez lui après tout, ce sont essentiellement des morceaux à lui qui sont joués).
Du coup, la part d'exploration plus aventureuse des thèmes, ce sera pour le guitariste David Chevallier, qui cherche des chemins de traverse, alterne entre trois guitares sèches ou électriques, et est armé d'une collection de pédales et boitiers d'effets, pour finalement conserver les mêmes sons d'un bout à l'autre du concert.

Le tout donne de la belle ouvrage, pas spécialement révolutionnaire ni torride, mais agréable et respectueux.

Spotify: Olivier Le Goas – Seven Ways, Kenny Wheeler, Brian Dickinson – Still Waters, Marc Buronfosse – Face the Music

La Voix est libre - Rhizomes (Bouffes du Nord - 24 Mai 2011)

2011-05-26T09:32:00.003+02:00

Comme le dit le présentateur en introduction, les Bouffes du Nord ça peut être la rue, ou un temple. La première partie sera "la rue", avec croisements de personnalités hétéroclites et interactions improvisées, la seconde partie sera "le temple", avec un spectacle très écrit.

Débordanses

Des représentants d'univers musicaux et chorégraphiques très divers sont invités à se croiser et à interagir, en une suite de rencontres enchaînées. Le tout est mis sous le parrainage d'Edouard Glissant (la créolisation du monde en modèle de ces improvisations pluridisciplinaires) dont on commence par entendre un court discours. C'est aussi en parrainage que vient jouer en solo uniquement Jacques Coursil, qui lance comme un doux appel à la trompette, aux esprits ou à l'harmonie, avant de disparaitre. Les choses sérieuses commencent avec Mossim Hussain Kawa aux tablas, bientôt rejoint par le saxophoniste Raphaël Quenehen et le tap dancer Tamango (magistral et élégant, dans la musique comme dans la danse, interventions pleines d'humour et de joie, et de force aussi, quand un petit système d'écho renforce la puissance de son piétinement d'une profondeur plus grave), puis par l'excellent batteur Sonny Troupé (dont les origines guadeloupéennes peuvent s'entendre dans des échos gwo-ka, je le verrais bien jouer avec David Murray !). Forte présence rythmique, donc, avec Troupé, Kawa, Tamango. Cela se renforcera par le beatboxeur et bruiteur L.S.O, et même par Dgiz, à la contrebasse et au slam, très charismatique performeur. L'autre aspect marquant, c'est la danse, avec déjà Tamango, un peu L.S.O et Dgiz, et spécifiquement la danseuse Antoinette Gomis, ondoiements sensuels issus de l'Afrique, et le danseur Mathieu Desseigne, acrobaties issues du cirque (via Alain Platel). Lorsque Bernard Lubat, après un passage "poétique" assez plat, s'installe au piano, le quatuor Lubat - Troupé - Dgiz - Quenehen fonctionne beaucoup moins bien (parce que Dgiz est meilleur en showman qu'en contrebassiste de jazz, et qu'un véritable trio de jazz batterie-contrebasse-piano ... ça ne s'improvise pas). Mais Lubat réussit à perturber un peu le cours de la soirée en exigeant du public qu'il réagisse en scattant, de manière collective, et, plus difficile, de manière individuelle.

Ivresses : Le sacre de Khayyam

Et maintenant quelque-chose de totalement différent. Le chanteur perse iranien Alireza Ghorbani et la chanteuse arabe tunisienne Dorsaf Hamdani unissent leur voix autour des poèmes d'Omar Khayyam sur l'ivresse (et hantées par la mort, la tonalité est souvent funèbre), entourés de musiciens arabes et perses, Sofiane Negra à l'oud, Ali Ghamsary au tar (mais des problèmes de larsen le forcent à passer au "divan", et ça tombe bien, il abandonne au passage un coté guitar-hero peu convaincant, pour jouer avec plus de beauté naturelle), un remplaçant dont je n'ai pas retenu le nom au kamantché, et les percussionnistes Keyvan Chemirani et Hussein Zahawy (étrangement, c'est Zahawy qui semble diriger les échanges, mais c'est Chemirani qui prendra la parole à la fin pour remercier tout le monde).
Les deux voix sont splendides. Comme je ne connais pas grand-chose à la musique classique arabe, je trouve la voix de Dorsaf Hamdani proche de celle de Natacha Atlas ... Celle d'Alireza Ghorbani est souvent proche du chant harmonique (voyelles vibrées du chant soufi), et d'un velouté extraordinaire. Tous ces musiciens restent sagement assis, mais ce sont nos âmes qui voyagent. Merveilleux.

Ailleurs: La première partie a été enregistrée par ArteLive Web, et la seconde l'avait également été lors d'un festival précédent. Les deux sont disponibles pour encore plusieurs mois : Débordanses, Ivresses.
Spotify: Dgiz – Dgiz-Hors, AliTarighat – Primal Chalice (Jam-e-Alast), Alireza Ghorbani – Kif-e-Engelisi(The English Bag)

Médéric Collignon solo (Galerie Hus - 22 Mai 2011)

2011-05-23T17:31:00.004+02:00

A peu prés remis d'un hernie discale qui l'a immobilisé plusieurs mois, Médéric Collignon revient en piste, bonne nouvelle ! Le voici dans un nouveau lieu de concert, la galerie Hus, une galerie d'art animée par un couple qui a découvert la musique improvisée dernièrement et suit les conseils de Joëlle Léandre (quelle meilleure marraine possible ?) pour la programmation d'un concert toutes les trois semaines avec, à moins que j'ai loupé quelque-chose, seulement une boîte à l'entrée où chacun glisse la somme qu'il veut ! Une forme de sponsoring, donc.
Collignon commence sur les chapeaux de roues, un zapping de techniques impressionnant, avec un peu de cornet à moitié démonté, des jouets sifflants qu'il utilise deux à la fois, des triangles qu'il glisse dans la bouche, des jeux de voix, des frappes rythmiques sur le corps et le visage, et tout cela en combinaison diverses et variées, un peu comme s'il faisait d'entrée de jeu le tour de toutes les cartes qu'il a en main.
Cela fait, le déferlement se calme un peu, et il installe plus les climats successifs, avec finalement plus de voix que de cornet, et une très grande implication corporelle (ce qui n'est pas forcément indiqué suite à son accident, mais on ne se refait pas, et c'est là la manière dont la musique s'empare de lui). On sent aussi qu'il se lance des défis en cours de route, peut-on reprendre le même son à la voix que celui du cornet, ou des interrogations, peut-on utiliser les triangles avec les pieds. C'est intense, ludique, imaginatif, spectaculaire.

Après ce set d'une demi-heure d'une traite, les galeristes et une poignée d'enfants apportent une kyrielle de petits plats et de carafes, habitude des vernissages sans doute, et on se sent encore plus invités plutôt que clients ! Peut-être sommes-nous proches de l'ambiance des "concerts à la maison", avec des hôtes recevant amateurs et artistes (amateurs découvrant pour certains ce genre de musique, vues les questions posées à Collignon !).

Ca papote et grignote une bonne demi-heure, puis Collignon remet ça, pour une vingtaine de minutes plus posées, d'abord au cornet, puis au chant très mobile, et pour finir sur une séquence magnifiquement poétique de souffle polytonal, qui évoque comme le vent au-dessus du désert, un espace vide essentiel, existentiel, qu'il peuple enfin de chants d'oiseaux tropicaux, un dépaysement particulièrement sauvage.

Ailleurs: JazzMag
Spotify: Pas de disque sorti depuis Shangri Tunkashi-La, mais il envisage un disque solo (une partie en prise directe, performance brute, et une seconde en travail multi-pistes de studio). Miam !

Zingaro Léandre Benoit (Instants Chavirés - 21 Mai 2011)

2011-05-22T14:32:00.002+02:00

C'est ma première venue dans cette salle des "Instants Chavirés", un hangar grossièrement réaménagé avec une scène, des chaises, et quelques projecteurs, mais sans aucun charme. Par contre, la sélection de bières au bar est remarquable de diversité.
Le trio de la soirée se décomposera assez explicitement en 2 + 1 : d'un coté, la contrebassiste Joëlle Léandre et le violoniste Carlos Zingaro, qui se connaissent bien, et qui réagissent en commun, que ce soit en imitation ou en contrepoids ; de l'autre, le guitariste Olivier Benoit, toujours un peu en marge, à proposer autre chose.

Comme j'ai souvent vu Léandre en cette année où elle fête ses 60 ans par de si nombreux concerts, je discerne certains modes de jeux récurrents. Matière épaisse, essentiellement à l'archet, terrestre mais très mobile, en ondulations continuelles, traversée par de grosses vagues d'énergie. Recours à la voix, mais non systématique, transe amérindienne, scat scatologique. Carlos Zingaro l'accompagne sur le même registre d'énergie fusante, alterne entre différents archets, dont un surprenant très courbé et souple, qui permet de parcourir toutes les cordes en même temps (mais sans que le résultat sonore ne change vraiment, en fait !).

A coté, Olivier Benoit utilise une guitare, seulement deux pédales d'effets, et quelques objets métalliques, mais en tire des ambiances sonores très surprenantes, une musique très intime et personnelle, obtenue par une connaissance précise des possibilités de sa guitare. Il me donne l'impression de les explorer comme s'il s'agissait de zones érogènes, en caresses, frottements, frappes délicates, et elle y répond avec grand plaisir. Par contre, il a un peu du mal à se mettre vraiment en avant, et reste en arrière-plan.

Séquences d'une dizaine de minutes, pour un set d'une grosse heure, où les morceaux se ressemblent un peu tous.

Spotify: Carlos Zingaro / Joelle Leandre / Sebi Tramontana – The Chicken Check In Complex, Régis Huby – Simple Sound

Le Balcon - New York Monsters (Eglise Saint Merri - 20 Mai 2011)

2011-05-21T18:41:00.004+02:00

C'est en discutant à la fin du concert précédent que j'apprends l'existence de celui-ci, donné par un ensemble très jeune et atypique, Le Balcon, amateur de nouvelles technologies (théâtralisations, concerts spatialisés, enregistrements vidéos ...).

Phill Niblock - Three Orchids

Nous entrons dans l'église avec du retard sur l'horaire prévu, mais c'est parce que les musiciens ont déjà pris place pour nous submerger dans le son de ce morceau assez typique de Phill Niblock, compositeur très connu d'un certain New-York, mais fort peu en Europe. Quelques flutes et quelques cordes jouent une seule et même note, tenue le plus longuement possible puis reprise, mais en multipliant les micros-intervalles (de ce que je comprends, on leur demande de jouer subtilement faux ...). Le son obtenu, une note unique mais remplie de sous-couches harmoniques en constants renouvellements, est très fortement amplifié. Certains habitués des concerts classiques n’apprécient vraiment pas l'intensité du son, et ne considèrent pas cela comme de la musique. En est-ce, d'ailleurs ? Cela ressemble plus à une installation / performance, et pour les spectateurs à une expérience sonore. C'est comme regarder un instant de son au microscope, d'en scruter les variations comme d'une couleur huileuse. C'est intéressant, comme on dit, mais j'ai l'impression que cet artiste fait toujours un peu la même pièce, changeant juste d'instruments d'une fois sur l'autre, mais obtenant à peu près le même effet. Cela dit, on pourrait dire pareil des peintures de Rothko ...

Alex Minceck - Pendulum 7 (version 1)

C'est comme une suite d'épisodes de musique statique, mais où le statisme serait à chaque fois obtenu par une méthode différente. Tout l'ensemble peut être pris comme un gros appareil mécanique répétant une phrase cliquetante, ou on peut avoir une superposition de boucles plus classiques, etc. Ca m'a fait penser à plusieurs moments à "Vortex Temporum", ce qui n'est pas rien. D'ailleurs, c'est sans doute l'oeuvre de "jeune compositeur" qui m'a le plus plu de ces quelques dernières années. Il y a l'aspect bruitiste, mais allié à de l'étude rythmique et à une pensée compositionnelle entre évidence et mystère, qui donne fortement envie de réécouter et de découvrir d'autres pièces. Seule la fin de la pièce est moins captivante, trop longue à s'arrêter (une recontextualisation du problème de l'hydravion).

Aaron Einbond - Cabinet des Signes II

Une bande sonore diffuse des chants d'oiseaux, des bruits de rivière, plus tard des échos d'altercations (à moins que ceux-ci ne soient réels, quelques personnes dans la rue à coté de l'église mènent grand tapage). Les musiciens commencent par souffler dans des bouteilles de bière. Le point d'orgue de la pièce est un solo de saxophone, qui se souvient de Jazz Free, intense. Le déroulé laisse deviner un scénario, avec à la fin retour à la case départ, une sorte de voyage peut-être, de la campagne à la campagne en traversant une ville.

Morton Feldman / Samuel Beckett - Words and Music

"Words and Music" est une pièce radiophonique écrite par Beckett en 1961. Elle oppose deux personnages "Words" (joué par un comédien) et "Music" (joué par un petit ensemble instrumental) qui tentent vainement de répondre aux commandes d'un certain "Croak", qui leur demande de réagir aux mots "amour", "vieillesse" et "le visage". Déçu par les réponses trop automatiques ou tournant à vide, le despote disparait, et "Words" essaie peut-être de prendre sa place. En 1987, Morton Feldman compose la partie "Music" à partir des indications laissées par Beckett (du genre : "Humble muted adsum; Soft music worthy of foregoing; Irrepressible burst of spreading and subsiding music").
Le Balcon met en scène cette pièce radiophonique, dans un esprit minimaliste (le décor est fourni par l'église) et débrouillard (les acteurs lisent leur texte). C'est la création de la version française (je ne sais pas qui a traduit, et quand). L'alliage Beckett / Feldman fonctionne bien, mais je pourrais imaginer une musique plus ironique peut-être, par Kagel par exemple. Avec les moyens limités de cet ensemble, le résultat est très réussi, et on sent l'enthousiasme de la troupe à nous présenter cet opus un peu ovni.

Spotify: Phill Niblock – Young Person's Guide to Phill Niblock (YPGPN), Alex Mincek – Nucleus, Morton Feldman – Last Pieces

2E2M - Lazkano 6 (Conservatoire à rayonnement régional de Paris - 19 Mai 2011)

2011-05-21T15:02:00.003+02:00

L'ensemble 2E2M organisait cette année un cycle de concerts à l'auditorium Marcel Landowski du CRRP (jolie salle, confortable et intimiste) autour de Ramon Lazkano. On commence par un débat public où les compositeurs présentent leur oeuvre et discutent sur le rythme et la vitesse, leur façon de travailler, et autres questions habituelles. Puis place à la musique.

Sébastien Gaxie - Live sampling 1

C'est un concerto pour violoncelle, d'une forme simple (A B A' B' ...) où l'orchestre reprend toujours en plus ou moins déformé l'énoncé du violoncelliste Frédéric Baldassare. On y trouve du contrepoint à la Bach, de la mélodie de timbres à la Webern, mais pas grand-chose de vraiment marquant. Gaxie explique que c'était une forme de divertissement après une pièce pour l'IRCAM beaucoup plus complexe, et puis il est encore jeune ...

Fabien Levy - A propos

Chacun des 4 mouvements de cette pièce pour flûte clarinette violon violoncelle et piano (formation "taléa" mais j'ignore qui l'a utilisé en premier) s'inspire d'une oeuvre en art plastique. "Les automates internes de Tim Hawkinson" grouille de mécanismes d'horlogerie comme des robots insectoïdes, "Quand Jeff Wall regarde Hokusaï" est imprégné de la lenteur et de la poésie du Gagaku, "Rouge Burri" s'offre un coup de violence, "Rajeunir, par Penone" retourne vers l'innocence des sifflotis, claquements de langues, et autres sons semi-musicaux.
Mais il y a contamination croisée, de mystérieux silences peut-être issus du 2 s'installent soudain n'importe où, les mécanismes du 1 persistent un peu partout, la violence du 3 n'est qu'une densification accélérée des principes précédents, le 4 présente peut-être un résumé camouflé. Et partout, il y a une clarté d'écriture et une pulsion à étages qui séduit et entraîne. Faudrait vraiment qu'AEON se bouge et propose une monographie de Lévy ! En attendant, vous pouvez écouter cette oeuvre et d'autres sur le site du compositeur.

Claudio Monteverdi - Madrigali, Libro V

L'inverse du concept "un cheval une alouette" où une pièce contemporaine est proposée en apéritif d'un concert classique, voici un peu de Monteverdi au milieu de pièces contemporaines, qui plus est avec chanteurs, bon, pourquoi pas, c'est tranquille, pas grand-chose à dire.

Ramon Lazkano - Egan-4

C'est un orchestre qui gronde et bouillonne sourdement, où on sent une énergie souterraine qui travaille, un effort pour pouvoir surgir. Mais l'"envol" (c'est ce que "Egan" signifie) final me laisse peu de souvenirs. Difficile de juger une pièce qui se présente comme renvoyant aux interrogations des trois épisodes précédents non entendus, et comme conclusion de tout un cycle dont j'ignore tout ... Il aurait fallu être là aux précédents concerts !

Ailleurs: Zvezdo
Spotify: Ramon Lazkano - Aztarnak, Sébastien Gaxie – Lunfardo

Ambrose Akinmusire Quintet (Maison des Cultures du Monde - 17 Mai 2011)

2011-05-18T13:33:00.008+02:00

Alexandre Saada

Un petit set de piano solo pour commencer la soirée. Alexandre Saada possède une belle technique, issue du classique, au point qu'il décide, en troisième morceau, et en s'en excusant, de jouer, avec la partition, une pièce de Debussy, dont la musique lui a semblé soudain être particulièrement proche de son propre univers. Modestement présentée, tendrement mélancolique, subtilement colorée, joliment improvisée, c'est aussi un peu passe-partout, et à la longue un brin soporifique. Quoique sur ce dernier point, le fait que je m'endorme aussi dans la deuxième partie, d'un pourtant tout autre tonneau, pourrait indiquer que c'est moi qui était particulièrement en manque de sommeil ...

Ambrose Akinmusire quintet

Le trompettiste commence par un solo, où il affiche toute sa virtuosité, changeant, dans la même phrase musicale, d'intensité, de texture, de mode de jeu, sans que cela n'ait toujours grand sens musical. Mais ça impressionne, c'est clair ! Walter Smith III au saxophone ténor apporte un beau contrepoint, un son confortable et plus apaisant que son chef, et des solos plus construits sur la longueur, qu'il enflamme lentement, alors que Akinmusire est plus friand de courtes séquences pétaradantes d'idées et brillantes de mille feux. Leurs joutes croisées sont très réussies.
Pour les soutenir, le batteur Justin Brown et le contrebassiste Harish Ravaghan sont du genre énergique, pour ne pas dire bruyant. Le concert se conclura presque sur un solo de batterie interminable et lourdingue. Lorsqu'ils sont bien lancés tous les deux, le pianiste Sam Harris devient quasiment inaudible, et se contente sagement de plaquer quelques accords.
Les prestations des musiciens sont plus impressionnantes que touchantes, et pourtant la musique présentée aurait méritée peut-être plus de retenue pour atteindre plus d'émotion. D'ailleurs, le bis commence aussi par un solo d'Akinmusire, mais cette fois la musicalité l'emporte sur le spectaculaire et cela donne un moment magique.

Ailleurs: Criss Cross, TouteLaCulture
Spotify: Alexandre Saada – Present, Ambrose Akinmusire – When The Heart Emerges Glistening, Walter Smith III – III

Tineke Postma Quartet (Duc des Lombards - 16 Mai 2011)

2011-05-18T10:17:00.003+02:00

Tineke Postma présente son nouvel album sur deux soirs au Duc, au sein du quartet totalement hollandais avec qui elle l'a enregistré. Tous les morceaux joués seront donc extraits de ce "Dawn of Light", sauf le bis.
Le batteur Martijn Vink et le contrebassiste Frans van der Hoeven se partagent les rôles à la manière d'un Drum'n'Bass : batterie ultra-rapide mais légère, avec beaucoup de cymbales aux longues résonnances bruitées, de roulements secs et aigus, plus de caisse claire que de grosse caisse, et contrebasse lente, presque minimaliste par moment, pour ancrer le tempo. Leur duo est suffisament souple et uni pour structurer les morceaux par le rythme, souvent changeant, en arrêts et relances, accélérations, pauses silencieuses, qui donnent du relief et de l'intérêt à des compositions par ailleurs très classiques, modales, aux changements d'accords bien marqués.
Le pianiste Marc van Roon me déçoit ce soir par rapport à l'album : trop subtilement classique pour ne pas être fade quand l'inspiration manque. Mais Tineke Postma rattrappe aisément, et tient l'essentiel du discours lyrique. Elle alterne entre alto et soprano, et souffle dans les mélodies des arabesques échevelées, mais où toujours reste, même dans les moments les plus enfiévrés, une pointe de brume, de flou, d'un paysage rêveur, une lumière douce et légèrement languide. Présentation très professionnelle entre les morceaux, "merci beaucoup thank you very much", un peu trop froide du coup, mais le public du Duc des Lombards n'est pas le plus facile pour établir une connivence.

Spotify: Son premier album First Avenue, le deuxième For The Rhythm, et le nouveau cinquième The Dawn of Light.

Steve Coleman and the Five Elements (Cité de la Musique - 5 Mai 2011)

2011-05-08T15:04:00.006+02:00

En fait, les "5 Elements" ne sont pas un groupe fixe accompagnant Steve Coleman, mais représentent plus une démarche musicale (basée sur des combinatoires mathématiques). Au cours des années, la structure a fortement changée, et d'un groupe rythmiquement assez agressif, on en est arrivé à une formule sans paire rythmique. A quoi servent une batterie et une contrebasse, quand toute la musique respire si profondément les polyrythmies ? Leur disparition allège l'ensemble, et permet d'y superposer un travail de contrepoint stupéfiant.
Comme pour les précédents spectacles que j'ai vu avec Steve Coleman, il y a un sens de la retenue, un refus du laisser-aller, une concentration des musiciens autour de la conception musicale voulue par le leader, qui peut crisper, ou désarçonner. Mais le public ce soir semble très réceptif, et le groupe est chaleureusement ovationné.
Pas de contrebasse, soit, mais l'habituel guitariste Miles Okazaki en fait office la plupart du temps, restant assez discret. A ses cotés, David Virelles au piano, le seul nouveau venu. Les autres compagnons sont d'autres habitués, Jonathan Finlayson à la trompette, et Jen Shyu à la voix.
Les morceaux forts longs déroulent leurs mélodies en pleins et en déliés, selon le nombre des instruments jouant simultanément, les départs et les arrêts, ainsi que les "solos" si on peut les appeler ainsi, semblant se décider à l'instinct et à l'écoute les uns des autres, exercice de funambulie collective assez prodigieux d'inventivité et de cohésion. En particulier, la voix de Jen Shyu, qui à la longue m'énervait souvent, est ce soir particulièrement bien fondue dans la trame sonore, après les réglages un peu difficiles du début du concert.
Les interventions ne sont pas vraiment des "solos" parce qu'elles ne cherchent pas le coup d'éclat, la flamboyance, la performance personnelle, mais plutôt l'enrichissement de la trame collective, par une couleur ou une ligne mélodique adéquate. Et c'est un tissage fluide, changeant, d'une souplesse remarquable, qui se déploie. Un passage en claquements de mains permet d'apprécier encore mieux la subtilité et la complexité des rythmes mis en jeux, tant l'exercice semble naturel pour les musiciens et impossible à reproduire pour nous auditeurs. Steve Coleman passera aussi à la voix vers la fin du concert.

Le bis ne sera pas la partie la moins surprenante ! Les musiciens reviennent mais sans Steve Coleman (qui pour toute parole dans cette soirée aura présenté, en annonces longuement séparées, les musiciens l'accompagnant), et se lâchent dans un morceau très éloigné du M-Base, le pianiste et la chanteuse en particulier se lançant dans une expressivité immédiate qu'ils avaient jusques-là du réprimer, et c'est aussi splendide !

Ailleurs: On peut encore profiter de la performance Lingua Franca, disponible en vidéo sur ArteLiveWeb, que chroniquait Alex Dutihl et en commentaire Laurent Coq. JazzMag commentait un concert du même ensemble il y a quelques mois.
Spotify: Un classique, Steve Coleman – On the Rising of the 64 Paths ; cette même année 2002, Jen Shyu sur "For Now" interprétait des standards ! ; le guitariste Miles Okazaki sur "Mirror" reste lui plus près de Coleman.

EIC - Scène ouverte (Cité de la Musique - 28 Avril 2011)

2011-04-30T22:02:00.004+02:00

Compilation d'extraits

Cette première partie de concert avait été annoncée avec fracas comme une "libération de la musique", une résurrection des utopies libertaire des années 60 et 70, et je m'attendais à un truc un peu improvisé, un peu chaotique. Mais on est loin des intersessions, et c'est un spectacle pleinement maitrisé qui est donné, qui enchaine sans interruptions des extraits d'oeuvres variées, parfois par contrastes (le "Ein Hauch von Unzeit" de Klaus Huber, caresse sonore doucement plaintive, après les déflagrations tumultueuses du "Klavierstück X" de Karlheinz Stockhausen), parfois par complément (un extrait de la "Sérénade pour un satellite" de Bruno Maderna venant interrompre le "Viola" du même compositeur), découpant certaines oeuvres en plusieurs extraits séparés qui se font écho. Un écran sur scène projette les jolies figures colorées de "Aria" de John Cage (la chanteuse Valérie Philippin s'y régale visiblement !). Les musiciens surgissent du public en solo ou par petits groupes. Le chef d'orchestre Clement Power s'amuse avec la harpiste dans une sorte de mime. Frédéric Stochl, responsable de la mise en forme, et promoteur de cette soirée, surveille de la table de mixage la spatialisation. Tout ça est plaisant, plutôt spectaculaire, mais la musique n'en sort pas forcément renforcée. Et s'il s'agit de remettre en cause le formalisme du déroulé d'un concert classique, ceux que ce formalisme gène et qui auraient pu apprécier les surprises de ce soir, n'étaient pas dans la salle, remplie d'habitués ...

Pierre Boulez - Domaines

Le spectaculaire reste de mise, pour cette seconde partie. Au centre du public, le chef d'orchestre, et un petit dispositif de projection. Le clarinettiste Alain Damiens (prodigieux, mais n'est-ce pas habituel ?) parcourra les allées de la salle au milieu des spectateurs. Les groupes instrumentaux seront eux dans les gradins. L'ordre des séquences sera déterminée en piochant dans un chapeau, la lettre tirée est diffusée sur l'écran. Si l'écriture de la clarinette est fort proche de celle du "dialogue de l'ombre double", celle des groupes qui lui font réponse est plus différenciée, ne serait-ce que par leur composition très diverses (clarinette basse solo ; quatuor de saxophones ; sextuor à cordes, à mon avis le groupe le plus faible ; marimba et contrebasse, au son étonnamment jazzy ! ; hautbois, cor et guitare, le groupe qui m'a le plus plu ; et un disparate flûte, harpe, basson, trompette et saxophone). De fait, la séduction sonore agit à fond, mais on touche aussi les limites du tirage aléatoire : si les séquences peuvent être enchainées dans n'importe quel ordre, il ne peut pas y avoir de forme globale s'installant dans le déroulé temporel. D'ailleurs, les oeuvres proposant aujourd'hui des parcours multiples préfèrent généralement se concentrer sur quelques chemins clairement définis et ayant tous leur raison (comme pour les "six miniatures en trompe l'oeil" de Hurel).

Ailleurs: Simon Corley
Spotify: Alain Damiens – Recital de clarinette, Alexis Descharmes – Huber: L'oeuvre Pour Violoncelle, Alexandre Tharaud – Mauricio Kagel

Planning Mai - Juin 2011

2011-04-24T20:34:00.004+02:00

Et là, soudain, c'est le drame. Le désert, deux mois avant les dates habituelles. Va falloir improviser pour combler cette lacune coupable !

Date - Lieu - Intitulé
05/05/2011 - CdM - Steve Coleman
17/06/2011 - CdM - EIC + voix
25/06/2011 - Ple - Gurre-Lieder
03/07/2011 - TdV - Pina Bausch

Jean-Claude Gallotta - Faut qu'je danse / Daphnis é Chloé (Théâtre des Abbesses - 22 Avril 2011)

2011-04-24T19:46:00.004+02:00

Faut qu'je danse

Ce solo n'est pas vraiment une pièce autonome : Jean-Claude Gallotta y raconte les circonstances de la création de "Daphnis é Chloé", dans un texte simple et touchant, qui vers la fin tire un peu trop vers la poésie. Et régulièrement, il interrompt son récit par un "mais faut qu'je danse, faut qu'je danse", et de fait, il s'élance, gambade de part ou d'autre de la scène, se fige dans des poses un peu maladroites, ne cherche pas à pousser son corps de plus de 60 ans vers le spectaculaire ou la démonstration technique mais au contraire reste dans une nudité du geste, une sincérité des intentions, qui force le respect et l'attendrissement admiratif. Une démarche à l'opposée de celle de Louise Lecavalier, en fait, et qui est beaucoup plus intéressante.

Daphnis é Chloé

Et donc, enchainé sans pause, "Daphnis é Chloé", créé en 1982, repris par trois danseurs magnifiques et intenses, Francesca Ziviani, Nicolas Diguet et Sébastien Ledig. Une pièce essentiellement composée de duos, où se découvrent les jeux des corps et des sentiments, dans l'exubérance exploratrice de la jeunesse. Et quelle santé, quelle énergie ! Le piano de Henri Torgue libère des torrents de notes, où se baignent les couples. Le langage me semble sans age, et le plaisir constamment renouvelé. Un grand bain de jouvence. Et le sourire des interprètes pendant les saluts, où Ziviani en particulier semble prête à recommencer de suite tant elle déborde encore d'énergie, ravit.

Ailleurs: ResMusica, Rue du Théâtre, Toute La Culture

Cecil Taylor, Amiri Baraka - Diction & Contra-diction (Cité de la Musique - 20 Avril 2011)

2011-04-23T11:20:00.003+02:00

Il n'y aura pas de duo, finalement : 20 minutes d'attente, 30 minutes d'Amiri Baraka, 15 minutes d'attente, puis une bonne heure de Cecil Taylor.

Amiri Baraka

Le poète, anciennement connu sous le nom de LeRoi Jones, s'avance vers le micro, fouille dans sa besace à la recherche de papiers incertains, balance sans grande conviction quelques phrases contre Sarkozy en Libye, finit par trouver les poèmes cherchés, et les lit (et s'il manque une page à l'un d'eux, tant pis). Si les paroles ont vieilli (on peut encore citer Lénine, Staline, Mao, comme de grands penseurs de la Révolution, sans ironie ?! Et dans ce texte sur l'attentat des Twin Towers, comment doit-on entendre les échos complotistes sur les Israéliens prévenus à l'avance, ou sur l'invention du Sida ?! Et pas un mot sur Obama, il préfère taper sur Bush, ces temps-là étaient plus simples à analyser ... ), la musique est encore vive, celle qu'il chantonne entre deux couplets (Afro-Blue, par exemple), ou plus simplement celle des mots, qu'il scande, déclame, projette vers le public en variant les effets, et qui me fait penser à certains Gil Scott-Heron parce qu'ils doivent puiser aux mêmes sources (prêcheurs évangélistes ?). Donc, si on n'écoute pas les paroles avec attention, on peut apprécier le flot très efficace ; mais pour son oeuvre de poète, le sentiment est à un léger embarras, à entendre une ancienne gloire dont le "radicalisme" consiste à s'accrocher à une grille de lecture obsolète et obscurcie de raccourcis gênants.

Cecil Taylor

Après cette première partie, il y avait matière à avoir un peu peur : après tout, Cecil Taylor aussi écrit des poèmes, et préfère parfois les réciter que de jouer au piano. Mais non, cette fois, il approche en flageolant un peu du clavier, installe une partition (mais que contient cette feuille qu'il inspecte de temps en temps ? quelques mélodies, quelques idées jetées en vitesse peut-être, comme une anti-sèche ?), puis joue. Et la force est toujours là. Celle des mains et des bras, toujours capable de danser sur les touches à toute vitesse, de boxer des descentes de clavier en clusters, de tenir le rythme et l'intensité pendant plus d'une heure. Mais la force de la musique, surtout, qui explore des registres que je ne lui connaissais pas sur les disques des années 80. La première atmosphère est en effet très bucolique, printanière, pleine du plaisir de la vie qui surgit, joyeuse, comme étonnée et ravie. Puis c'est un nocturne, mystérieux, même si cette nuit est bien constellée d'étoiles, pleine d'énergie qui traverse en vagues puissantes la relative quiétude contemplative des espaces infinis. Après un grand bloc de musique, il se lève et laisse quelques applaudissements marquer une pause avant de se rasseoir pour d'autres pièces plus courtes, et où quelques tics de langages commencent à s'installer (une boucle rythmique et mélodique, dont il s'échappe par un brusque crescendo vers l'aigu, par exemple). Et puis soudain, ça lui suffit (et nous aussi, en fait : cette musique c'est du concentré, et après une heure, on est largement rassasié, en danger de saturation), et il quitte la scène si rapidement que Baraka n'a pas atteint les dernières marches de l'escalier pour le rejoindre, qu'il est déjà sorti.

Ailleurs: Damien, Criss-Cross ...

Spotify: Cecil Taylor – Air Above Mountains, Cecil Taylor – Silent Tongues

Dave Douglas - Brass Ecstacy (Cité de la Musique - 12 Avril 2011)

2011-04-18T21:40:00.003+02:00

Lester Bowie est principalement connu comme trompettiste et cofondateur de l'Art Ensemble of Chicago, mais d'autres projets ont occupé sa belle carrière, dont un "Brass Fantasy" pour cuivres variés et batterie. C'est cette formation que reprend Dave Douglas, autre trompettiste versatile, dans ce "Brass Ecstasy", en forme d'hommage.
Pour l'accompagner, on a Vincent Chancey au cor et Luis Bonilla au trombone (tous deux ayant joué avec Lester Bowie), Marcus Rojas au tuba (qui prend la place de la contrebasse), et Nasheet Waits à la battterie (que j'avais vu dans le trio de Bojan Z).
C'est fort agréable. Dave Douglas se lance dans des anecdotes, presque intégralement en français, salue Ibrahim Maalouf qui l'avait invité il y a quelques mois, s'amuse visiblement beaucoup dans ce contexte sympathique.
Mais j'avais nettement préféré sa participation au concert de Maalouf, sans compter sa venue au sein de Masada. Fort agréable concert ce soir, mais trop léger pour être vraiment captivant, et nulle révélation ni révolution à l'horizon.

Spotify: Lester Bowie Brass Fantasy – Avant Pop, Dave Douglas Brass Ecstasy – Spirit Moves

Nono Berio (Cité de la Musique - 9 Avril 2011)

2011-04-11T19:32:00.002+02:00

Luigi Nono - No hay caminos, hay que caminar... Andrej Tarkowskij

Voilà donc le Nono final, aboutissement du style initié par Fragmente-Stille, an Diotima, avec son exploration du silence, de la presque redite, d'un univers sonore restreint qu'il élargit pourtant dans le temps (on approche de la demi-heure) comme dans l'espace, puisque l'orchestre (l'orchestre du Conservatoire de Paris, aidé par les membres de l'EIC), est divisé en sept groupes dont deux sont sur la scène, et les autres dans les hauts gradins tout autour. Ce sont les effets de spatialisation qui m'ont le plus intéressé, entre autres de subtils dialogues de percussions d'un bord à l'autre (j'étais un peu trop en fond de salle pour profiter des effets avant/arrière). La matière raréfiée (quoique ponctuée ça et là de soudains coups de grisou) demande une grande concentration du chef (Jonathan Nott) et des musiciens. Les spectateurs peuvent eux soit se concentrer sur toutes ces infimes variations autour d'une seule note, soit au contraire un peu lâcher prise et se laisser aller à s'immerger passivement dans le son.

Luciano Berio - Sinfonia

Après le presque rien, la quasi overdose. Du texte en veux-tu en voilà, de la musique bien présente, des citations en pagaille, de l'énergie, le contraste joue à plein. Mais il ne faudrait pas se laisser déborder, si possible. Les Swingle Singers, pourtant très habitués de cette pièce (au point que je me demandais s'ils en avaient l'exclusivité, mais la discographie indique que non), ne sont pas sans défaut, même si leur projection beaucoup trop en avant, escamotant parfois l'orchestre, n'est pas de leur fait, mais de l'ingénieur du son qui règle leurs micros. On est loin de l'équilibre que j'avais trouvé merveilleux chez les Synergy Vocals chantant Tehilim. L'orchestre lui aussi patine un peu dans l'approximation, et le fabuleux "In ruhig fliessender Bewegung" devient confus. Les plus beaux moments sont du coup le "O King" d'une belle lumière, et le cinquième mouvement récapitulatif mené d'une belle maestria.
En bis, les Swingle Singers nous offrent un "Lady Madonna" fort joli, puis un éblouissant "A Fifth of Beethoven", qui permet de quitter la salle avec un grand sourire.

Ailleurs: Simon Corley
Spotify: Berio : Sinfonia & Eindrücke, The Swingle Singers – Beauty & The Beatbox

Bruno mantovani - Akhmatova (Opéra Bastille - 6 Avril 2011)

2011-04-09T09:14:00.004+02:00

Après un premier opéra présenté à la Cité de la Musique, le deuxième a droit au faste institutionnel de Bastille. Mais la réussite n'est que partielle.
Le livret ne m'a guère intéressé. Je ne connaissais absolument pas Anna Akhmatova, et le personnage ici présenté ne va guère au-delà d'une figure très schématique d'une artiste tentant de survivre sous le règne de Staline, et ayant des difficultés relationnelles avec son fils. Ce sont en fait les "adversaires", son fils et surtout le représentant de l'union des écrivains, qui bénéficient du meilleur traitement.
L'opéra est en deux parties, trois actes, onze scènes. Ce sont des moments épars qui s'étalent d'avant la seconde guerre mondiale à après la mort de Staline. La mise en scène privilégie la fluidité d'une scène à l'autre, profitant d'un décor noir et blanc astucieux, marqué par la présence constante des portraits d'Akhmatova par Modigliani.
Ce qui me surprend le plus dans la musique, c'est son classicisme au niveau orchestral. Il n'y a guère plus de cette fusion parfois si extraordinaire entre instruments qui marquait les partitions de Mantovani : ici les cordes jouent les aplats et les glacis, les cuivres pétaradent, les bois virevoltent, les percussions grondent, chacun à sa place et sans guère de surprises. La première partie est en plus marquée par une sorte de statisme, des formules répétitives, un temps englué, qui peut être volontaire pour marquer la marche de l'histoire et des destins personnels qui se fige sous la dictature, mais cela donne une musique sans grand charme. Heureusement les choses s'améliorent dans la seconde partie, et les moments qui captent mon attention se font plus nombreux, aussi bien pour les solistes (violon, accordéon, flûtes) que pour l'ensemble orchestral (massif).
De même, le traitement vocal ne m'enchante guère, avec des lignes qui ne traduisent pas grand-chose de ce que ressentent les protagonistes, une manie d’élision pénible (est-ce une tentative de donner un accent "russe", que de dire "maint'nant", ou autre "notr' maitr'" ?).
De tout cela, je retriendrai finalement deux scènes qui m'ont ravi : celle où le représentant incite une autre artiste à écrire contre Akhmatova (avec deux dialogues traités en parallèle), et celle où des universitaires anglais interrogent Akhmatova et ne comprennent pas ses réponses forcées par la présence de son fils en prison. Deux scènes où joue Christophe Dumaux, hautecontre, excellent, et dont les inflexions mielleuses traduisent la dangerosité sous l'habit officiel.

Ailleurs: Joël Riou, c.roch.notes
Spotify: Mantovani: Concerto pour deux altos, Time Stretch & Finale

Accentus - Schoenberg Pintscher Stockhausen (Cité de la Musique - 2 Avril 2011)

2011-04-03T20:10:00.003+02:00

Arnold Schoenberg

Pour commencer, l'ensemble Accentus enchaine quatre morceaux de Schönberg. Le premier est le plus déroutant : alors que Schönberg a écrit tant d'excellentes pièces vocales, pourquoi Franck Krawczyk a-t-il éprouvé le besoin de transcrire "Farben", la troisième des cinq pièces pour orchestre op. 16, toute en frémissements orchestraux ? D'atonale, elle devient atone, et les soupirs et souffles ne lui donnent guère plus de vie. Avec "Dreimal tausend Jahre", on retrouve une écriture chorale à la fois dodécaphonique, en contrepoint, et au lyrisme assez intense. Un chant de joie, calme et recueilli, pour fêter la naissance de l'état d'Israël. "De Profundis", dernière oeuvre achevée de Schönberg, offre un visage très opératique, mélangeant les techniques pour accentuer la dramaturgie : passages parlés ou déclamés, lignes vocales largement déployées, passage soliste tendu d'émotion, cris, on est proche du grand spectacle, mais la douleur reste du langage schönbergien tardif, où l'émotion refuse toute expression post-romantique mais n'en fulgure pas moins sous les contraintes dodécaphoniques. Ces deux pièces dataient de 1949-1950, la dernière, "Friede auf Erden", revient en 1907. On retrouve une tonalité, le ré mineur ! Contrepoint, calme, montée en intensité, intemporel.

Matthias Pintescher - She cholat ahavah ani

Il s'agit du Cantique des Cantiques, et d'une création française. Mais elle ne m'accroche pas. Les explications du livret n'aident guère : "J'imagine que ce texte est un script dans le champ abstrait de la composition". De Pintscher, je préfère donc largement les oeuvres orchestrales et concertantes, et pour le Cantique des Cantiques, j'ai de loin préféré la version John Zorn. Pour cette pièce, Laurence Equilbey a laissé la direction à Pieter-jelle de Boer, plus carré dans son attitude, alors qu'elle est toute penchée vers ses chanteurs, et plus ondulante des bras.

Karlheinz Stockhausen - Welt-Parlament

Mazette, quelle pièce ! Il serait temps que le cycle d'opéras "Licht" soit enregistré, ou même joué ! Cette première scène de "Mittwoch aus Licht" allie beauté de la musique, humour, surprises, intensité dramaturgique ...
La scène est divisée en deux gradins, les filles d'un coté, les garçons de l'autre, mais laissés vide pour l'instant, seul le chef (Laurence Equilbey revenue) est là, sous une estrade où s'installe le "président" de l'assemblée. Tous les chanteurs et chanteuses arrivent, équipés de métronomes électroniques qui tiquent taquent à diverses allures, habillés de couleurs vives et parfois fantaisistes, se saluent, déblatèrent, finissent par s'installer dans les gradins.
Le président déclare la séance ouverte, "Parlement du monde : l'amour est ici notre thème". On a après cela deux matériaux musicaux superposés : un fond sonore, de syllabes superposées en flux rythmique et harmonique lentement changeant, du sombre vers le clair, assez fascinant, et des interventions d'un à trois protagonistes, qui descendent des gradins, balancent quelques vérités sur l'amour, péremptoires et plus ou moins fondées, que le président accueille avec enthousiasme et solennité (ou rejette, parfois, et sans grande raison ...). Les membres d'Accentus qui à cette occasion descendent dans l'arène en profitent pour faire leur numéro, regard menaçant, parade de séduction, trémoussements ... Ce sont des pointes d'humour délicieuses, renforcées encore par la subite irruption d'une des hôtesses d'accueil de la Cité annonçant (sans chanter !) que la voiture immatriculée "ML 2011" (comme Mittwoch aus Licht) doit être déplacée, ce qui provoque le départ précipité du président de l'assemblée, remplacé, jusqu'à ce qu'il revienne, par la colorature, élue par acclamation de ses pairs.
La tension entre le fond sonore riche et mouvant, dans lequel on plonge avec bonheur, et les irruptions solistes, qui nous en sortent temporairement et permettent de ne pas s'y noyer, donne une puissance formidable à la pièce, qui ne faiblit pas d'un bout à l'autre (38 minutes).

Spotify: Accentus – Schoenberg: Choral Works, Pierre Boulez – Schoenberg: Choral Music

Arnault Cuisinier Quartet - Claudia Solal Spoonbox (Maison de la Radio - 26 Mars 2011)

2011-03-28T20:51:00.006+02:00

Cela faisait bien longtemps que je n'étais allé à la Maison de la Radio. Le temps passé à s'y rendre, le tarif très réduit qui oblige à s'y présenter très en avance et donc à attendre, le temps passé à rentrer ensuite, me dissuadera de renouveler l'expérience trop souvent ...
Les deux concerts, enregistrés pour l'émission Jazz sur le Vif, sont présentés par Xavier Prévost comme liés par la présence de Jean-Charles Richard dans les deux formations, et par l'ancienne présence d'Arnault Cuisinier auprès de Claudia Solal, qui aujourd'hui propose un groupe sans contrebassiste ...

Arnault Cuisinier Quartet

L'introduction est à l'image de l'homme : presque trop timide pour être honnête. Il laisse les autres joueurs entrer dans la musique l'un après l'autre, et ne commence qu'en dernier, juste un élément dans le paysage.

D'abord le pianiste, Guillaume de Chassy, classique dans les différents sens du terme, formant facilement avec la contrebasse de Cuisinier des duos de musique de chambre, et se lançant dans des solos très solides, accords plaqués à gauche, mélodies s'échappant à droite. Puis la batterie, Fabrice Moreau de plus en plus peintre, coloriste en petites touches vives et légères, flottant au-dessus du tempo, poète impressionniste. Aux saxophones, Jean-Charles Richard apporte la réponse Jazz au classicisme du piano. Et enfin, Arnault Cuisinier consolide à la contrebasse la structure, le plus souvent juste en arrière-plan, volontaire et discret.
Les morceaux évoquent des paysages profonds où on se promène dans une douce pénombre, ou de lents plans de cinéma (hommages sont rendus à Kurosawa, Bresson ou Roublev). De la musique qui se prend, mais qui nous prend aussi, au sérieux, heureusement émaillée d'espiègleries récréatives. Je retiendrai aussi un très beau solo de Richard à la flûte bansuri, pour un morceau dédié au Japon et à ses victimes.

Claudia Solal Spoonbox

Voilà un objet musical beaucoup plus insolite : du Jazz à texte et à effets électroniques ? Les éléments forts de cette architecture, ce sont clairement la chanteuse Claudia Solal et le clavier Benjamin Moussay, qui ont enregistré un disque en duo et en joueront quelques morceaux ce soir.

Elle possède un univers, comme on dit : des inflexions proches de Björk par moments, du cabaret acidulé plus tard, des aigus renversants de puissance, un souci de l'articulation pour faire comprendre ses textes en anglais, une présence un peu fragile sur scène qui aurait sans doute demandé un contact plus intime (la salle n'est pas bien grande, mais l'atmosphère n'est pas celle d'un club de Jazz ; et nombreux sont les départs au cours du set, son univers n'est pas forcément évident à pénétrer, pour un public peut-être venu chercher du Jazz plus classiquement formaté). Au piano, orgue, pédales d'effet, ordinateurs, et autres bidules, Benjamin Moussay entoure la chanteuse de nappes de sons bizarres, de rythmiques, d'un mélange de préparé et d'improvisé un peu trop mis en avant à mon goût.

Jean-Charles Richard apporte son complément de mélodies au baryton ou au soprano. A la batterie, Joe Quitzke n'a finalement pas grand-chose à faire, il maintient la rythmique, en l'absence de contrebasse, et curieusement (ce que je regrette) ne part pas dans une direction plus percussionniste, peut-être parce que la case "sons étranges" est déjà occupée par Moussay.

C'est certainement un univers plus passionnant à explorer quand on comprend les textes (j'espère qu'ils sont indiqués sur le livret du CD). J'ai été intrigué, et ému par moments, ce qui n'est déjà pas si mal vue ma réserve par rapport aux voix, mais il y avait une distance, quelque-chose d'un peu froid, qui a persisté tout du long du concert (les départs des spectateurs n'aidant pas).
Signe bizarre, ils ne saluent pas en se rassemblant, mais chacun restant à sa place derrière son instrument, avant de disparaitre dans le désordre en coulisse.

Spotify: Claudia Solal Spoonbox – Room Service, Marc Buronfosse – Face the Music

Emile Parisien Quartet / Archimusic + Rocé (La Dynamo - 21 Mars 2011)

2011-03-23T17:16:00.005+01:00

Emile Parisien Quartet

Une caractéristique de ce quartet, c'est la complexité de leurs compositions. Elle peut être presque un défaut sur disque, où les transitions d'une ambiance à l'autre sont parfois brutales. Mais quand elles ont été peaufinées par deux ans de tournées, et qu'elles prennent le temps de se déployer, elles deviennent sur scène de splendides épopées, où on traverse éberlués nombre d'émotions, happés que nous sommes par l'énergie et la maestria de ces musiciens. Pas d'inédit, donc, au contraire : les quatre morceaux joués sont, dans l'ordre, ceux de l'album "Original Pimpant", et le dernier "Sopalynx" est sans doute ce qu'ils jouent en bis, quand ils en ont le temps.

Sylvain Darrifourcq à la batterie possède une magnifique technique, qui donne une grande énergie et une grande richesse de timbres et de couches rythmiques. Ivan Gélugne l'épaule à la contrebasse, lui aussi en énergie et en masse sonore, à l'archet comme à la main, ça drive dru. Au piano, Julien Touery ne joue pas les partitions Jazz habituelles, les deux mains sont souvent dans le même registre, clusters dans les basses, ou pluie de notes dans les aigus. Enfin, au saxophone soprano (le ténor présent sur scène ne sera pas touché), Emile Parisien me fait penser à la boxe de l'homme ivre : frénétique et titubant, tout en mouvements circulaires et en limite, mais inarrêtable et bien souvent flamboyant.

Mais ce qui emporte, au-delà de leurs talents individuels, c'est la cohésion du groupe, et l'allant irrésistible qu'ils impriment à cette musique, quels que soient les épisodes traversés, du bruitisme rigolo, un duo piano batterie méchamment violent (tout en clusters et en fill-ins !), de la poésie sonore finement travaillée (cymbales frottées à l'archet, piano joué dans les cordes), etc. Et puis, il y a la présence sur scène d'Emile Parisien, qui s’assoit ou part en fond de scène quand il ne joue pas, et triture constamment le bec de son instrument, puis se lance, posture guerrière, sauts, danse sauvage, très charismatique.

Bref, une belle claque, à la hauteur du Jus de Bosce de Collignon (mais lui renouvelle plus son répertoire ; si Emile Parisien joue tous les soirs les mêmes morceaux dans le même ordre, je me demande si ça ne devient pas assez vite un peu lassant ...).

Jean-Rémy Guédon Archimusic + Rocé - Le rêve de Nietzsche

Curieux projet, basé sur le mélange des genres. L'ensemble Archimusic est déjà une conjonction rare, entre un quatuor de bois (hautbois, clarinette, clarinette basse, basson) traité comme un ensemble classique en contrepoint Stravinskien néoclassique, et un quartet Jazz (batteur qui sait rester spartiate, bassiste électrique orienté Funk, trompettiste brillant, et Jean-Rémy Guédon au saxophone et à la direction). A ces éléments s'ajoute le rappeur Rocé, qui scande des textes de Nietzsche.
La musique est sympathique, par cet assemblage d'univers différents, néoclassique, jazz, rap, mais tous les morceaux se ressemblent un peu. Le point fort, c'est la manière dont Rocé s'est approprié les textes de Nietzsche, dont il n'a pas changé une virgule, mais auxquels il donne, par la scansion à la fois posée et énergique, et par le choix des extraits, entre slogans prophétiques et poésie brutale, une présence bien moderne et vivifiante.

Ailleurs: JazzMag, mes photos.
Spotify: Rocé – Identité En Crescendo, Archimusic - Parthéos

Louise Lecavalier - Charnock Lock (Théâtre de la Ville - 19 Mars 2011)

2011-03-21T18:46:00.003+01:00

Nigel Charnock - Children

A plus de 50 ans, et équipée d'une hanche artificielle, la furie blonde Louise Lecavalier déboule sur scène en cavalant à quatre pattes, et son potentiel athlétique est toujours ébouriffant, encore capable même d'effectuer quelques vrilles horizontales ! Et elle se donne à fond, pendant les 50 minutes de cette pièce au format fort sommaire, une suite de scènes séparées par d'assez insupportables et démodés stroboscopes et sirènes, qui proposent des situations de départ comme des jeux d'enfants, genre "et si on disait que j'étais ...", un animal, une pom-pom girl, une pratiquante d'aïkido, une héroïne d'opéra tragique, que sais-je encore. Elle saute, bondit, roule, gesticule à toute vitesse et dans tous les sens, accompagné par un Patrick Lamothe un peu dépassé par l'énergie et l'engagement de la dame, qui ne semble trouver son pied que dans un épuisement impressionnant.
Exceptionnelle performance, donc, mais est-ce encore de la danse ? De la chorégraphie on ne voit pas grand-chose. Peut-être plutôt une forme de sport extrême. Une démonstration brutale par moment, livrée brute. Et qui n'a pas grand-chose à nous dire, à part "regardez ce que je suis encore capable de faire".

Edouard Lock - A few minutes of Lock

Là il y a plus de raffinement et d'élaboration, les gestes se font précis, les postures réfléchies. Ce sont trois pas de deux qui sont retravaillés et réunis, écrits par Edouard Lock pour d'anciennes pièces dansées par Lecavalier, "Salt" et "2". Si les deux premiers extraits sont un peu froids dans leur perfection plastique, le troisième est une pointe d'émotion dans cette soirée qui en aura bien manquée, Keir Knight semblant poursuivre Louise Lecavalier qui lui échappe, happée par des forces douloureuses.

Ailleurs: Palpatine, Mimy

Michel Benita - Deux duos (Le Triton - 18 Mars 2011)

2011-03-20T20:20:00.004+01:00

Michel Benita - Mieko Miyazaki

Le contrebassiste et la joueuse de koto étaient réunis pour le disque "Ethics", mais accompagnés de plusieurs musiciens et d'arrangements électroniques qui alourdissaient grandement le discours. La simplification apporte une belle fraicheur. Parfois une sorte de drone harmonique est lancé sur l'ordinateur, sinon ce ne sont que les cordes qui se répondent, autour de thèmes proposés par l'un ou l'autre. Et comme il s'agit d'échange, c'est la Japonaise qui compose le plus "pop", et l'Européen qui s'aventure vers quelque-chose de plus "world".
Le koto se règle sur une gamme ou un mode particulier par des chevalets coulissants sous les cordes ; ensuite, la main gauche posée sur les cordes change l'accord, et la main droite garnie de médiators les pincent ; il est possible de déplacer les chevalets au cours du jeu. Le son ressemble peut-être à la harpe, mais en plus sec. Je ne saurais distinguer les particularismes de jeu de Mieko Miyazaki ...
A la contrebasse, Michel Benita reste très classique, s'éloignant peu de la grille, improvisant délicatement en mélodie et harmonie, mais en restant toujours dans le discours très tenu du thème en cours. L'atmosphère est donc tranquille, très agréable, c'est sage et enrichissant.
Pour le dernier morceau vient les rejoindre le guitariste Manu Codjia. Comme d'habitude quand il est en forme, il sait trouver le son qui convient parfaitement, à la fois pour compléter, et pour décaler, quelque-chose d'inattendu et qui fonctionne, un son ici un peu liquide, qui s'oppose très joliment à la sécheresse du koto. Du coup, Mieko Miyazaki peut se libérer pour chanter, et c'est le plus beau moment de la soirée.

Michel Benita - Manu Codjia

Ces deux-là aussi ont déjà été réunis pour un disque, "Ramblin'", lui aussi encombré (mais moins) d'effets. Ils reprennent ce soir, dans le même esprit, des standards de folk, mais en les retravaillant fortement. Ca reste sage et enrichissant, du jeu de gentilshommes qui n'enflamment pas la scène, mais nous réchauffent aimablement. Là aussi, Mieko Miyazaki vient les rejoindre pour quelques morceaux, et ce trio est plus excitant que chacun des duos.

Spotify: Michel Benita – Ramblin' (feat. Manu Codjia), Michel Benita – Ethics

Alexandra Grimal - Bruno Chevillon (Atelier du Plateau - 12 Mars 2011)

2011-03-15T22:20:00.003+01:00

Entre une session avec un jongleur et une autre en solo, Alexandra Grimal a choisi dans sa carte blanche à l'Atelier du Plateau une formule plus habituelle : un duo avec un contrebassiste, Bruno Chevillon.

Lui, je l'ai déjà vu dans le contexte très énergique du Marc Ducret trio, et dans celui plus expérimental des intersessions avec des membres de l'EIC. Cette fois, il propose des formules rythmiques très dynamiques où les doigts tricotent dans les cordes avec une vivacité toute rebondissante, des moments splendidement lyriques à l'archet avec de vraies belles mélodies improvisées, ou des moments plus bruitistes, faisant vibrer le bois de la caisse, ou s'amusant avec des pinces à linge accrochées aux cordes. C'est suffisamment élaboré, diversifié et intéressant, pour que jouer en solo ne soit pas pour lui un problème !
Elle, comme souvent en début de concert, écoute, yeux fermés, un brin crispé, puis entre dans la musique, et finit par bien plaisanter avec son partenaire. Alternant entre alto et soprano, elle joue beaucoup ce soir sur les effets de souffle, cette zone entre bruit et musique où la note naît à peine, et aussi avec les intensités, tout doux puis d'une force rarement entendue !
Plus d'une heure de musique, et pas un instant d'ennui, c'est un duo qui marche vraiment bien, j'espère que ce n'est pas qu'un one night stand !

Spotify: Alexandra Grimal & Giovanni di Domenico – Ghibli, Jean-Marc Foltz & Bruno Chevillon – Cette Opacité

Nono et Liszt par Diotima et Guy (Cité de la Musique - 8 Mars 2011)

2011-03-12T10:18:00.003+01:00

Luigi Nono - Fragmente-Stille, an Diotima

Voici donc le quatuor Diotima jouant son oeuvre éponyme (à moins que ce ne soit l'inverse). Cette oeuvre charnière de Luigi Nono vers plus de silence et d'ésotérisme, se présente comme une longue suite (40 minutes) de courts événements musicaux (quelques notes tenues, une bribe de mélodie, un rapide rebond sur les cordes ...) séparés par des silences aux durées très précises. Les membres du quatuor Diotima ne cessent de se regarder, pour caler tous ces départs. L'oeuvre n'exige pas de rush virtuose, mais une concentration sans faille pendant une durée de temps inhabituelle. De la part des musiciens, et aussi de la part des auditeurs. L'oeuvre est charnière parce qu'elle possède pourtant encore un charme poétique relativement accessible (je décroche plus sur le Nono tardif ...), dans ce flirt avec le silence, ce souffle suspendu, ces structures qui malgré tout se devinent, ces miniatures méticuleusement agencées. Comme si on nous demandait de regarder, d'écouter, de respirer même, différemment.

Luigi Nono - ... sofferte onde serene ...

C'est essentiellement pour cette pièce que j'ai pris ce billet de concert. J'aime son atmosphère à la fois spectrale et animée par les sons de la vie d'une ville. La voir jouée en accroit les mystères, car il reste difficile de bien distinguer ce que François-Frédéric Guy joue de ce qui est pré-enregistré et diffusé sur bande (qui ne contient que des bruits de piano assez peu manipulés). C'est rempli d'échos et de souvenirs, mais on y entend aussi le bouillonnement de la vie si proche, dans le clair-obscur mental d'un homme en deuil dans une chambre aux fenêtres grandes ouvertes.

Franz Liszt - Sonate en si mineur

De la spécificité théorique de la forme, qui révèle l'homothétie de la sonate et de son premier mouvement, je ne saurais dire grand-chose, sauf que le retour du thème dans le dernier mouvement est en effet remarquable, même à première écoute ; cela semble une économie de moyens, qui a certainement beaucoup plu à Bartok, fan de cette oeuvre dit le livret. Aux passages les plus rapides, et un peu trop romantiques pour moi, j'ai préféré l'introduction, ce note à note hésitant, presque aussi percé de silences que du Nono, et d'autres passages similairement brisés, où le discours laisse entrevoir une obscurité silencieuse étonnante.

Spotify: Quatuor LaSalle Quartet – Nono: Fragmente-Stille, An Diotima, Pollini – Nono: Como una ola de fuerza y luz; ...sofferte onde serene..., Mardirossian – Liszt : Sonate en si mineur, transcriptions

Akram Khan - Vertical Road (Théâtre de la Ville - 6 Mars 2011)

2011-03-10T20:46:00.003+01:00

Pour ce spectacle, Akram Khan s'est constitué une troupe solide de danseurs et danseuses capables d'assurer la dépense d'énergie nécessitée par cette danse hautement athlétique. Et qu'il ne participe pas permet d'assurer une cohérence plus grande (il avait tendance à légèrement écraser ses disciples par sa trop grande facilité technique ...). La scénographie est assez simple mais joliment efficace, avec cette toile tendue à mi-scène, obstacle entre deux mondes, qui sera bien sur vaincue à la fin. Les lumières sont par contre décevantes, qui n'arrivent qu'à évoquer ce qu'elles auraient du magnifier ; c'est seulement beau, quand on sent que ça aurait pu être magique.
Une danse athlétique, donc, en roulades et moulinés, en sauts et tournoiements, où les arrêts sont autant de poses martiales, où les séductions relèvent du combat, et qui puise à de nombreuses sources. Mais où finalement tout finit un peu par se ressembler. C'est impressionnant et admirable, mais il manque encore quelque-chose, sans doute le ressenti d'une urgence plus intime : trop de muscle et d'esprit, pas assez de chair et d'âme.
Il y a sans doute une histoire de racontée, mais je suis peu douée pour comprendre ce genre de choses. Un étranger aux allures de prophète entre dans une communauté, où il y a un chef, et peut-être sa compagne. Il y a des efforts pour s'intégrer, peut-être des luttes de pouvoir, des jalousies ... Occasions de varier entre solos, duos, et septuors.
Dernier élément qui m'a empêché d'être totalement emporté par le spectacle : la musique, comme d'habitude de Nitin Sawhney, m'hérisse par sa prédilection pour du binaire aggressif, là où j'attendais du raffinement rythmique indien ...

Ailleurs : ToutelaCulture, Palpatine, Danse aujourd'hui, MimyLaSouris ...

Tchamitchian Kassap Villarroel (Atelier du Plateau - 4 Mars 2011)

2011-03-06T18:39:00.002+01:00

Première fois que j'ai failli ne pas pouvoir entrer à l'Atelier du Plateau pour cause de salle pleine ! S'y retrouvent en fait nombre d'élèves du Centre de Formation des Musiciens Intervenants de L’Université d’Orsay, où les trois musiciens sont professeurs. Cela crée un public jeune et pointu, de quoi motiver les trois compères, et générer une ambiance particulièrement détendue entre les morceaux. Donc on blague, on rit un peu, et puis la musique commence, et là c'est du sérieux : le changement de visage de Claude Tchamitchian continue à me surprendre, se fermant d'un coup pour se concentrer !

A chacun son tour de lancer un morceau. Et la diversité des propositions est remarquable : une mélodie virevoltante, que Sylvain Kassap entretiendra par une technique parfaite de respiration continue ; une exploration sonore à l'archet, que Patricio Villarroel complètera par du jeu dans les cordes et Kassap par des jeux de souffle ; un rythme monkien, où les deux autres s'accrochent avec enthousiasme pour une folle virée toute brinqueballante et rebondissante ; etc. Les développements sont plus classiques, au point que certains morceaux semblent écrits : on n'est pas dans l'improvisation d'avant-garde, plutôt dans la composition instantanée, où subsistent les notions de thèmes, de grilles, où les rôles de solistes et d'accompagnateurs gardent un sens.
Comme j'avais déjà vu Tchamitchian (dans cette même salle d'ailleurs), la découverte de la soirée fut Sylvain Kassap, spectaculaire clarinettiste, excellente technique, enthousiasmants solos. Le pianiste Villarroel m'a semblé plus "classique", un bon pianiste de Jazz, quoi.
Après plus d'une heure de musique, je suis presque le premier à quitter la salle, les élèves restant sans doute pour discuter avec leurs professeurs. Sympathique soirée.

Solistes EIC - Pionniers américains (Cité de la Musique - 1 Mars 2011)

2011-03-02T22:06:00.002+01:00

George Perle - Quintette à vent n°1

J'aime bien les quintettes à vent en général, et celui-ci ne fera pas exception : mélangeant les styles à en être très difficilement datable (composé en 1967, certains passages auraient pu l'être 40 ans plus tôt), flirtant avec le néo-classicisme mais utilisant une technique de cellules superposées ou juxtaposées beaucoup plus moderne, les trois mouvements vifs-lents-vifs sont charmants, dans l'espièglerie ou la douceur (mais pas beaucoup plus que juste ça - charmants).

John Cage - Music for Wind Instruments

On reste dans le quintette à vent, pour une pièce de jeunesse de Cage, qui y porte tout de suite son originalité : le premier mouvement n'utilise que trois vents, le deuxième les deux qui restent, et tout le monde pour le troisième. Il y a une simplification de discours qui laisse envisager certaines évolutions futures de sa musique, mais elle garde un aspect mélodique presque surprenant. Mais cela ne me laisse guère de souvenirs.

George Crumb - Eleven Echos of Autumn

Là, on attaque du beaucoup plus sérieux. La scène est plongée dans la pénombre, quand résonnent les percussions jouées au piano par Hidéki Nagano. L'atmosphère est au rituel, à la cérémonie secrète. Les diverses techniques de jeu (jeu dans les cordes du piano ou boiserie frappée au marteau de percussion ; violon utilisé en mandoline, ou en sons désaturés ; flûte et clarinette jouées en résonance dans le piano ; paroles murmurées et sifflements, etc) créent une matière peu dense mais intense en émotions. Beauté impalpable et mystérieuse, qu'on pourrait croire inspirée par un orient inventé.

Henry Cowell - The Banshee, The Tides of Manaunaun, Tiger

Ce sont trois courtes pièces pour piano, qui utilisent des techniques de cluster redécouvertes, perfectionnées et popularisées par Cowell, ainsi que des frottages des cordes et autres. Je comprends que d'autres compositeurs aient trouvé là de nombreuses pistes à explorer par la suite, mais ces idées sont ici données comme encore un peu brutes de décoffrage, sans guère de subtilité.

Charles Ives - Trio

Ils sont trois (violon, violoncelle, piano), et il y a trois mouvements, fort distincts les uns des autres : une sérieuse discussion entre violoncelle puis violon dans le décor du piano, une pochade "tsiaj = this scherzo is a joke" pleine de citations, et un souvenir de dimanche religieux plein de solennité et de vertueuse componction. Très bien, cette musique de chambre est un coté que je ne connaissais pas dans la musique de Ives, et qui est plus facile d'accès que les pièces parfois trop spectaculaires pour orchestre.

Spotify: George Perle: Complete Wind Quintets, George Crumb: 11 Echoes of Autumn, Henry Cowell – Piano Music, American Classics: Charles Ives

Planning Mars - Avril 2011

2011-02-27T17:17:00.002+01:00

Voilà un programme assez atypique, avec plus de danse et de Jazz, et de grands espaces vides ...

Date - Lieu - Intitulé
01/03/2011 - CdM - Les pionniers américains
06/03/2011 - TdV - Akram Khan
08/03/2011 - CdM - Nono Liszt
19/03/2011 - TdV - Charnok Lock Lecavalier
31/03/2011 - TdV - Le conte d'hiver
02/04/2011 - CdM - Accentus
09/04/2011 - CdM - Nono Berio
12/04/2011 - CdM - Dave Douglas
17/04/2011 - Ple - Dave Holland Overtone
20/04/2011 - CdM - Cecil Taylor
22/04/2011 - TdV - Jean-Claude Gallotta
28/04/2011 - CdM - EIC - Scène ouverte

Adams Hackbarth Reich (Cité de la Musique - 25 Févier 2011)

2011-02-27T15:17:00.004+01:00

John Adams - Chamber Symphony

Je n'aime toujours pas le premier mouvement "Mongrel Airs", avec son rythme binaire martelé, ses lignes embrouillées, ses sons de synthétiseur beaucoup trop en avant (mais pourquoi mettre tant en évidence les éléments les moins musicaux ? ce n'est pas si marqué en CD !), et toujours autant le deuxième mouvement "Aria with Walking Bass", son rythme gentiment débonnaire à la contrebasse et au basson, les dialogues avec les cordes et les vents, ses petites points d'acide. Devant l'EIC (où Eric-Maria Couturier a été remplacé par une très belle violoncelliste non mentionnée par le livret - je finis par trouver son nom sur Le Regard de James : Yska Benzakoun), François-Xavier Roth dandine de tout le corps, emporté par les vitesses superposées.

Ben Hackbarth - Crumbling Walls and Wandering Rocks

Après l'habituel ballet des techniciens (ils sont bien une quinzaine sur scène !) qui bougent toutes les chaises et ajoutent des micros partout, cette pièce, inspirée par l'Ulysse de Joyce, débute par de la percussion rocailleuse, profonde, spatialisée, plutôt bien. Les choses se gâtent avec l'entrée en scène des cordes, qui n'ont rien à dire, mais le font fort longuement. "De subtiles transformations de timbre et de geste", dit le livret. Trop subtil pour moi. Ennui de plus en plus profond. Quelques huées. je me contente de ne pas applaudir.

Steve Reich - Tehilim

"La plus belle oeuvre de Reich", dira ma voisine à la fin, et c'est peut-être vrai. En tous cas, cette interprétation fut un grand bonheur. Parfait équilibre entre instruments et voix amplifiées, sans doute parce que les Synergy Vocals sont spécialistes de ce répertoire et du travail au microphone : ces quatre voix féminines créent de merveilleuses harmonies. Il y a un souffle qui nous emporte d'une traite d'un mouvement à l'autre, vif (ah cette entrée en matière où les mains qui claquent nous invitent dans la danse, et cette arrivée des voix en canon puis de la basse pour donner soudain une profondeur et une épaisseur, des procédés simples mais d'une efficacité imparable), vif (sans canons, lignes mélodiques simplement exposées aux voix et aux vents), lent (quelle beauté que ce mouvement, horlogerie tintinnabulante, couleurs orchestrales finement travaillées !), puis vif à nouveau, d'une complexité limpide, dans un chatoiement kaléidoscopique éblouissant.

Spotify: John Adams – Chamber Symphony/ Grand Pianola Music, Steve Reich – Tehillim/Three Movements

Ballet de l'Opéra de Lyon - William Forsythe (Théâtre de la Ville - 23 Février 2011)

2011-02-24T22:05:00.006+01:00

Workwithinwork

Le décor peut difficilement être plus minimal : des murs bordent l'espace, percés de quelques portes, donnant l'impression d'une salle de répétition, quoique sans barre ni miroirs.
Les danseurs s'y lancent en duos et trios, redoublés ou pas, tandis que d'autres font ou non spectateurs, en configurations continuellement variées. Fluidité et virtuosité se conjuguent dans tous les mouvements, où bras et jambes s'épanouissent en équilibres, déséquilibres, torsions et extensions, langage épousant le vocabulaire classique (oui, il y a des pointes !), mais en le poussant vers l'avant-garde.
En bande son, ce sont des duos de violons de Luciano Berio, et la manière dont la danse épouse fidèlement la musique n'est pas le moins étonnant de cette pièce : à chacun des duos (ce sont des séquences de quelques dizaines de secondes à quelques minutes) correspond une configuration de danse, mais aussi une vitesse en phase avec la musique, et un climat qui lui aussi peut en découler. L'ensemble est enjoué, vif et beau, même si un peu répétitif à la longue.

Quintett

Cette fois-ci, il y a un léger dispositif sur scène : une trappe d'où les danseurs surgiront et où ils se réfugieront, et un projecteur qui uniquement vers la fin montrera, parce que bousculé, le ciel lentement nuageux qu'il diffusait vers la trappe.
Il n'y a plus que 3 danseurs et 2 danseuses sur scène, au lieu des 16 de la pièce précédente. Et la musique qui lentement décolle impose un climat fort différent : on y entend Gavin Bryars répéter encore et encore, peu à peu recouvert par les cordes, "Jesus' blood never failed me yet", et cela colore d'ombre mortifère la scène.
Mais la danse contredit en partie cette noirceur : son constant renouvellement, en flux et reflux, de duos frénétiques à des corps allongés et reprenant souffle, traduit plus la permanence de l'élan vital plus fort que la mélancolie dépressive.
Du rang V, et quoiqu'équipé de jumelles, je ne peux admirer qu'en partie l'architecture des postures et la grâce des mouvements ; dommage, surtout que Caelyn Knight est de la fête.

Ailleurs: Humeur du Jour, A Petits Pas, Palpatine (avec des photos du rang C, veinard), la souris ...

Spotify: Des duos de Berio sont transposés sur Vincent David – Berio & Boulez : Dialogue, Chemins, Récit... ; le sang de Jésus est la deuxième partie du Gavin Bryars – The Sinking Of The Titanic.

Julien Lourau - Superman Ciné-mix (Cité de la Musique - 17 Février 2011)

2011-02-19T18:35:00.003+01:00

Si j'aurais su, j'aurais peut-être pas venu. Je m'attendais à un concert de Jazz, électrique certes, mais ce fut plutôt de la musique électronique, avec un saxophone par moments (Julien Lourau jouant aussi du Fender Rhodes, mais qui se fond alors dans le son général). Et cette musique, au croisement des bruitages de Jeff Sharel et des platines de DJ Oil, m'apparaît épaisse, peu subtile, parfois seulement dansante, un peu sale, ce qui est OK, mais ne m'accroche pas. La voix de Karl The Voice apporte un coté soul, mais on est loin de la beauté d'Anthony Joseph chez Laurent Garnier (la comparaison avec ce concert exceptionnel est cruelle, mais on retrouve trop d'éléments communs pour que je n'y pense pas, et ne mesure la distance). De plus, répéter 500 fois "When they call me, they call me Superman, Superman" devient vite lassant, puis vaguement irritant, puis vraiment énervant.

Mais il n'y a pas que de la musique : c'est un ciné-concert. Au-dessus de la scène, un grand écran diffuse des dessins animés des années 40, réalisés par les frères Fleischer (les créateurs de Betty Boop), sur le super-héros, qui combattait les volcans et les savants fous (avec des pouvoirs plus faibles que ceux affichés plus tard, il fatigue vite à cette époque !).
Ces cartoons sont complétés par des bidouillages de Fred Ladoué, qui filme en direct de petits théâtres où il place des jouets et des effets divers (roues qui tournent, flammes et fumées, etc.). Dans cette discipline, sa performance est à mi-chemin entre le pire (Gary Hill illustrant Varèse) et le meilleur (Pierrick Sorin mettant en scène Gérard Pesson).
Bref, pas terrible, tout ça...

Spotify: Dans la discographie éclectique de Julien Lourau, ce concert correspond à l'album Brighter Days. Je m'attendais plus à quelque-chose s'approchant de Fire and Forget. Mais j'aimerais mieux le voir dans un contexte vraiment Jazz, genre Saigon Quartet.

Anderson Carter Saariaho (Cité de la Musique - 11 Février 2011)

2011-02-14T21:13:00.005+01:00

Julian Anderson - The Comedy of Change

Je pense que c'est la première fois que j'entends ce jeune compositeur (il a mon âge, donc il est jeune, forcément) britannique, mais influencé également par Tristan Murail. Cette pièce, en six volets très distincts et une conclusion plus mélangée, présente des aspects spectraux, mais moins théoriques que les créateurs de ce mouvement ; il y mêle des éléments picturaux et narratifs, un peu comme du George Benjamin.
Le thème est "l'évolution" dans la nature, et de fait, le musique évoque des paysages presque éternels, des phénomènes météorologiques, des scènes de vies animales ... Le livret indique que des quarts de tons entrent en jeu, que je n'ai absolument pas ressentis. La matière est belle, transparente et fluide. Et mélodies et harmonies n'ont pas peur d'inviter l'auditeur à pénétrer sans violence dans son monde. Captivant.

Elliott Carter - On Conversing with Paradise

J'ai entendu du Carter plus difficile d'accès ! Ici, la musique semble se mettre toute au service des poèmes d'Ezra Pound (cantos 81 et 120), qui sont proférés, chantés, déclamés, par le baryton Leigh Melrose avec beaucoup d'engagement et de sincérité dramatique. Seul le fracas des 5 percussionnistes secoue cette longue mélopée, alors que le reste de l'orchestre l'accompagne par des touches à l'architecture légère et subtile. Prenant.

Kajia Saariaho - Graal Théâtre

N'aurais-je jamais entendu ce morceau en concert ? En tous cas, ce soir, il me laisse à quai. Peut-être que Jeanne-Marie Conquer ne le joue pas assez en "violin hero" comme sait l'être le dédicataire de l'oeuvre Gidon Kremer ? Peut-être Ludovic Morlot ne réussit-il pas à tirer l'EIC vers plus de mystères ? Ou peut-être vais-je finir par me lasser de cette compositrice ? Ou simplement ce soir, cette pièce ne m'allait pas ? Je m'y suis simplement ennuyé ... Décevant.

Ailleurs: Papageno, c.roch.notes
Spotify: Julian Anderson: Book of Hours, Elliott Carter – The Minotaur; Piano Sonata; Two Songs, Kaija Saariaho – Château de l'âme

Anne Teresa de Keersmaeker - En Atendant (Théâtre de la Ville - 6 Février 2011)

2011-02-09T21:27:00.003+01:00

Au début était le souffle. Celui d'un flûtiste, Michael Schmid. Il se place au devant de la scène, approche l'embouchure de son instrument de son nez, un son fragile et comme irrésistible, puis de la bouche, et entame une note, une seule, grave. Et la maintient, pendant 10 minutes, par une plus qu'impressionnante technique de souffle continu, en la faisant très lentement monter vers l'aigu. De ma place au troisième rang, je profite de tous les bruits qui rythment cette épopée minimaliste, les prises d'air par le nez en petits coups de plus en plus rapides, puis l'expiration qui bruite le son de la flûte d'harmoniques ronronnantes puis sifflantes. Enfin, parvenu au bout du voyage, il laisse échapper son bras, et pousse un vigoureux et libérateur soupir.
Arrive alors sur scène une chanteuse, qui a capella déroule le vieux français d'un poème sur l'attente subie comme une épreuve acceptée.
Et enfin, les huit danseurs et danseuses, parfois, mais rarement, accompagnés de trois musiciens jouant de l'ars subtilior, cette musique extrêmement savante de la fin du Moyen-Age.

On pourrait croire que les croisements en ligne droite ont remplacé les vastes cercles d'antan, chez Rosas. Mais ces simples marches d'un bord à l'autre du plateau ne sont sans doute pas si anodines. Leurs décompositions rythmiques en semblent bien complexes, en suspensions, reprises, accélérations, cela ne m'étonnerait pas qu'il s'agisse d'une transcription en pas d'une musique non jouée, comme une "musique fictive".
Cette complexité se retrouve aussi dans les séquences chorégraphiques pour groupes, qui s'agrègent en magma rempli de lignes de force, qui me fait plusieurs fois penser aux corps éparpillés d'un radeau de la Méduse.
Mais le moment le plus fort est dans un solo masculin, je suppose par Bostjan Antoncic, d'une vigueur, d'une subtilité, d'une âpreté magnifique, qui me sidère et me laisse pantelant. Plus beau solo masculin depuis le Néfes de Bausch en 2004 ...

A part ça, le décor nu (à part une bande de terre qui sera plus ou moins fougueusement balayée par les pieds la traversant et volera vers les premiers rangs, obligeant une petite fille juste à mauvaise hauteur de se protéger des projections en se réfugiant sous le manteau de sa maman ...), l'éclairage qui consiste en une simple rangée de lumières qui vers la fin s'éteignent l'une après l'autre, ne parviennent pas à recréer la magie du plein air et du soir qui descend sur un lieu bien choisi. Il y a des jeux sur les vêtements (et un homme nu dans la pénombre presque finale) que je n'ai guère compris. Et des longueurs, même si rien de rédhibitoire.
Etrangement, des critiques relevaient l'émotion de la pièce, une sensation d'humanité naissante, alors que m'a surtout frappé la subtilité des figures, et l'impression d'être dépassé par l'intelligence de la chorégraphie, ce qui convient bien à un hommage à l'ars subtilior ...

Intersessions 7 (Le Triton - 3 Février 2011)

2011-02-07T21:23:00.005+01:00

Pour cette session, un quatuor de cordes, mais pas l'habituel : à l'alto, Guillaume Roy jouera le plus normalement ; au violoncelle, Pierre Strauch me surprendra en proposant plein d'idées et menant à maintes reprises au passage d'un épisode au suivant ; et deux contrebassistes, Frédéric Stolch tout en puissance, et Bruno Chevillon en grande présence scénique et modes de jeux inventifs.

Le début est très ... Free, chacun discourant sans guère écouter ; puis des structures se mettent en place, où souvent trois s'alignent sur un mode commun que le quatrième complète par contraste. Mes moments préférés sont des plages aux sons filés, fantomatiques, au-dessus desquels le soliste peut partir en pizz, ou en percussions. Il n'y a pas de pause, la première improvisation durant dans les 45 minutes, qu'une seconde partie, d'une vingtaine de minutes, complètera.
On nous avait annoncé des surprises plus "écrites", sans doute Strauch et Stolch, qui ont des partitions devant eux, ont-ils parfois interprétés des extraits de musique contemporaine au milieu des improvisations, mais je n'ai rien remarqué. L'ambiance générale était beaucoup plus proche des sessions "A l'improviste" d'Anne Montaron que d'un concert de l'EIC.

Jodlowski - De Mey - Boulez (Cité de la Musique - 29 Janvier 2011)

2011-02-01T22:01:00.004+01:00

Pierre Jodlowski - Is it this

Je n'ai pas aimé la première fois, et ça ne s'arrange pas. La musique est pauvre, la vidéo est moche, le propos est insignifiant, le tout n'a pas d'intérêt.

Thierry De Mey - Light Music

Le dispositif est à la fois complexe et limpide : sur la scène vide sous un grand écran s'avance le percussionniste Samuel Favre. Dans la presque obscurité, seules ses mains deviennent visibles quand il les tend vers l'avant. Leurs mouvements sont alors captés, reproduits (retravaillés) sur l'écran, et transformés en musique de synthèse. Cela commence comme une démonstration pour qu'on comprenne le principe, puis ça se complique, dans les traitements graphiques et sonores, pour varier les ambiances et les rendus. C'est à la fois léger et poétique, bien mené, bref, joliment réussi.

Le mieux pour se rendre compte est cette vidéo, sous-titrée en hongrois ...

Pierre Boulez - Dialogue de l'ombre double

Cette fois, c'est Jérôme Comte qui s'y colle, dans la version normale pour clarinette, et c'est toujours autant de bonheur à écouter ce grand classique. Il est amusant que la scénographie oblige la présence des pupitres, et donc des partitions, que les interprètes connaissent certainement par coeur.

Pour l'occasion, Pierre Boulez est là et vient saluer.

Henri Texier - Brain Danse Quintet (Le Triton - 27 Janvier 2011)

2011-01-30T19:38:00.004+01:00

Depuis quelques années, Henri Texier multiplie le nom de ses formations tout en gardant toujours un peu les mêmes musiciens. Ce "Brain Danse Quintet" est le "Nord-Sud Quintet", renommé à l'occasion de ce concert donné dans le cadre du Brain Festival, pour la recherche sur les maladies neuro-dégénératives. Ce quintet est en fait le "Red Route Quartet", augmenté de Francesco Bearzatti (le leader du Tinissima Quartet vu il y a deux jours). Ce "Red Route Quartet" s'est lui-même parfois appelé "Strada Quartet", puisqu'il s'agit du fameux Strada Sextet, privé de Corneloup et de Kornazov.

Bref, nous avons Christophe Marguet à la batterie, moins explosif que parfois, plus concentré, mais toujours impressionnant, capable de mettre le feu même avec des mailloches. Henri Texier ne se mettra guère en avant, dirigeant de l'arrière, s'offrant de petits moments à l'archer, un grand pour jouer, et un petit utilisé en instrument percussif sur les cordes. Manu Codjia est toujours aussi versatile, sons liquides ici, brulants là, et nous offre un solo de transformation sonore électronique extraordinaire d'inventivité ("Tormentoso"), avant un morceau très très rock ("Mucho Calor"). Les deux souffleurs, Sébastien Texier et Francesco Bearzatti, jouent plus sur le parallèle que sur le complément, partant tous deux sur la clarinette, ou tous deux sur le saxophone. Ils n'échangent guère les lignes, comme saxo et trompette peuvent le faire. Fidèles à la manière de faire chez Texier, ils prennent les solos l'un après l'autre, déployant leurs idées sur de larges périodes de temps.

Le concert présente essentiellement les morceaux du disque "Canto Negro" (vendu en avant-première lors du concert). Texier a puisé dans son inspiration africaine, oscille entre énergie et tristesse (magnifique "Sueno Canto" final). Quelques pépites plus anciennes ("Sacrifice") complètent le programme.
Tout cela donne de l'excellent Jazz, même si on pourrait rêver de plus de surprises, mais c'est le défaut d'avoir vu souvent ce groupuscule de musiciens, le sentiment de leur prestation devient "excellent, comme d'habitude".

Ailleurs: Ptilou, Emmanuelle Vial

Crispell - Tinissima (Salle Jean Vilar - 25 Janvier 2011)

2011-01-30T15:34:00.008+01:00

Première visite de cette salle d'Arcueil, qui est en fait une salle de cinéma reconvertie.

Marilyn Crispell - Solo

Courbée au-dessus du clavier, visage caché par les cheveux, elle ne communique guère avec le public, se concentrant sur sa musique. En séquences d'une dizaine de minutes séparées par de courts silences, celle-ci propose un mélange de trois matières : de l'abstraction pointilliste, recherche de rythmes, jeu avec le silence ; des cavalcades où les deux mains se pourchassent d'un bout à l'autre du clavier, parfois en phases, parfois en opposition, mais plus en joyeuse jubilation qu'en frénésie furieuse ; des mélodies presque romantiques, à l'accompagnement bien classique.
C'est cette dernière part qui me plait le moins, tant ces mélodies, qui concluent presque chaque séquence, ne parviennent pas à m'émouvoir. Par contre, l'intensité du matériau énergique est une excellente surprise, je pensais que Marilyn Crispell avait plus ou moins abandonné ce terrain-là en passant de la période "Braxton" à la période "ECM".
Mais la répétitivité des séquences, qui proposent donc toutes les mêmes ingrédients dans des proportions variables, finit par lasser, et me déçoit un peu. Heureusement, le dernier bis, une mélodie cette fois bien plus émouvante (peut-être écrite elle et non improvisée ?), conclut sur une note parfaite.

Tinissima Quartet - Tina Modotti Suite

J'avais vu ce quartet présenter il y a deux mois leur deuxième album sur Malcolm X. Ce soir, ils reviennent sur le premier, qui les avait baptisé, consacré à Tina Modotti, dont des photographies, superbes, sont projetées au-dessus du groupe.

Le groupe me fait bien meilleure impression ce soir. Danilo Gallo, qui n'est plus malade, alterne entre le son trafiqué et facilement agressif de la guitare basse électrique, et celui plus dynamique et chaud de la contrebasse. Zeno De Rossi n'a plus à jouer disco, époque évoquée oblige, et propose une couche rythmique qui me convient mieux.
Giovanni Falzone reste sobre en effets vocaux, se cantonnant presque à sa trompette. Et Francesco Bearzatti alterne toujours entre clarinette et saxophone alto. Mais entre eux deux, l'entente et les échanges sont plus féconds, peut-être parce qu'ils connaissent mieux ces chansons avec lesquelles ils tournent depuis bien plus de temps. Leurs duels en courtes phrases échangées sont vifs et aventureux, et on sent qu'un grand plaisir les anime tous.
Du coup, le gimmick "Masada italien" fonctionne mieux, surtout quand Bearzatti stridule dans le bec détaché de sa clarinette en aigus modulés !
Ils aiment soigner leurs fins de concert. Cette fois, c'est le poème funèbre de Pablo Neruda qui défile, sur une musique plus lourde, bel hommage.

Ailleurs: Citizen Jazz, JazzMagazine
Spotify: Tinissima n'y est pas, mais Crispell si, dont voici deux disques en solo, For Coltrane qui date de 1993, et Vignettes de 2008.

Ea Sola - Air Lines (Théâtre des Abbesses - 19 Janvier 2011)

2011-01-20T22:15:00.002+01:00

"C'est une performance plus qu'un 'spectacle'" avertit le livret. De fait, Ea Sola se présente par les roles de "conception, scénographie, images vidéo, lumière et interprétation", liste qui ne contient ni danse ni chorégraphie.

La représentation peut être découpée en deux parties. La première est la plus intéressante. La scénographie y tient un rôle important. Des ventilateurs soulèvent des films plastiques en vagues impétueuses, et s'opposent à l'avancée de Ea Sola, qui littéralement doit lutter contre vents et marées, et tente de rejoindre un mât où flotte un drapeau prometteur de repos peut-être, qu'elle change à plusieurs reprises, Europe, USA, Chine, tous décorés d'étoiles.
Sur l'écran de fond de scène défilent des noms d'autres pays, d'autres drapeaux. Ainsi que des extraits d'un documentaire sur les réfugiés martyrs du golfe d'Aden. Sur lesquels elle tire avec une carabine à ventouses, je ne sais pas très bien pourquoi ...
Elle disparait par moments sous les flots tumultueux, s'offre au vent, s'effondre mais se redresse.

La deuxième partie présente un peu plus de danse. Mais il y a un hiatus gênant entre la violence de ce qu'elle veut évoquer, les réfugiés chassés d'un pays à l'autre ("qui crève de colère, lui devenu hors la loi, devenu terroriste", rien que ça !), et la douceur des mouvements et des poses, qui fonctionnent pour offrir un apaisement, mais sans qu'il y ait eu avant assez de rage ou de révolte.

Joëlle Léandre, Vincent Courtois (Le Triton - 14 Janvier 2010)

2011-01-16T23:03:00.004+01:00

Une contrebasse et un violoncelle en duo, ce n'est pas si fréquent. Cette rencontre a lieu dans le cadre des "60 flammes" de Joëlle Léandre, une série de 60 concerts organisée pour fêter ses 60 ans.

C'est la première fois que ces deux-là sont sur scène ensemble, et comme elle est arrivée fort tard, il n'y a eu presque aucune préparation. Mais elle a suffisamment de bagage en improvisation, et lui en adaptation tout-terrain, pour pouvoir se lancer ainsi, et nous proposer de la fort bonne musique.
Question énergie, c'est elle qui conduit. Un flux presque sans pauses de magma harmonique, d'embrasements rythmiques, où flottent des mélodies, qu'il capte, exprime, accompagne. Ils font bien attention à ne pas se marcher sur les pieds, cherchant le complément et non l'imitation, même si les échos plus tard, reprise d'une idée, d'une sonorité, d'un type de jeu, sont autorisés. Il trouve peu à peu plus de place, et elle lui laisse peu à peu plus la parole, même si on ne peut pas parler d'équilibre (mais échange, oui ! Elle n'est ni dictatoriale, ni réfractaire à l'écoute, juste particulièrement débordante de musique, et très habituée aux improvisations en tous genres).

Le concert s'organise en séquences d'une vingtaine de minutes, plus ou moins conclue par un épisode où Léandre se met à chanter, psalmodie de prêtresse chamanique, parodie de chant funèbre interminable d'une héroïne d'opéra dramatique (avec jeu de scène impressionnant, maladie, chute, effondrement, agonie, puis résurrection lente), ou encore scat délirant sur des mots et des syllabes ("salopiauds, tout ça").

Il y aura beaucoup plus d'archet que je ne pensais a priori, parfois utilisé à l'envers, bois frottant les cordes ; des passages en percussions, ou utilisant des parties inhabituelles des instruments, la pique, les attaches des cordes, etc. ; Courtois utilisera un moment deux archets ; mais globalement, frotter les cordes avec le crin (qui en sera bien fatigué !) et pinçant les cordes de l'autre main restera le mode privilégié. Cela suffira à parfois faire entendre un instrument comme électrifié (par un jeu tout en double corde), parfois proche d'une vielle (en sons crissants et répétitifs). Le tout avec beaucoup d'humour, d'énergie, et de plaisir.

A la fin, Courtois commence à démonter son violoncelle, jouant sans la pique (résonance plus grave !), puis détachant une corde, laissant tomber une clé. Après ça, c'est sur, il n'y aura pas de bis supplémentaire !

Spotify: Joëlle Léandre – Live In Israel, Vincent Courtois + Ze Jam Afane – L'homme Avion, Jean-Pierre et Marie Mouhaud – Départ (un disque mêlant improvisations contemporaines, et pièces baroques pour viole de gambe et basse continue)
Ailleurs: un set de photos sous Flickr

Stravinski Poppe (Cité de la Musique - 12 Janvier 2010)

2011-01-15T10:55:00.003+01:00

Igor Stravinski - Octuor

Le livret cite un extrait d'article écrit par Stravinski en 1924 :

Mon Octuor est un objet musical. [...] Mon Octuor n'est pas une oeuvre faisant appel à "l'émotion", mais une composition musicale fondée sur des éléments musicaux qui se suffisent à eux-mêmes.

L'humour léger est-il une émotion, ou un élément musical ? Il abonde dans cette pièce, qui varie les atmosphères, marche débonnaire, fanfare de cirque aux truculences tranquilles, dialogues impromptus, comme improvisés, tout ça vif et charmant, interprété bien sur impeccablement par l'EIC dirigé par Mälkki.

Enno Poppe - Markt

A l'EIC s'adjoint l'Orchestre du Conservatoire de Paris. A la première écoute de Poppe, je l'avais identifié comme compositeur à suivre. Mais j'en suis plutôt déçu, il me semble. De cette pièce, j'aime le concept, un zoom en trois étapes dans une structure relationnelle qui apparaît chaotique à prime abord (bribes de cellules musicales hachées et fragmentées), puis où l'on distingue des rapports et des lignes (la partie la plus intéressante, entre mystères et explications claires), puis où tout devient compréhensible. Cette dernière partie, la plus longue, devient malheureusement ennuyeuse rapidement, avec une mélodie inlassablement répétée de pupitre en pupitre, et des percussions en fond sonore brouillant les tempi et agressant l'orchestre sans originalité. Un gros bof.

Igor Stravinski - Le sacre du Printemps

Susanna Mälkki connait parfaitement les limites de la grande salle de la Cité de la Musique, ce qui lui permet de contenir juste comme il faut la potentielle puissance destructrice du grand orchestre étalé devant elle, qui ne tenant pas sur la scène est disposé à même niveau que le public. Elle maintient aussi une tenue rythmique parfaite. La fougue des jeunes musiciens encadrés par les vétérans de l'EIC fait le reste : une interprétation pleine d'énergie mais pas trop, qui pétille de détails, sans que jamais la ligne générale ne soit oubliée, et qui coule de source d'un bout à l'autre.

Ailleurs: ConcertoNet
Spotify: Esa-Pekka Salonen – Stravinsky: Pulcinella; Ragtime; Renard; Octet (pour le Sacre, vous connaissez déjà, je remets le lien vers une reconstitution de la soirée de création)

Michel Portal Sextet (Salle Pleyel - 9 Janvier 2011)

2011-01-13T20:55:00.002+01:00

Le Sextet profite de la vaste scène de la salle Pleyel pour se déployer largement, le guitariste Lionel Loueke d'un coté, le pianiste Bojan Z de l'autre, le contrebassiste Scott Colley et le batteur Jack DeJohnette un peu en arrière, et le centre occupé par le trompettiste Ambrose Akinmusire et le clarinettiste (et parfois saxophoniste, pas de bandonéon ce soir) Michel Portal.

Ca commence par la guitare de Loueke, son sec, proche de la kora, puis rythme de bouche, et DeJohnette vient compléter la frise percussive joyeuse et subtile. Assez rapidement, après le chorus d'ensemble, certains des joueurs se taisent, et on a droit à un beau trio piano-batterie-contrebasse. Il y aura plus tard un magnifique duo clarinette-guitare. Et des solos, bien sur. Les talents sont suffisamment nombreux sur cette scène pour que de multiples configurations soient possibles, et elles seront bien exploitées.
Je ne sais pas pourquoi, le jeu de Jack DeJohnette ce soir ne me fait ni chaud ni froid, ses solos me semblent peu inspirés, je ne ressens aucun frisson particulier à l'écouter. Il fournit une couche rythmique sans défaut, mais sans mystère à mon goût.
Je trouve plus de plaisir dans les solos de Scott Colley (profond, indéracinable), c'est dire !
Bojan Z reste discret, en soutien le plus souvent, au piano plus qu'aux claviers électroniques, et en accords plus qu'en clusters, loin de ses explorations jazz-rock dans son propre groupe. On peut constater qu'il a gardé la même classe absolue quand il s'agit de plus prendre la parole, même dans ce registre plus africain que balkan.
Afrique invoquée entre autre par le guitariste Lionel Loueke, lui aussi par moment très discret, puis balançant entre sonorités électriques disons classiques et d'autres beaucoup plus sèches et percussives.
Et à coté du maitre d'oeuvre Michel Portal, toujours lyrique, généreux, jonglant entre les différentes hanches, la révélation du soir est le trompettiste Ambrose Akinmusire, étincelant, un peu crispé lors du premier solo, comme frustré de ne pas parvenir à souffler les notes aigües qu'il semble chercher, puis bien relâché, présence scénique sobre, et jeu lumineux, évident, enthousiasmant.
Comme je suis au milieu du troisième rang, très proche de la scène donc, les deux souffleurs mangent un peu le son du pianiste et du guitariste. L'écoute sur ArteLiveWeb me donne du coup des impressions assez différentes de celles ressenties le soir même !

Après le bis initial normal, les musiciens poussent Portal sur scène puis l'y abandonnent, et il se soumet à l'exercice du solo, un classique vues les réactions de la salle, et absolument magnifique.

Ailleurs: Klariscope, Native-Dancer

Spotify: Michel Portal – Bailador, Ambrose Akinmusire – Prelude ... To Cora, Lionel Loueke – Mwaliko

Les Dissonances - Musique soviétique (Cité de la Musique - 7 Janvier 2011)

2011-01-11T20:36:00.002+01:00

De nouveau, un colis suspect ligne 5 provoque un début de concert dans une salle un peu vide, qui sera bien comblée dès l'ouverture des portes à la fin du premier morceau.

Valentin Silvestrov - Quatuor à cordes n°1

Etrange pièce, comme hors du temps. Du temps historique, d'abord, avec cette mélodie pleinement tonale qui dérape, part dans le chuchotement bruitiste, puis repart, hésite entre les époques, difficile à dater. Ecrite en 1974, elle ne se place guère dans un courant musical, creuse son propre style. Hors du temps narratif, également. Lenteur presque imperturbable, quelque-chose de statique, de contemplatif, même quand le rythme accélère, c'est dans une retenue tendant vers l'abstrait, avec des structures originales, des doublons de duos, les violons ne faisant que ponctuer un assez envoutant duo alto-violoncelle, par exemple. Une belle découverte.

Dmitri Chostakovitch - Symphonie de chambre op. 110a

Finalement, il est préférable de lui donner ce titre, plutôt que dire qu'il s'agit de la transcription pour orchestre à cordes du quatuor n°8. Parce que le visage est largement différent. Moins poignant (à la limite du soutenable, tant la dose de désespoir est forte dans ce quatuor !), et plus de matière symphonique, où on reconnait plus aisément les citations, qu'elles viennent des symphonies de Chostakovitch lui-même, ou d'autres compositeurs. Le DSCH omniprésent digère tout cela, et unifie le propos, en autoportrait écrit comme une épitaphe. Mais cette transformation orchestrale fonctionne moins bien sur les passages lents, où les coups d'archets à l'unisson strident sonnent inutilement spectaculaires, quand le texte est au dénuement et à l'introspection mortifère. Intéressant, mais moins essentiel que la version originale.

Alfred Schnittke - Concerto grosso n°1

Piano aux aigus préparés et jouant une mélodie métallisée et aux graves laissés naturels et ponctuant en percussions résonnantes, puis les cordes se réveillent peu à peu, et surgissent les deux violons solistes. Cette fois, David Grimal est debout, accompagné de Hans Peter Hofmann, qui au milieu de la toccata casse une corde. Grimal plaisante avec le public pendant que Hofmann répare à toute vitesse. Je retrouve dans ce concerto l'humour grinçant de Schnittke, mais l'ensemble ne m'emballe pas, sans que je sache si c'est la mise en place par les Dissonances qui manquerait de précision, ou si c'est la musique qui serait encore trop timide dans ses audaces, qui propose par exemple une course-poursuite haletante entre les deux violons finalement assez classique, mais l'encombre de dérives plus avant-gardistes sans parvenir à une cohérence. D'autres concertos grossos (le cinquième par exemple) m'auront autrement accroché et transporté.

Spotify : Rosamunde Quartett – Silvestrov: Leggiero, Pesante, Constantine Orbelian – Shostakovich : Chamber Symphony / Schnittke : Piano Concerto, Chamber Orchestra of Europe & Heinrich Schiff – Schnittke: Concerto grosso No.1

Planning Janvier - Février 2011

2011-01-01T17:49:00.002+01:00

Un programme pas trop chargé, qui me permettra j'espère de retourner au Triton (par exemple : 14/01, 27/01, 03/02, 10/02 ...).

Date - Lieu - Intitulé
07/01/2011 - CdM - Les Dissonances
09/01/2011 - Ple - Michel Portal Sextet
12/01/2011 - CdM - Stravinski / Poppe
19/01/2011 - Abs - Ea Sola
29/01/2011 - CdM - Solistes EIC
06/20/2011 - TdV - AT De Keersmaeker
11/02/2011 - CdM - Anderson Carter Saariaho
17/02/2011 - CdM - Superman Cine-Mix
23/02/2011 - TdV - Ballet de l'Opéra de Lyon
25/02/2011 - CdM - EIC / Synergy Vocals

Cinéma 2010

2011-01-01T17:33:00.004+01:00

C'est clair, je tourne désormais à peine au-dessus des 30 films par an, loin des 50 et plus d'il y a quelques années (73 en 2003, fichtre !).

Tetro ; A Serious Man ; Le Refuge ; Sherlock Holmes ; Le Guerrier silencieux+ ; Shutter Island+ ; The Ghost-Writer ; Soul Kitchen+ ; Alice au Pays des Merveilles- ; Les Invités de mon père ; Mammuth ; Iron Man 2- ; Life During Wartime+ ; Kick-Ass+ ; Dans ses yeux- ; L'Agence tous risques ; Tournée ; Toy Story 3+ ; Inception ; Un poison violent ; Poetry+ ; Salt- ; Des hommes et des dieux ; The Town ; Moi, moche et méchant- ; Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu ; The Social Network+ ; Au fond des bois+ ; Biutiful ; Potiche ; Le Nom des gens+

Fosse Chéreau - Rêve d'automne (Théâtre de la Ville - 15 Décembre 2010)

2010-12-17T10:12:00.005+01:00

Le premier choc, c'est le décor, de Richard Peduzzi bien sur, si habituel complice de Chéreau, qui déborde presque sur les sièges (les rangées les plus basses ont du coup disparu) et sur l'entrée des spectateurs, qui doivent s'y faufiler : il s'agit de la transcription de quelques salles du Louvre (où ce spectacle a connu sa naissance), aux hauts murs rouges, ouverts de portes aux dimensions majestueuses, et aux hauteurs habitées de morceaux de tableaux.
Là arrive un homme, Pascal Grégory, être paumé qui s'allonge et s'endort ; puis une femme, Valeria Bruni-Tedeschi, qui voyant l'homme panique, puis l'approche et le réveille. Là intervient le deuxième choc, celui du texte. Mais celui-ci est plutôt négatif : rempli de répétitions sans qu'en naisse de la musique, de remarques philosophiques sans que s'en dégage du sens, il me semble creux, ennuyeux. Le long dialogue de la retrouvaille de ces deux-là me fait craindre le pire, s'il faut subir cela pendant presque deux heures ...
Mais heureusement viennent les rejoindre sur scène d'abord d'autres corps, au statut ambigu : sont-ce des fantômes, puisque cette rencontre se passe, pour ce qu'en dit le texte, dans un cimetière ? Des personnifications des souvenirs et des regrets ? Ou des personnages plus réels ? Selon les moments, on passera d'un de ces états à un autre, dans un flottement très beau, et qui lié au travail sur le corps, est une des principales forces de ce spectacle.
Lorsque débarquent les parents de l'homme (Bulle Ogier, à la bienveillance captatrice, et Bernard Verley, bloc de silence vieillissant) puis son ex-femme et son fils décédé, cela devient plus une comédie familiale, une peinture méchante des réunions de famille pas vraiment conviviales.
Dans le temps qui se bouscule, des années passant sans que cela soit dit et sans qu'on quitte ce lieu unique, les corps s'agrippent puis se fanent, la grand-mère déchausse avec une infinie délicatesse son fils tombé au sol, puis couvre d'un mouchoir les visages de tous ces hommes morts les uns après les autres, les femmes toutes debout se rejoignent, "il est l'heure d'y aller", dit la grand-mère jusqu'ici muette, et s'en vont vers les coulisses, magnifique final d'une pièce dont je n'ai pas du tout aimé le texte, mais sauvée en partie par la mise en scène de Patrice Chéreau, par le décor, par le travail sur les corps des comédiens.

Ailleurs: Luce, Trois coups

Donatoni Grisey Robin (Cité de la Musique - 14 Décembre 2010)

2010-12-16T11:36:00.003+01:00

Franco Donatoni - Flag

De petites cellules mélodiquement simples et rythmiquement très marquées se superposent et se succèdent en faisant comme si elles racontaient une histoire, mais dans laquelle je n'entre pas. La virtuosité de l'EIC est bien exploitée (beaucoup de pupitres ont leur moment de gloire, façon concerto de chambre), mais je m'ennuie pas mal.

Gérard Grisey - Jour, Contre-jour

Susanna Mälkki laisse le silence s'installer longuement, puis d'un signe demande aux techniciens de lancer la bande, tandis que la lumière sur scène se réduit à un spot. Nous avons donc le voyage du soleil dans le ciel, de l'aube au crépuscule, avec le jeu des ombres traduit en compléments harmoniques. On commence par du violoncelle accompagné d'électronique aigüe, on passe à un zénith tout vibrant de couleurs et de transparences comme un mirage dans le désert, on retourne au soir vers un violoncelle accompagné d'électronique grave, c'est lent, une sorte de voyage mental plus introspectif que spectaculaire, sans doute pas un Grisey majeur, mais du Grisey quand même ...

Yann Robin - Vulcano

Je ne connaissais Yann Robin que par extraits et émissions radio, et l'avais identifié dans le secteur "bruitiste énervé". S'attaquer au thème Vulcain / volcans semblait donc assez naturel. De fait, beaucoup d'instruments dans les graves, beaucoup de percussions, et que ça vrombit, que ça gronde, que ça érupte et que ça explose ... Mais tout ça est un peu court, et ne suffit guère à peupler de façon intéressante la grosse demi-heure d'une oeuvre qui, en dehors de quelques passages plus surprenants, comme une rythmique pataude éclairée de saveurs exotiques, n'offre guère qu'un mélange peu original de Varèse et de Xenakis.

Bach / Gardiner (Cité de la Musique - 4 et 5 Décembre 2010)

2010-12-06T22:14:00.005+01:00

Quel Week-end ! Je ne devais assister qu'au concert du Dimanche, et puis l'occasion s'est présentée d'y être également le Samedi, et ce fut donc un festival.

Pour fêter les 10 ans de son Bach Cantata Pilgrimage, Sir John Eliot Gardiner tourne avec son époustouflant Monteverdi Choir et ses excellents English Baroque Soloists, et nous présente, fidèle à la philosophie du pèlerinage, quelques cantates de l'Avent, qu'il complète de quelques concerti.
Je m'aperçois grâce à ce blogue que j'ai déjà vu Gardiner il y a 3 ans, dans un programme Brahms. Je n'en avais guère de souvenirs. Cette fois, j'apprécie davantage son art de diriger, sans baguette, mais très différent de Boulez, plus souple disons, souvent presque chorégraphique, et très expressif, de tout le corps, pas seulement du doigt et de l'oeil !

BWV 61 - Cantate "Nun Komm, der Heiden Heiland"

Ca c'est de l'entrée en matière, magnifique choeur initial, rythmes et tuilages. L'orchestre est essentiellement composé de cordes, avec orgue et clavecin, et de rares et momentanés vents. Le violoncelle qui accompagne les récitatifs sera de bout en bout formidable, support souple et tout confort. Les solistes sortent simplement des rangs du Monteverdi Choir. Le plus formidable est la basse Jonathan Sells, qui dans un récitatif ténu à peine souligné de pizzicati impose un silence et une attention rare du public. Enfin, pour une fois, le choral final est complexe et tout effervescent !

BWV 1060a - Concerto pour violon et hautbois

Très belle prestation de Michael Niesemann, hautbois, et de Kati Debretzeni, premier violon soliste. Ce sont les mouvements allegro qui me séduisent le plus, échanges joyeux et fluides du premier, et rythme effréné du troisième, qui tricote sévère de l'archet ! Puis la violoniste rejoint paisiblement son siège pour reprendre ...

BWV 151 - Cantate "Süsser Trost, mein Jesus kömmt"

Si toutes les voix féminines ne m'emballent pas ce soir, celle de la soprano Zoe Brown fait exception, qui s'épanouit angéliquement dans les longues notes de l'air initial, ornée d'une flûte d'une exquise et douce volubilité. 10 minutes de berceuse d'une beauté confondante. Contraste saisissant quand la basse se précipite pour la remplacer, sautant théâtralement dans l'action, tant scéniquement que musicalement.

BWV 70 - Cantate "Wachet! Betet! Betet! Wachet!"

Voilà une cantate pleine de couleurs, qui démarre par un choeur haletant et l'ajout d'une trompette (baroque, bien sur, un instrument d'une surprenante sobriété d'aspect). L'autre point fort sera le récitatif et air de la basse, alternant entre éclats cataclysmiques à l'orchestration particulièrement furieuse (on parle du jour terrible de la fin du monde ...), et apaisements souverains ("lieu où la joie abonde") ; on est vraiment à l'opéra !

BWV 140 - Choeur "Wachet auf, ruft uns die Stimme"

Et puis, un bis. Et quel bis. Le sommet de la soirée. Comme une bouteille de vin de Cana. Gardiner fait venir sur scène quelques chanteurs qui l'avaient accompagné dans le Pélerinage en 2000, et tous entament ce choeur avec une somptuosité, une grandeur, un équilibre des lignes, un élan, une générosité, qui coupe le souffle et donne la chair de poule. Un moment rare, l'impression d'être transporté ailleurs, un air sublime sublimé par l'interprétation.
"Et voilà" conclut Gardiner dans le silence héberlué, avant le tonnerre d'applaudissement.

BWV 1052 - Concerto pour clavecin

Le concert du dimanche s'équilibre entre cantates et concerti pour clavecin, dirigés depuis son clavecin par Robert Levin, ce qui nous prive de la gestuelle de Gardiner ... Dans ce premier concerto, je reconnais bien le premier mouvement, utilisé en sinfonia avec orgue en introduction de la cantate BWV 146, plus intimiste au clavecin, mais néanmoins très marquante, avec ces airs vigoureux et conquérants et ce solo brillant et incisif. Le troisième mouvement aussi sera repris en sinfonia, dans la cantate BWV 188.

BWV 146 - Choeur "Wir müssen durch viel Trübsal"

C'est la partie pédagogie du concert, qui sera plus bavard que la veille. Gardiner et Previn, tous deux en français, expliquent les reprises par Bach d'une pièce à une autre, et l'illustrent par ce choeur qui reprend le deuxième mouvement du concerto précédent. L'orchestration est effectivement plus différente que s'ils avaient choisi une des sinfonia, qui aurait plus été redondante. Mais je ne suis pas convaincu par cette pièce, qui a des difficultés à trouver son équilibre, entre le choeur lent, les cordes discrètes, et un orgue presque intempestif, et ce pour un air qui ne me touche pas.

BWV 243a - Laudes du Magnificat

Le bien connu Magnificat BWV 243 est issu d'un Magnificat de Noël BWV 243a, qui comprenait quatre courtes pièces spécialement écrites pour Noël, et que Bach a ensuite supprimées pour utiliser cet opus à d'autres occasions. Choix curieux que de nous donner ainsi ces quatre pièces isolées de leur contexte. C'est joli, soit, mais un peu court.

BWV 36 - Cantate "Schwingt freudig euch empor"

C'est une grande cantate en deux parties, qui seront ici séparées par le concerto pour clavecin 1053, et sans récitatifs. Le choeur initial est une petite merveille de vitalité, masquant la virtuosité acrobatique sous une limpidité très désaltérante (ça tombe bien, le bar était fermé pendant l'entracte ...). Si c'est bien un hautbois d'amour qui accompagnait le ténor dans son air, alors c'est la preuve que cet instrument peut jouer juste, et qu'alors c'est beau, un de ces airs tout simples, étagé entre les ponctuations de l'orgue et du violoncelle, la ligne déroulée par le chanteur, et les volutes ajoutées par le hautbois.
Dans la deuxième partie, j'attendais l'air de basse, mais c'est le choeur suivant, par les ténors seuls, en longues notes tenues au-dessus du tumulte bouillonnant de l'orchestre, qui m'emporte. La berceuse suivante, malgré le violon de Debretzeni, me fait moins d'effet que celle de la BWV 151.

BWV 1053 - Concerto pour clavecin

Cette fois-ci, c'est l'air lent du mouvement central, une sicilienne, que je préfère, et qu'on peut retrouver dans la cantate BWV 169.
Comme la veille, ils finiront par le choeur de la BWV 140, mais cette fois-ci sans les chanteurs supplémentaires, et l'effet est moindre. On s'habitue trop vite au prodigieux.

Spotify: The Monteverdi Choir, The English Baroque Soloists, John Eliot Gardiner – Bach Cantatas Volume 13 (BWV 61, 62, 36, 70, 132, 147), Johann Sebastian Bach – Bach: Oboe Concertos, The Monteverdi Choir, The English Baroque Soloists, John Eliot Gardiner – Bach Cantatas Vol. 15 (BWV 64, 151, 57, 133), Nikolaus Harnoncourt – Bach: Cantatas BWV 29, 61 & 140, The Academy of Ancient Music & Christopher Hogwood – Bach: Harpsichord Concertos, Triple Concerto, Gächinger Kantorei Stuttgart – The Complete Bach Edition Vol. 140 - Sacred Vocal Works - Magnificat In E-Flat Major, Etc.

Bach Cantata Pilgrimage : intégrale ou pas ?

2010-11-29T22:15:00.003+01:00

Pour commémorer les 250 ans de la disparition de Johann Sebastian Bach, John Eliot Gardiner eut cette idée folle d'enregistrer pendant l'an 2000 toutes les cantates sacrées, en jouant chaque semaine dans une église différente les cantates écrites pour cette semaine-là. Le tout fut enregistré, puis diffusé par un label conçu à cette occasion, Soli Deo Gloria.
Les derniers volumes viennent de paraitre, accompagnés d'un dépliant permettant de retrouver quelle cantate est sur quel disque, et d'un site Web CantataFinder qui permet d'identifier une cantate à partir d'un extrait de texte.

On peut alors s'apercevoir que les 27 volumes de ce pèlerinage parus chez SDG ne contiennent que 165 cantates, sur un corpus de 200 numéros (BWV 1 à BWV 200). Où sont les autres ?

Il faut en fait compléter ces 27 volumes par 6 CD "Deutsche Grammophon Archiv" :
- Cantates pour le jour de l'Ascension (11, 37, 43, 128)
- Cantates pour le 3ème dimanche après l'Epiphanie (72, 73, 111, 156)
- Cantates pour la fête de la Purification de Marie (82, 83, 125, 200)
- Cantates pour le 9ème dimanche après la Trinité (94, 105, 168)
- Cantates funèbres (106, 118, 198)
- Cantates pour le 11ème dimanche après la Trinité (113, 179, 199)

Cela nous amène à 186 cantates. Il en manque encore 14. Mais ces dernières sont des erreurs de classification, des cantates qui soient ne sont pas de Bach, soit ne sont pas vraiment sacrées.
- BWV 15 : composition de Johann Ludwig Bach
- BWV 29 : élection du conseil municipal de Leipzig (1731)
- BWV 53 : composition de Georg Melchior Hoffmann
- BWV 119 : élection du conseil municipal de Leipzig (1723)
- BWV 120 : élection du conseil municipal de Leipzig (1728 ou 1729)
- BWV 141 : composition de Georg Philip Telemann
- BWV 142 : composition de Johann Kuhnau
- BWV 157 : cantate funèbre pour Johann Christoph von Ponickau (1726)
- BWV 160 : composition de Georg Philip Telemann
- BWV 189 : composition de Georg Melchior Hoffmann
- BWV 193 : élection du conseil municipal de Leipzig (1738)
- BWV 195 : cantate de mariage
- BWV 196 : cantate de mariage
- BWV 197 : cantate de mariage

Et si vous voulez d'autres intégrales de ces cantates sacrées de Bach, Ulyssestone en a sélectionné plusieurs disponibles sur Spotify.

Rihm Dufoury Kourliandski Mantovani (Cité de la Musique - 27 Novembre 2010)

2010-11-29T20:40:00.003+01:00

Wolfgang Rihm - Gejagte Form (version 1995/1996)

J'aime bien tout ce cycle, il me semble, des "formes chassées" de Rihm. On retrouve cette course parfois trépidante, ici initiée par un quatuor de flûtes et de clarinettes, à peine souligné de harpe, puis rejoint par des bouffées orchestrales, qui s'organise ensuite en multi-couches. Différents climats se succèdent, plus étals cependant que dans d'autres pièces de ce cycle, on a le temps de s'installer, même si la pulsation rythmique nous entraine toujours. C'est vif, parfois cinématographique, avec même du suspense, et une fin en cliffhanger.

Hugues Dufourt - Les Chasseurs dans la neige

Comme il y a un écran au-dessus de la scène, ils y projettent en introduction l'image de la peinture de Bruegel. Le rythme est moins trépidant que chez Rihm (et c'est pourtant l'une des plus vives du cycle "Les Hivers" de Dufourt !). On ressent la fatigue des chasseurs, le froid, l'attente ponctuée de mini-événements dramatiques. Je ne sais pas si Mantovani ne s'ennuie pas un peu en dirigeant cette musique très éloignée de la sienne. Dans les nombreux musiciens venus compléter l'EIC, il y a une bien jolie violoniste russe, qui aide à faire passer les longueurs.

Dmitri Kourliandski - Objets impossibles I et II

Ce sont ces pièces qui justifient le mieux le thème "Art total" de ce concert, qui ont reçu le plus de publicité sur les réseaux sociaux (la salle est bien pleine, d'ailleurs ...), et qui s'avèrent les plus mauvaises de la soirée, et j'espère de l'année. Il faut près d'un quart d'heure pour changer le plateau, avec des loupiotes sur chaque pupitre, puisque l'orchestre sera dans l'obscurité, afin qu'on puisse passer de la vidéo sur le grand écran. La musique est en effet transcrite en temps réel en animation informatique : d'où l'aspect art total. Sauf que c'est d'une pauvreté qui fait pitié. La musique ne semble composée que de quelques éléments à peine variés pendant un bon quart d'heure (pour l'objet 1, des cordes qui claquent à vide, des vents qui vrombissent soufflent et hululent, et des percussions très métalliques ; pour l'objet 2, des trucs qui grincent et qui raclent, et des machins qui geignent et qui couinent), et que cela est traduit sur l'écran de manière simpliste (l'objet 1 est une scène d'architecture, avec des poutres qui s'illuminent quand claquent les cordes, et des murs qui se déstructurent quand vrombissent les vents ; l'objet 2 est une sculpture de planches de bois enchevêtrées qui bougent, avec des boules facettées qui se forment et évoluent aux points de convergence). Et c'est tout. On a l'impression d'une démonstration, peut-être d'un "proof of concept". Sauf que j'ai vu plus intéressant sous Winamp ... Utiliser les moyens de l'EIC pour un si piètre résultat, c'est vraiment du gâchis.
Et là, incroyable, presque inouï, à la Cité, une création de l'EIC, est huée par une partie du public ! Ouf.

Bruno Mantovani - Concerto de chambre n°1

Concerto pour orchestre de chambre, qui multiplie les interventions solistes virtuoses (bravo à Jérôme Comte pour le solo de clarinette), dans une structure où le compositeur dit tenter de renouveler sa manière d'écrire de la musique, et qui perd du coup en originalité et en identité, pour rejoindre le bataillon d'oeuvres en pleins et en déliés, avec des tutti et des soli, des moments d'attentes et des moments de frénésie, comme écrit un peu tout le monde. De beaux passages individuels, mais des alliages sonores moins intéressants que d'habitude.

Ailleurs: Le concert est disponible pendant quelques mois sur Cité de la Musique Live.
Spotify: Minguet Quartet – Rihm: 4 Studien Zu Einem Klarinettenquintett - 4 Male, Ensemble Modern – Hugues Dufourt: Les Hivers, Ensemble Alternance – Mantovani: D'un rêve parti

David Lescot - L'instrument à pression (Théâtre des Abbesses - 26 Novembre 2010)

2010-11-28T11:56:00.005+01:00

Un spectacle flottant entre théâtre et Jazz, un affrontement entre Jacques Bonnaffé et Médéric Collignon, l'idée était fort séduisante, et a attiré suffisamment de monde pour que des séances supplémentaires à 18h soient rapidement proposées. Sauf que depuis, Collignon souffrant d'une hernie discale a déclaré forfait, et une telle personnalité n'est tout simplement pas remplaçable sur la piste.
Ce n'est pas que son remplaçant Virgile Vaugelade démérite particulièrement : on ne peut pas lui demander de posséder la même intensité charismatique, la même démesure extravertie, que Collignon. Mais du coup, le spectacle n'est certainement pas celui auquel avait pensé David Lescot et Véronique Bellegarde.
L'histoire : un "souffleur de biniou" qui veut se frotter au Jazz rencontre un professeur qui lui enseigne le souffle et quelques B A BA, se confronte à d'autres musiciens dans des clubs de Jam, s'éprend d'une contrebassiste qui fascinée un temps prend peur et s'enfuie, et se radicalise dans une recherche Free qui l'éloigne de tous.
La mise en scène consiste en une série de tableaux, parfois musicaux, fondus enchainés, commentés par les comédiens/musiciens (Philippe Gleizes habituel batteur de Collignon, David Lescot trompettiste et guitariste, Odja Llorca qui chante et mime la contrebasse) dans une sorte de voix off polyphonique. Il y a aussi de la vidéo, créée/manipulée en direct par Olivier Garouste.
Il y a de l'humour (le spectateur qui veut à tout prix qu'on lui joue "Le lion est mort ce soir"), de l'émotion (la première nuit entre le héros et la contrebassiste), de beaux moments (le club de Jam vu comme un ring de boxe), mais la folie Médéric manque, et le tout devient du coup un peu fade, pas vraiment raté, mais sans grand intérêt.

Ailleurs: Amelie Blaustein Niddam
Spotify: Médéric Collignon – Shangri Tunkashi-La, Bruno Dumont – La Vie De Jésus

Sylvie Courvoisier Mark Feldman Quartet (Sunset - 21 Novembre 2010)

2010-11-25T21:57:00.003+01:00

Dans ce concert, ceux que je venais voir étaient les meneurs, Sylvie Courvoisier et Mark Feldman. Leurs acolytes a priori ne m'intéressaient guère. Erreur ! C'est un vrai quartet hors-normes, où tous ont un impressionnant background, et savent créer une musique sans guère de pareille.

Vu le savoir-faire classique du viloniste et de la pianiste, on se dit qu'ils n'ont pas vraiment besoin d'une paire rythmique pour leur indiquer le tempo. Et de fait, ils s'en abstiennent. Le batteur Gerry Hemingway, qui a longtemps joué dans le fabuleux Quartet d'Anthony braxton avec Dresser et Crispell, exerce plus ses talents de percussionniste, proposant une sorte de brouillard coloré de brisures de rythmes, un halo flottant et scintillant, qu'il densifie quand il faut jusqu'au martellement d'une impressionnante compacité.
A ses cotés, le contrebasse Thomas Morgan, que j'avais déjà dans les Five Elements de Steve Coleman, joue les tous-terrains. Par moments complétant et charpentant le flou incandescent du batteur, puis doublant note à note les lignes du violoniste, puis se lançant dans des solos vigoureux ou en corde raide.

C'est Feldman qui se présente face au public, annonce en français les morceaux, et généralement mène la barque le plus souvent. Son jeu est toujours mélodique, limite post-romantique, avec des envolées où les cordes aigües pleurent des plaintes déchirantes, avec quelques effets de jeu, avec souvent des lignes répétées au-dessus du flux mouvant de ses partenaires.
Quand à Courvoisier, la voir jouer est un plaisir à chaque instant renouvelé, tant elle jongle avec tous les jeux possibles du piano, énonçant une suite d'accords plaqués gentiment, quand soudain la main droite part papillonner dans les aigus pour un pépiement étourdissant de rapidité, ou bien la main gauche part dans les cordes graves pour des pizzicati grondants, puis elle se lève et joue dans la caisse avec de grosses billes qui créent un rythme auquel le batteur répondra à sa manière, et tout cela avec une assurance et un naturel qui donnent le sentiment que chacune de ses interventions est juste nécessaire et adéquate.

Les morceaux sont longs, remplis d'espaces d'improvisations, avec des retours, des façons de couplets entre des sortes de refrains, des départs, vers on ne sait trop où, on est entre musique classique de chambre d'avant-garde et free-jazz sans son coté facilement agressif.
Deux sets pas très longs, mais intenses en émotions, en surprises, en écoute et en dons. Un grand grand concert.

Ailleurs: Native Dancer
Spotify: Sylvie Courvoisier & Mark Feldman – Oblivia, Sylvie Courvoisier & Mark Feldman & Erik Friedlander – Abaton, Steve Coleman & Five Elements – Weaving Symbolics, Anthony Braxton & Gerry Hemingway – Old Dogs (2007)

Simon McBurney - Shun-kin (Théâtre de la Ville - 20 Novembre 2010)

2010-11-23T21:52:00.005+01:00

De Simon McBurney et de sa troupe Complicité, j'avais déjà vu il y a quelques années The Elephant Vanishes, autour de nouvelles de Murakami. Cette fois, c'est une nouvelle de Tanizaki qui sert de matériel.
L'histoire est simple : la relation sado-masochiste entre une joueuse de Shamisen aveugle et son serviteur plus âgé de quelques années, lui la vénérant, elle le battant et l'humiliant à tous prétextes. Lorsqu'une nouvelle attaque criminelle la laisse défigurée, il se crève les yeux pour l'assurer ne jamais regarder son visage ravagé.
Simon McBurney aime les mises en scène spectaculaires. Ici, sur un plateau rempli d'ombres, il crée les lieux à l'aide de quelques planches et manches de bois, qui en constantes reconfigurations évoquent des portes, des arbres, des jardins. Des projections aident à l'envol des alouettes. Les diverses formes classiques de l'art théâtral japonais sont convoquées, du bunraku pour la marionnette figurant Shun-Kin enfant, du kabuki dans certaines modulations vocalisées, etc. Un joueur de Shamisen joue en arrière-plan. Certains moments sont absolument magiques, comme le passage de Shun-kin à l'age adulte, où simplement l'une des marionnettistes, dans une scène de colère contre son amant-serviteur Sasuke, se lève soudain, jette la poupée au loin, et voilà, c'est elle maintenant qu'il habille d'un magnifique kimono, et qui devient Shun-kin.
Simon McBurney entoure ce récit cruel et profond d'autres points de vue qui l'enrichissent. L'auteur Tanizaki est là, qui écrit ce texte après une blessure amoureuse et suit de près l'évolution de ses personnages ; Sasuke vieux les regarde aussi, attendri par l'évocation de cet amour qui aura été toute sa vie ; une actrice radio, invitée à réciter le texte pour la NHK, fournit la voix-off, ainsi que des pauses plus comiques, et un écho actuel à cette histoire, en téléphonant à son amant, qu'on comprend plus jeune qu'elle.
Le sous-titrage est excellent, doublé au-dessus de la scène et à hauteur du sol. Certaines particularités du spectacle ne sont clairement accessibles qu'au plus japonisants du public, comme cet affichage du texte à certains moments pour permettre de goûter aux subtilités des niveaux de langage utilisés. Ca tombe bien, il y a beaucoup d'asiatiques dans l'assistance !
Le seul bémol à ce spectacle magnifique est dans le choix de Yoshi Oida pour jouer le rôle de Sasuke vieux, qui est si emblématique de Peter Brook, que je ne peux m'empêcher d'essayer d'imaginer ce que lui aurait fait de cette pièce. Cela aurait sans doute été moins spectaculaire, mais peut-être encore plus profond ...

Ailleurs : Allégro Théâtre, Rue du Théâtre, Armelle Héliot, Palpatine ...

Einstürzende Neubauten - 30 ans (Cité de la Musique - 16 Novembre 2010)

2010-11-17T22:00:00.003+01:00

C'est la troisième fois que je vois les Neubauten en concert, et la dernière fois remonte à pas mal de temps. Certains musiciens sont partis, les restants ont vieilli. La musique n'est plus cette coulée de bruit rageur et assourdissant, mais propose des ambiances plus calmes, apaisées serait peut-être insultant.
La première chanson est un excellent début : "The Garden", en montée lente d'émotion, la basse trop forte de Alexander Hacke (réglé au bout de 10 minutes), des cordes jouées au synthé, la voix toujours envoutante de Blixa Bargeld, des percussions presque légères, une entrée en matière en douceur. Le problème c'est qu'on restera un peu trop dans ces ambiances lentes. L'énergie reste latente, le son globalement très propre, la mise en place impeccable, et impressionnant le ballet des techniciens qui entre les morceaux déplacent quelques bidons tuyaux ou râteliers pour le compte de N.U. Unruh. Mais entre deux explosions du genre "Die Interimsliebenden", ou "Let's Do It A Dada" suivi de "Haus der Lüge" (magistral ! le clou de la soirée !), on s'ennuie un peu ...

Ailleurs: Good Karma
Le concert filmé est disponible pour quelques semaines sur ArteLiveWeb et sur CitéDeLaMusique, où on peut admirer plus facilement qu'au concert lui-même le disparate maitrisé des instruments assemblés ou fabriqués.
Spotify: Strategies Against Architecture Vol 1 80-83, Vol 3 1991-2001, Vol 4 2002-2010.

Alexandra Grimal - Adrien Mondot (Atelier du Plateau - 13 Novembre 2010)

2010-11-14T13:01:00.003+01:00

Alexandra Grimal aime les rencontres. Comme Marc Ducret, je ne l'ai jamais vu deux fois dans la même formation. Invitée régulièrement à l'Atelier du Plateau (elle y sera de nouveau en Mars en compagnie de Bruno Chevillon), elle propose une collaboration originale avec Adrien Mondot, présenté comme "jongle / arts numériques".
Elle commence seule, solo de saxo soprano, musique sinueuse et lentement envoutante, très charmeuse de serpents. Il la rejoint avec une boule en verre dont il mime l'apesanteur ("l'upesanteur" préfèrent-ils évoquer dans ses textes de présentation, comme utopie), et une présence chorégraphique où se reflètent élégance, arabesques et contorsions.

L'heure de prestation est clairement délimitée en morceaux successifs, où il change de matériel, une deux ou trois boules de verre, ou fugitivement balles de caoutchouc, mais que le sol trop inégal de la salle ne permet guère d'utiliser.
Entre deux numéros de jongle, il change de casquette et lance des programmes sur son ordinateur, qui projette des animations sur le grand mur, qui réagissent aux sons projetés par Grimal.

C'est un arbre dont les branches se tordent, c'est un essaim de mots qui papillonnent, c'est un voile qui se déforme, c'est une fine pluie de lettres.

Alternant entre ses deux saxophones, elle nous garde en haleine toute l'heure, faisant preuve d'une grande inventivité mélodique, exploratrice harmonique, un flux de longues phrases insinueuses et insistantes, une tension maintenue sans excès, qui épouse avec bonheur les grands gestes de Mondot, ses jeux d'équilibres et ses poses poétiques.
Dans le cirque dit-elle à la fin, on ne fait pas de bis. Mais ce soir la musique gagne, et ils nous en proposent un, où elle cite pour la première fois de la soirée un air connu (mais oublié). Même dans cette rencontre surprenante, elle fait montre de son habituelle intensité.

Ailleurs: Quelques photos.
Spotify: Alexandra Grimal se produit principalement dans de tous petits labels pas (encore) présents sur Spotify. Mais une première exception cette année : Birgitte Lyregaard – Blue Anemone (qui sera présenté au Sunside en Février)

Lachenmann Bruckner (Salle Pleyel - 12 Novembre 2010)

2010-11-13T13:11:00.005+01:00

Helmut Lachenmann - Nun

"Le Moi n'est pas une chose, mais un lieu" est une des réflexions de Kitaro Nishida qui a donné naissance à cette pièce. Pour cela, Lachenmann a conçu une musique qui n'est pas une trajectoire, mais un lieu traversé d'événements. Le rôle de soliste de la flûte et du trombone n'est pas vraiment primordial : ils génèrent juste des événements plus marqués que le reste de l'orchestre (SWR Sinfonieorchester Baden-Baden & Freiburg), traité comme un bloc producteur de sons étranges, halètements, crépitements, palpitations ... Il y a aussi 8 chanteurs (Schola Heidelberg), assis en cercle autour du chef d'orchestre (Sylvain Cambreling). Ils ne prononceront des mots que vers la fin, dont un "Mu - Si", et "K" en claquant la langue. Il y a aussi une légère manipulation acoustique, les voix pouvant être amplifiées, les sons des solistes projetés à l'intérieur des pianos à queue pour mieux y résonner, et peut-être d'autres peu discernables dans l'étrangeté des sonorités engendrées.
"D'une manière toujours autre, c'est toujours la même chose", explique Lachenmann dans le livret, et de fait, cette pièce est comme un jardin qui, sous divers circonstances météorologiques, reste le même tout en changeant beaucoup d'aspect. La flûte et le trombone y serait des éléments marquants, comme deux arbres, parfois essentiels à l'équilibre, parfois noyés dans le brouillard ou la pluie, parfois secoués par le vent. Le terme de répétition est inadéquat, parce qu'il ferait référence à un déroulement temporel, alors qu'on est plus dans un déploiement spatial.
Musique belle ? Ce n'est pas vraiment le sujet. C'est une expérience intéressante, ayant sa charge cérémonielle, ouvrant l'esprit à toutes sortes d'interrogations et parallèles.

Anton Bruckner - Symphonie n°3 "Wagner"

De la belle matière symphonique, roborative mais pas rébarbative (ne pas confondre), que Cambreling vivifie par une utilisation marquée de la dynamique. Un joli cor soliste.

Ailleurs: ConcertoNet
Spotify: Sylvain Cambreling & SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg & SWR Vokalensemble Stuttgart – Lachenmann: Das Mädchen mit den Schwefelhölzern, Anton Bruckner, Hans Knappertsbusch, Munich Philharmonic Orchestra, – Anton Bruckner: Symphony No. 3, Symphony No. 5

Francesco Bearzatti - Malcolm X Suite au Triton (Le Triton - 11 Novembre 2010)

2010-11-12T11:04:00.005+01:00

J'avais découvert ce quatuor Tinissima il y a quelques mois par une vidéo ArteLiveWeb indisponible désormais. Ils tournent actuellement pour présenter leur deuxième album, consacré à Malcolm X, une suite en 10 tableaux (normal pour X ...), qu'ils jouent d'un bloc, comme Francesco Bearzatti nous l'indique en préambule dans un excellent français.

Danilo Gallo ne jouera que de la guitare basse, avec forces pédales d'effet, pour la transformer parfois en guitare très bluesy. Le batteur Zeno De Rossi peut jouer un peu libre et destructuré, mais la plupart du temps reste dans une rythmique très carrée, lorgnant ou plongeant dans un coté Funk/disco sans grande imagination. Cela donne une base solide, mais qu'on pourrait aimer plus légère et surprenante.

L'animation vient donc des deux souffleurs. Francesco Bearzatti est la tête pensante du groupe, compositeur de tous les morceaux, il alterne entre saxophone et clarinette, lyrisme sous contrôle, chorus généreux, beaucoup de présence sur scène. Giovanni Falzone assure une plus grande folie, trompettiste spectaculaire, techniques vocales "à la Collignon" mais plus rudimentaires. Les échanges ne sont pas encore télépathiques, comme on dit, mais leur interaction est prometteuse.

Originale fin de set : les musiciens se présentent face au public, tandis que l'épilogue de la suite pour malcolm X, où chante Napoléon Maddox, passe sur les enceintes, que tous écoutent en intégralité et sans broncher.
Un second court set leur permet de donner deux morceaux du premier album, dont un "Why" très énergique.

Un bon concert, mais où on sent un groupe qui peut devenir encore bien meilleur.

Ailleurs: Alex Duthil.
Des extraits d'un concert de la même tournée sont disponibles sur Youtube :
Bearzatti; Malcolm X part 1, part 2, part 3, etc.

HK Gruber - Kurt Weill (Cité de la Musique - 10 Novembre 2010)

2010-11-11T10:46:00.004+01:00

Kurt Weill - Vom Tod im Wald

Le concert commence en retard et dans une salle un peu vide, à cause d'un colis suspect dans la station de métro. Cette courte pièce vocale était supposée être intégrée au "Berliner Requiem" que nous entendrons en deuxième partie, mais finalement resta isolée. On y retrouve cependant le même groupe instrumental, à savoir la phalange des vents de l'Orchestre Philarmonique de Radio France, dirigée par HK Gruber. Qui malheureusement chante aussi, ou plutôt psalmodie et vocifère, opte pour un parlé-chanté qui convient à sa voix assez banale, mais ne m'enthousiasme guère. Reste la musique, balançant entre calmes glacés et rages éructantes, pour conter la mort d'un homme dans une forêt, que ses compagnons horrifiés voudraient voir disparaître comme un gentleman, alors qu'il crève comme une bête.

HK Gruber - Busking

C'est un concerto pour trompette et orchestre à cordes. Le soliste Hakan Hardenberger commence par jouer d'une embouchure détachée, comme un sifflet, puis change de trompette pour chacune des trois parties, mais globalement ne se tait jamais. Dans l'accompagnement des cordes, c'est le rôle exotique du banjo ou de l'accordéon qui m'intéresse le plus. Mais tout cela est long, répétitif, débordant de virtuosité gratuite, en somme, assommant.

Kurt Weill - Das Berliner Requiem

On reprend donc les cuivres et les bois du Philarmonique, accompagnés du choeur de Radio France et d'un percussionniste, et surtout de deux vrais chanteurs, le ténor Rainer Frost et le baryton Florian Boesch, ce dernier absolument remarquable d'intensité et d'engagement, à la limite d'en faire trop par moments, mais quel coffre, et quelle émotion ! La version donnée par Gruber ne suit pas le livret habituel, peut-être est-ce la version originale avant remaniement du à la censure. On commence directement par la "Ballade de la fille noyée", puis "Die rote Rosa" au lieu de "Marterl" ! Je ne connaissais pas ce cycle, mais on est d'emblée à la hauteur de mes Weill préférés : arrangements d'une fausse simplicité, comme ces accords à la guitare sous le choeur introductif, douceur désespérée de la clarinette pour Rosa, véhémence des poèmes de Brecht sur le soldat inconnu, massacré et défiguré par ses camarades et enterré sous une lourde plaque pour ne plus jamais revenir les accuser, parfois lentes montées en puissance avec entrée successives des instruments, parfois flamboyances soudaines, c'est à la fois d'une évidence lumineuse et rempli de surprises qui forcent l'attention. Captivant, magistral, féroce et bouleversant.

Ailleurs: Vous pouvez écouter pour quelques semaines le concert enregistré par France Musique (avec de beaux compléments, du Weill chanté par Nina Hagen ou Lotte Lenya).
Spotify: Paul Hillier – Weill: Das Berliner Requiem, Lotte Lenya – Lotte Lenya Sings Kurt Weill, Swedish Chamber Orchestra – Gruber, H.K.: Manhattan Broadcasts / Cello Concerto / Zeitfluren

Ensemble Modern - Peter Eötvös (Salle Pleyel - 6 Novembre 2010)

2010-11-09T20:55:00.002+01:00

Bruno Mantovani - Postludium

Ca commence par un fracas impressionnant, qui se calme peu à peu. De jolies couleurs comme d'habitude, avec un accordéon bien fondu dans l'orchestre. Qualifier la fin d'épure au discours raréfié me semble un peu exagéré, on n'est ni chez Ligeti statique, ni chez Nono ascétique.

Jens Joneleit - Dithyrambes

Le compositeur explique avoir en quelque sorte improvisé l'écriture, en proie à "une rage d'écrire". Du coup, ça part un peu dans tous les sens, et ça fait beaucoup de bruit. C'est d'ailleurs une constante ce soir : au premier rang du balcon, qui n'est pas une place très agréable pour les jambes, l'orchestre pléthorique requis par Schoenberg et utilisé pour les trois créations de la soirée (c'est le seul vrai concert de musique contemporaine à Pleyel cette année ...) est près de m'agresser par le volume sonore déployé. Trop de percussions, trop de cuivres, l'Ensemble Modern s'en donne à coeur joie, et Peter Eötvös ne le retient pas.

Arnold Schoenberg - 5 pièces opus 16

Schoenberg me reste toujours assez opaque et fascinant, tout en tension entre le langage qui tend vers l'abstrait, et le discours expressionniste encore gorgé de romantisme inavouable. J'essaie de repérer la Klangfarben melodie de la pièce 3, et échoue - mais apprécie l'atmosphère mystérieuse.

Johannes Maria Staud - Contrebande (On Comparative Meteorology II)

Toujours le même très gros effectif d'orchestre, mais de la musique moins agressive. Il y a quelque-chose de météorologique en effet, comme une transcription de phénomènes naturels, marée, vent, nuages. Mais toujours de grosses bouffées de violence orchestrale. Garder d'une pièce à l'autre le même instrumentarium permet de limiter considérablement les durées d'attente entre les morceaux, puisqu'il n'y a pas de changements à effectuer sur le plateau. Mais ça donne aussi un peu trop la même texture aux pièces successives. Sur la longueur, je décroche un peu.

Arnold Schoenberg - Variations opus 31

Pas de souvenirs.

Ailleurs: Joël, ConcertoNet.
Spotify: 20th Century Classics: Arnold Schoenberg, Siegfried Mauser – New Piano & Chamber Music

Intersessions 6 (Le Triton - 5 Novembre 2010)

2010-11-08T21:18:00.004+01:00

Le principe des "Intersessions", c'est de mélanger des musiciens de l'Ensemble InterContemporain avec des musiciens de Jazz, pour des improvisations. C'est la première fois que j'y assiste (ma découverte de cette salle étant récente).
Ce soir, nous avons coté Jazz la contrebassiste Joëlle Léandre et la pianiste Sophia Domancich, et coté EIC la flûtiste Emmanuelle Ophèle et le violoncelliste Eric-Maria Couturier. Un quartet peu fréquent, donc, "sans tambour ni trompette", et avec un doublement des cordes basses. Au gré des morceaux, ils se recombineront en trios et duos.

Ce qui me frappe surtout, c'est la différence dans l'approche de leurs instruments. Joëlle Léandre empoigne sa contrebasse dans un affrontement physique impressionnant, en extirpant toutes sortes de sons, claquements, vrombissements, grognements. Sophia Domancich attaque elle aussi son piano avec une pointe de véhémence, galopades et clusters, mais dans un discours très articulé, notes précisément énoncées. Les rôles sont distribués : Léandre en fondation, Domancich dans le décalage presque indépendant.
Entre elles deux, les membres de l'EIC, pour qui l'instrument semble, non pas un partenaire à affronter pour en tirer des étincelles, mais un prolongement de soi à travers lequel passe la musique. Eric-Maria Couturier n'est pas novice en Jazz, ayant déjà joué avec David Linx. Il se prête donc facilement aux approches bruitistes, ou bricole un contrepoint, ou s'épanche dans une belle mélodie. Emmanuelle Ophèle a plus de mal. J'ai l'impression qu'elle se refuse au spectaculaire, mais du coup reste un peu en arrière-plan ; bien sur, elle possède toutes les techniques, elle ose le cri, et les souffles, mais c'est plus en accompagnement qu'en force de proposition.

Entre les musiciens, le courant semble bien passer, et c'est essentiel. Il y a de la gaieté, de l'humour, de la complicité qui se crée. Léandre demande à Ophèle de se déplacer pour qu'elle puisse voir ses yeux, Domancich prolonge plus que nécessaire une coda à une superbe improvisation, expliquant en riant "Vous croyez que c'est terminé, mais pas du tout ! This is my concerto !", les musiciens se trompent dans les entrées/sorties ... Si bien que malgré la timidité d'Ophèle, et grâce à l'énergie de Léandre, la maitrise de Domancich, l'émotion de Couturier, c'est un très agréable moment musical qui se partage sur scène.

Spotify: Flowers Trio (Ramon Lopez, Sophia Domancich, Joëlle Leandre) – Flowers Of Peace